Prohibido contar ovejas

Osad

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  Prohibido Contar Ovejas: M83, Brad Pitt y María Pagés 25.09.2026 1t 54min

  El espacio cultural de esRadio viaja del rock distorsionado de Royal Blood a la nostalgia de la danza autobiográfica y el cine familiar. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio reúne a Felipe Couselo junto a sus colaboradores habituales, entre ellos Juanma González, Daniel Palacios y Alma Espinosa. El programa arranca con el habitual tono desenfadado, bromeando sobre la serie Friends y la evolución del espacio televisivo, antes de dar paso a las secciones de música y artes escénicas que protagonizan esta edición. En el apartado musical, Daniel Palacios presenta las últimas novedades discográficas. Comienza con "Bitter Sun Sunrise", el último adelanto del nuevo trabajo de M83, titulado Fantasy, un proyecto muy esperado por los seguidores de la banda francesa. A continuación, suena "Shollow the Bomb", el potente sencillo de adelanto de Royal Blood para su próximo disco de estudio, titulado Back to the Water Below, demostrando la vigencia de su característico formato de dúo de rock con bajo distorsionado. La selección de Palacios continúa explorando sonidos más oscuros y pesados con "House by the Grave" de la banda británica de rock psicodélico y doom Uncle Acid and the Deadbeats, extraído de su álbum Nell's Grave. Para cerrar su tanda de novedades, introduce a la banda noruega de punk rock The Dogs con su enérgico tema "7:25", perteneciente a su trabajo Trauma Junkie, una propuesta que destaca por su sonido directo y garajero muy influenciado por el clásico estilo escandinavo. Por su parte, Isaac Vizcaíno nos acerca al jazz experimental con la propuesta del dúo suizo Ocušo y su tema "Frozen Flashes", en el que colabora el flautista y saxofonista británico Tenderlonious. Este corte, que combina bases electrónicas con jazz contemporáneo, sirve como ejemplo de la evolución que está experimentando el género en Europa. En la sección de artes escénicas, Alma Espinosa recomienda el espectáculo de danza flamenca Bilbao Square, creado por la célebre bailaora y coreógrafa María Pagés, que se representa en el centro cultural Matadero Madrid. La obra es un recorrido autobiográfico y poético que narra el viaje de la artista desde Sevilla hasta Madrid a los quince años, realizando el trayecto a bordo de un mítico Citroën Tiburón negro. El repaso cinematográfico de la semana se centra en tres producciones muy diferentes. Juanma González analiza la película de acción En el Corazón de la Bestia, protagonizada por Brad Pitt en el papel de un antiguo boina verde que trata de sobrevivir en la naturaleza salvaje de Alaska junto a su perro de combate, una propuesta que destaca por su sobriedad y aroma a cine clásico. La segunda propuesta es la cinta de animación de DreamWorks, La Isla Olvidada, que el equipo define de forma divertida como una curiosa mezcla entre Resacón en Las Vegas y Olvídate de Mí, ideal para disfrutar en familia pero con un humor inteligente que apela tanto a niños como a adultos. Por último, el programa destaca el estreno del largometraje español Te Estoy Amando Locamente, dirigido por Alejandro Marín. La cinta aborda los inicios del movimiento de liberación homosexual en la Sevilla de finales de los años setenta, logrando un equilibrio entre la denuncia de la represión histórica y una emotiva historia de amor y superación.
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  CineBeat consolida su éxito en Mérida: del rock castúo a la mítica Sala Canciller 25.09.2026 42min

  El certamen emeritense ofrece desde punk y skate bajo el puente Lusitania hasta proyecciones documentales de grupos como Oasis o Kora. En esta nueva edición del programa de esRadio, se presenta una entrevista en profundidad con Ángel Urízar, el director y principal responsable de Cinevit, el consolidado festival de cine y música que se celebra en la histórica ciudad de Mérida. Urízar comparte su entusiasmo al alcanzar el tercer año consecutivo de este certamen, que nació con un espíritu humilde y low-cost, pero que hoy en día se ha convertido en un auténtico referente cultural en Extremadura. Con una programación que incluye a 55 artistas y un total de 59 conciertos, el festival ha logrado expandir sus horizontes y su red de salas colaboradoras. Uno de los puntos fuertes de esta edición es la apuesta por la transversalidad de la cultura, conectando la música con otras disciplinas como la fotografía y las artes plásticas. Urízar destaca la espectacular exposición inaugurada a cargo del reconocido fotógrafo Juan Fajardo, famoso por retratar en la intimidad de su estudio a grandes leyendas de la música nacional e internacional, como Neil Young, Santana o Aitana. Lejos de ser meras fotografías de conciertos, la muestra ofrece una mirada única y personal que ha dejado maravillados a los primeros visitantes del festival. El cine documental de temática musical sigue siendo la columna vertebral de Cinevit. Entre las proyecciones más esperadas de este año se encuentra el documental sobre la mítica Sala Canciller de Madrid, un templo del rock de las décadas de los setenta y ochenta. Urízar aprovecha para reivindicar la importancia de las salas de conciertos de pequeño y mediano formato frente a la burbuja actual de los macrofestivales. La proyección contará con la presencia de los antiguos dueños de la sala y de Juan Luis, líder de la mítica banda de rock Asfalto. La programación del festival está diseñada para tender puentes intergeneracionales, ofreciendo actividades adaptadas a todo tipo de públicos. En la sección de cine y escuela, los adolescentes podrán disfrutar de cintas como Movida del 76, que cuenta con una banda sonora repleta de clásicos de los Rolling Stones, mientras que los más pequeños tendrán su espacio con la proyección de Canta 2. Asimismo, se proyectará un valioso trabajo sobre la historia del rock extremeño dirigido por Juanjo Pizarro y el aclamado documental sobre la banda británica Oasis. Para la jornada del sábado, el festival ha preparado una de sus actividades más dinámicas y urbanas en el skate park situado bajo el imponente puente Lusitania de Mérida. Este evento fusionará la música punk en directo con exhibiciones de monopatín y arte urbano a cargo de grafiteros locales. Toda la actividad será registrada por el realizador Kike Pastrana, quien se encargará de dar forma a un vídeo con la estética analógica de los videoclips de rock alternativo de la década de los noventa. El broche de oro de Cinevit llegará el domingo con una serie de actuaciones de primer nivel en el entorno monumental de la ciudad. El público podrá disfrutar de los directos de la banda madrileña Black Maracas, ganadores del certamen en la pasada edición, así como de los portugueses Cobra Puma. La clausura correrá a cargo de la emblemática formación extremeña Bucéfalo, pioneros del conocido como rock castúo, que fusiona el rock duro con letras que reivindican el habla tradicional de Extremadura y la poesía de Luis Chamizo. Finalmente, Ángel Urízar invita a todos los amantes de la cultura a visitar la página web oficial, cinevit.es, donde se detalla el programa completo y los horarios de cada uno de los eventos para que los asistentes puedan diseñar su propio itinerario personalizado. En esta edición también destaca la incorporación del grupo de pop gallego Kora, una muestra más del carácter abierto, integrador y en constante crecimiento de un festival que ya es una cita ineludible en el calendario cultural extremeño.
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  Telele: Jornada de puertas abirtas en los colegios e institutos de series 24.09.2026 30min

  Un viaje por la nostalgia televisiva que contrasta el lujo de Las Encinas con las carencias del centro público de Springfield en esRadio. Con la llegada de septiembre y la tradicional vuelta al cole, el equipo del programa analiza los colegios e institutos más famosos de la televisión. A través de un recorrido divertido y nostálgico, repasan cinco centros educativos de la ficción que a todos nos habrían gustado —o no— visitar. El primero de la lista es el exclusivo colegio Las Encinas de la conocida serie de televisión Élite, un centro privado donde, además de cursar los estudios tradicionales, los alumnos parecen verse envueltos constantemente en investigaciones criminales y dramas personales de gran intensidad. Las Encinas destaca por unas instalaciones de ensueño que ya quisieran para sí muchos centros reales: laboratorios de ciencias, biblioteca, gimnasio, piscina, auditorio, cafetería y múltiples pistas de tenis, fútbol, baloncesto y pádel. Sin embargo, la serie también refleja el choque de clases entre los alumnos de familias multimillonarias y los estudiantes becados, quienes suelen cargar con las culpas de todo lo malo que ocurre. Aunque los exteriores se grabaron en el campus de la Universidad Europea de Madrid en Villaviciosa de Odón, la vida disoluta de los protagonistas, llena de excesos y relaciones complejas, aleja a este instituto de cualquier realidad cotidiana. La segunda parada nos lleva directos a los años noventa con Bayside High, el mítico instituto americano de la serie Salvados por la Campana. Este centro se convirtió en el ideal para toda una generación gracias a sus icónicas taquillas de pasillo y a un ambiente mucho más inocente y cómico. Personajes imborrables como Zack Morris, Kelly Kapowski, Slater o el entrañable Screech daban vida a unas aulas donde el estudio quedaba en un plano muy secundario frente a las peripecias diarias y las charlas en la cafetería, cuyo encargado resultaba ser un divertido mago. Sin movernos de California, el resumen continúa con West Beverly High, el escenario principal de la mítica producción Sensación de Vivir. Aquí el lujo y el dinero de Beverly Hills marcan el día a día de personajes tan populares como Dylan, Kelly, Steve o los hermanos Brandon y Brenda Walsh, recién llegados de Minnesota. Las tramas de esta serie se centraban especialmente en la vida social de los alumnos, sus romances y los problemas de la alta sociedad, mostrando un modelo de instituto público norteamericano pero con un nivel adquisitivo altísimo que fascinó a los espectadores de la época. El viaje por las aulas de la ficción da un giro gótico al adentrarse en la Nevermore Academy (Academia Nunca Más) de la exitosa serie de Netflix Miércoles. Este centro funciona como un internado para excluidos y seres con capacidades sobrenaturales, tales como sirenas, hombres lobo o vampiros. La protagonista, Miércoles Addams, interpretada por Jenna Ortega, se desenvuelve en un ambiente oscuro y misterioso que contrasta fuertemente con la colorida personalidad de su compañera de habitación, ofreciendo una estética visual única que ha cautivado al público actual. Finalmente, el programa analiza la cara más humilde y desastrosa de la educación pública con la escuela primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson. El colegio de Bart y Lisa es el ejemplo perfecto de centro educativo precario y mal financiado, dirigido por el siempre estresado director Skinner. Desde la comida de dudosa procedencia de la cocinera Doris hasta los castigos de Bart frente a la pizarra, este colegio caricaturiza con un humor ácido el sistema escolar. Para cerrar la sección con broche de oro, el programa da paso a la música nacional con el tema "El viaje de Chihiro" del artista gallego Iván Ferreiro, poniendo un toque melancólico a esta particular vuelta a las aulas en esRadio.
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  Las cosas de Palacios: El lado country y más íntimo de James Hetfield 24.09.2026 27min

  A pesar de su histórica rigidez con los proyectos paralelos en Metallica, el vocalista siempre ha mostrado inquietudes hacia el blues o el folk. En una nueva entrega de la sección musical de esRadio, el colaborador Daniel reflexiona sobre la trayectoria de los grandes líderes de bandas de rock y metal que han decidido dar el paso para lanzar carreras en solitario. Tras mencionar a figuras icónicas como Chris Cornell o Mike Patton, Daniel se centra en un artista que, a su juicio, tiene una asignatura pendiente en este aspecto: James Hetfield, el carismático vocalista y guitarrista de la mítica banda Metallica. El colaborador analiza cómo la postura de Hetfield respecto a los proyectos paralelos de sus compañeros ha sido históricamente intransigente, llegando a ser tildada de 'talibán'. Este celo excesivo por la exclusividad de su banda principal fue el detonante del famoso conflicto con el bajista Jason Newsted, a quien se le dio un ultimátum que finalmente provocó su salida del grupo. A pesar de esta rigidez, el análisis musical de Daniel demuestra que el líder de Metallica siempre ha albergado inquietudes artísticas que van más allá del thrash metal tradicional. El recorrido sonoro comienza en 1991 con el célebre álbum homónimo de la banda, conocido popularmente como el Black Album. La balada Nothing Else Matters supuso un punto de inflexión radical en su carrera, mostrando por primera vez una faceta íntima y vulnerable del cantante que descolocó a muchos de sus seguidores habituales. Además, en este mismo trabajo, temas como The God That Failed sirvieron para que Hetfield canalizara traumas muy personales, como la muerte de su madre a causa de sus creencias religiosas, lo que marcó el inicio de unas letras mucho más terapéuticas y alejadas de la temática política de los años ochenta. Daniel rompe una lanza a favor de los controvertidos discos de mediados de los noventa, Load y Reload, defendiendo que es precisamente en esta etapa experimental donde Hetfield muestra su mejor registro vocal. En canciones como Bleeding Me y, sobre todo, la abiertamente country Mama Said, el músico estadounidense se despoja de las ataduras del metal pesado para abrazar el blues y el country, géneros que domina con maestría y que interpreta con una profunda carga emocional. La influencia de estos estilos norteamericanos tradicionales no solo se limitó a lo musical, sino que también afectó notablemente a la estética de Hetfield a finales de la década, quien adoptó un aspecto de vaquero moderno y comenzó a utilizar guitarras equipadas con dispositivos mecánicos como el B-Bender. Su interés por explorar nuevos horizontes musicales también quedó patente en el disco de versiones Garage Inc., donde interpretó de forma magistral clásicos de Bob Seger y demostró su enorme admiración por compositores de la talla de Nick Cave. Para concluir, el espacio radiofónico analiza rarezas como la versión acústica de All Within My Hands y, muy especialmente, la grabación de 2003 de una versión de Waylon Jennings. En esta última pieza, Hetfield grabó todos los instrumentos por sí mismo de la mano del productor Bob Rock, evidenciando que posee la capacidad técnica y creativa de firmar un álbum completamente autónomo. El programa concluye animando al vocalista a seguir los pasos de su compañero Kirk Hammett y a liberarse de sus antiguos prejuicios para regalarnos un esperado proyecto en solitario.
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  Prohibido Contar Ovejas: Susi, Susón y otras chicas del montón 24.09.2026 1t 30min

  De la magia de Studio Ghibli a las aulas de 'Salvados por la campana': el equipo de Felipe Couselo repasa la cultura pop en su última emisión. En esta nueva entrega del programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo, acompañado por sus colaboradores Alma Espinosa, Juanma González e Isaac, inicia la emisión con su habitual tono desenfadado. Entre bromas y comentarios sobre la marcha del programa, el equipo destaca el apoyo de sus oyentes, mencionando en particular a un fiel seguidor que ha escuchado todos los programas anteriores. Asimismo, rememoran momentos divertidos de series icónicas de la televisión, sirviendo de preludio para las diversas secciones culturales de la noche. La primera gran recomendación cultural de la noche corre a cargo de Felipe Couselo, quien presenta el libro Los Mundos de Hayao Miyazaki, escrito por Nicolas Rapold y publicado en España por la editorial Lunwerg. Esta obra analiza en profundidad la trayectoria del célebre director de animación de Studio Ghibli. El volumen destaca por su enfoque interdisciplinar, explorando cómo influyen la literatura, las costumbres y el folclore en la filmografía del creador japonés. El autor del libro detalla aspectos como la cuidada gastronomía en las películas de Miyazaki y su conexión conceptual con obras de la literatura universal como El Principito. Posteriormente, el programa se adentra en el terreno musical con un detallado monográfico sobre James Hetfield, el legendario líder de la banda de thrash metal Metallica. El colaborador Daniel analiza la faceta más oculta y personal del músico estadounidense, revelando su profunda admiración por géneros como el country y el blues. A lo largo de la sección, se debate sobre la estricta política de exclusividad que imperaba en la banda y que impidió a Hetfield emprender una carrera en solitario, un deseo que el cantante canalizó de manera sutil en algunas de las composiciones más melódicas y heterodoxas del grupo. El análisis musical repasa temas emblemáticos que marcaron un punto de inflexión en la trayectoria de la formación. Se destaca 'Nothing Else Matters', perteneciente al aclamado album de 1991, una balada íntima que supuso un cambio radical respecto a su sonido habitual. Asimismo, se profundiza en trabajos posteriores como Load y Reload, donde Hetfield dio rienda suelta a sus influencias sureñas en cortes como 'Bleeding Me', la profundamente personal 'Mama Said' —dedicada a la muerte de su madre— o 'Low Man's Lyric'. Daniel también menciona 'All Within My Hands' y la versión que Hetfield grabó en 2003 del clásico de Waylon Jennings, 'Don't You Think This Outlaw Bit's Done Got Out of Hand?', donde el vocalista tocó todos los instrumentos bajo la producción de Bob Rock. Por su parte, Isaac toma las riendas para ofrecer una lección de historia de la música funk y hip-hop. El colaborador se centra en el icónico tema 'Funky Drummer' de James Brown, publicado en 1970, prestando especial atención al legendario solo de batería ejecutado por Clyde Stubblefield. Este breve patrón de batería se ha convertido en el loop más sampleado de la historia de la música moderna, sirviendo de base rítmica para innumerables canciones de rap, pop y música de baile electrónica. A pesar de la inmensa popularidad de su ritmo, el baterista nunca recibió las regalías correspondientes por su autoría. Para finalizar, los micrófonos de esRadio acogen una divertida sección dedicada a los colegios e institutos más famosos de las series de televisión. Los colaboradores analizan las diferencias entre estos centros de ficción y la realidad de las aulas españolas. Comienzan analizando Las Encinas, el exclusivo y sombrío centro de la serie Élite, caracterizado por sus intrigas, excesos y crímenes. En contraste, recuerdan con nostalgia el Bayside High School de la mítica serie juvenil Salvados por la Campana, repasando las andanzas de personajes entrañables como Zack Morris, Kelly Kapowski y A.C. Slater —el eterno 'pimpollo'— bajo la constante vigilancia del director, el señor Belding. El repaso catódico continúa con otros colegios emblemáticos como el West Beverly High de Sensación de Vivir, donde las vidas de los hermanos Brandon y Brenda Walsh se cruzaban con las de Dylan, Kelly y Steve en un ambiente de lujo californiano. También se analiza la Academia Nunca Más de la reciente producción Miércoles, un internado de estética gótica para jóvenes excluidos y seres sobrenaturales que acoge a la hija de la familia Addams. Para terminar, no podía faltar la Escuela Primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson, el humilde y descuidado colegio público donde Bart y Lisa Simpson sufren las decisiones del atribulado director Seymour Skinner.
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  Notas (musicales) a pie de página: Historia del Funky Drummer, el ritmo más sampleado 24.09.2026 26min

  De N.W.A a Madonna, esRadio descubre cómo un solo improvisado de batería de 1970 acabó transformando la cultura de masas y la música popular. En esta nueva sección musical en esRadio, se realiza un apasionante recorrido por la historia de uno de los ritmos más influyentes y utilizados en la música contemporánea: el famoso patrón de batería de la canción Funky Drummer de James Brown. Grabada en el año 1970, este tema de larga duración incluía una sección improvisada en la que el mítico baterista Clyde Stubblefield ejecutó un solo de apenas veinte segundos. Aunque la canción original no gozó de un éxito comercial masivo de manera inmediata, ese pequeño fragmento de percusión estaba destinado a cambiar el rumbo de la música popular décadas después al convertirse en el ritmo más sampleado de la historia. Con la llegada de los años ochenta y el nacimiento de la cultura del hip-hop en los barrios de Nueva York, figuras pioneras como DJ Kool Herc descubrieron el potencial de estos fragmentos instrumentales, conocidos popularmente como breaks. Los pinchadiscos demandaban estas bases rítmicas para mantener a la gente bailando durante las fiestas callejeras. Para facilitarles el trabajo, el pinchadiscos Danny Krivit editó una versión especial titulada Funky Drummer Bonus Beat Reprise, que aislaba y repetía el bucle de batería de Clyde Stubblefield, entregando en bandeja de plata una herramienta indispensable para los productores de rap que buscaban ritmos potentes y contagiosos. A pesar del gigantesco impacto cultural de su creación, el batería Clyde Stubblefield nunca recibió regalías directas ni compensaciones económicas significativas por estos samples al no figurar en los créditos originales de autoría. No obstante, el respeto de la comunidad musical hacia su figura quedó patente cuando el legendario artista Prince, considerado un gran benefactor de la música negra, se hizo cargo de sus facturas médicas antes de fallecer en el año 2017. Para ilustrar la asombrosa versatilidad de este ritmo, los colaboradores de esRadio seleccionaron y comentaron una lista de canciones emblemáticas pertenecientes a géneros muy diversos que se construyeron sobre esta misma base de percusión. El primer gran ejemplo analizado pertenece al grupo californiano N.W.A con su histórico tema de 1988 titulado Straight Outta Compton. Esta canción, que definió el sonido del West Coast rap, utiliza el loop de batería acelerado y combinado con otros elementos para generar una atmósfera de gran tensión. Los presentadores recordaron con nostalgia la época en la que este tipo de cintas de casete llegaban a España a través de familiares o conocidos procedentes de Estados Unidos, abriendo el camino para la difusión de la cultura del hip-hop en nuestro país a principios de los años noventa, cuando todavía era un movimiento muy minoritario. La influencia de James Brown continuó expandiéndose en el género con éxitos como Mama Said Knock You Out de LL Cool J, donde la batería del Funky Drummer sirve de soporte para la agresiva interpretación vocal del rapero. El programa de esRadio continuó su andadura musical demostrando que este recurso no fue exclusivo del rap estadounidense, sino que dio el salto al pop de masas de la mano de superestrellas mundiales como Madonna en su sensual tema de 1990 Justify My Love, coproducido junto a Lenny Kravitz en una de las etapas más provocativas de la carrera de la ambición rubia. Otro de los momentos cumbres de la lista lo protagoniza George Michael con su himno generacional Freedom! '90. En esta producción, el característico bombo y la caja del tema original se encuentran integrados de forma mucho más sutil y matizada, restando protagonismo a la percusión para dar paso a las texturas de piano y gospel. Este tema supuso una declaración de intenciones por parte del artista británico, quien buscaba desmarcarse de su impuesta imagen de sex-symbol y de las estrictas exigencias de su compañía discográfica, en una época en la que incluso se negaba a aparecer en sus propios videoclips. La increíble adaptabilidad de la batería de Clyde Stubblefield se demuestra también al fusionarse con el folk irlandés gracias a la magnífica versión que Sinéad O'Connor realizó de la canción tradicional I Am Stretched on Your Grave. La cantante irlandesa superpuso su impresionante y melancólica voz casi a capela sobre el desnudo y repetitivo ritmo del Funky Drummer, demostrando que este loop de batería puede dotar de una fuerza dramática inusitada a composiciones aparentemente incompatibles con la música negra tradicional. En el Reino Unido, la escena independiente de Mánchester también cayó rendida ante los encantos de este sample. Agrupaciones míticas de la corriente conocida como Madchester, como los Stone Roses en su célebre tema instrumental Fools Gold o los Happy Mondays en Step On, recurrieron de forma literal a esta base rítmica para fusionar la energía del rock de guitarras con la naciente cultura de los clubes de baile y el acid house de principios de los noventa. Los colaboradores recordaron entre risas las divertidas anécdotas de estas bandas inglesas, famosas por su caótica ética de trabajo y sus constantes excesos durante las grabaciones. Para muchos, la cumbre artística en el uso de esta base rítmica la alcanzaron los pioneros del trip-hop Massive Attack en su obra maestra de 1991, Unfinished Sympathy. Grabado en la ciudad de Bristol, el tema combina el sample de percusión de manera magistral con arreglos orquestales de cuerda, sintetizadores y la desgarradora interpretación vocal de Shara Nelson, logrando una de las composiciones más aclamadas de la historia de la música británica. El programa cerró el repaso mostrando los usos más insólitos del sample, desde las cuestionadas incursiones en el smooth jazz de Kenny G con su tema G-Bop hasta los sonidos atmosféricos del proyecto New Age Enigma en Age of Loneliness, demostrando el eterno legado de James Brown en la cultura popular.
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  Prohibido Contar Ovejas: Libre como un pájaro 23.09.2026 1t 30min

  De Bob Marley a Lynyrd Skynyrd, el espacio de esRadio analiza grandes temas de la música que usaron la fauna alada como metáfora de superación. En esta edición de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio presentado por Felipe Couselo, la temática principal gira en torno a los pájaros como símbolo de libertad o de su ausencia en la historia de la música popular. A través de una cuidada selección musical, el locutor analiza cómo diferentes artistas han utilizado la figura de las aves para transmitir mensajes de paz, lucha social o superación personal. El recorrido musical comienza con Albatross, el célebre tema instrumental de Fleetwood Mac compuesto por Peter Green a finales de los sesenta e inspirado en un poema clásico. A continuación, suena el enérgico y divertido Surfin' Bird de The Trashmen, popularizado para las nuevas generaciones por la serie de televisión Padre de Familia, que fusiona dos temas originales de The Rivingtons. La calma llega de la mano de Bob Marley y su eterno Three Little Birds, lanzado en el álbum Exodus de 1977. Couselo explica que esta canción, que invita a no preocuparse por nada, fue compuesta en Jamaica tras sufrir un intento de asesinato, convirtiéndose en uno de los mayores himnos de optimismo de la música contemporánea. El programa continúa con Rockin' Robin de Bobby Day, un clásico del rock and roll de 1958 que más tarde versionaría un jovencísimo Michael Jackson. Este tema también cuenta con referencias literarias, como su aparición en la célebre novela It de Stephen King. Uno de los momentos cumbres del programa es el análisis de Blackbird, la obra maestra de The Beatles compuesta por Paul McCartney en 1968. Detrás de la aparente sencillez de este tema del White Album se esconde una metáfora de apoyo a la lucha por los derechos civiles de las mujeres negras en los Estados Unidos. La melancolía y el misterio se apoderan de las ondas con The Nightingale, interpretada por Julee Cruise con letra de David Lynch y música de Angelo Badalamenti, un tema que evoca la atmósfera de la mítica serie Twin Peaks. El director estadounidense suele recurrir a la simbología de las aves en sus producciones, utilizando al ruiseñor en este caso como un heraldo del amor frente a la tragedia. La relación entre la libertad y la pérdida se vuelve a hacer patente con Songbird, interpretada por Christine McVie en el legendario álbum Rumours de Fleetwood Mac, un trabajo marcado por las dolorosas rupturas internas de la banda. El vuelo de las aves también inspira la evolución en Fly Like an Eagle de Steve Miller Band, y la contracultura de San Francisco en Bluebird de Buffalo Springfield. Finalmente, el programa transita por el nacimiento del glam rock con Ride a White Swan de T. Rex y el pop de principios de los dos mil con I'm Like a Bird de Nelly Furtado. El broche de oro lo ponen The Alan Parsons Project con The Raven, inspirada en el célebre poema de Edgar Allan Poe, y el inmortal himno de rock sureño Free Bird de Lynyrd Skynyrd, un tributo al guitarrista Duane Allman que cierra la emisión.
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  Prohibido Contar Ovejas: La cosa en la niebla, con Martín Garabal, y otras historias de aviones 22.09.2026 1t 36min

  Repasamos la cinta de serie B, "La cosa en la niebla", de Cheday Reyes y analizamoa clásicos de acción y humor como 'Hot Shots!' o 'Air Force One'. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa de esRadio presentado por Felipe Couselo y Juanma González, la madrugada se viste de cine con un invitado muy especial. Los micrófonos del estudio reciben a Martín Garabal, reconocido actor, director y streamer argentino, quien se une a la charla para desgranar los detalles de su último proyecto cinematográfico y repasar una selección de películas míticas que se desarrollan en el interior de aviones. El núcleo de la conversación gira en torno a La cosa en la niebla, la ópera prima del director canario Cheday Reyes, escrita por Juanjo Ramírez Mascaró. Se trata de una desternillante comedia de terror que transcurre casi en su totalidad dentro de la cabina de un avión antiguo, lo que supuso un reto interpretativo mayúsculo para Garabal y su compañera de reparto, Elena de Lara, al tener que sostener la tensión dramática en un espacio sumamente claustrofóbico. Martín Garabal encarna a Ismael, un piloto de vuelta de todo que encaja en el arquetipo de macho alfa patético: un hombre que intenta aparentar una seguridad y una superioridad que en realidad no posee. Los colaboradores coinciden en alabar que la cinta huya del cinismo y de la ironía tan habituales en el cine contemporáneo, decidiéndose por abordar la comedia desde la seriedad de los personajes, lo que confiere a la historia un encanto clásico que recuerda a las producciones de serie B de los años ochenta y noventa. Durante la entrevista, el actor detalla cómo llegó al proyecto a través de un mensaje de Instagram de la productora Jugoplastika y bromea sobre las dificultades físicas del rodaje, señalando que su personaje no se levanta del asiento de la cabina hasta el minuto 41 debido a su imponente estatura de casi dos metros. Además, destaca el valor de utilizar efectos especiales tradicionales y maquetas, en un claro homenaje al cine de John Carpenter, frente al abuso de pantallas verdes del Hollywood actual. El segundo bloque del programa se centra en las películas de aviación más icónicas de la historia del cine. Los presentadores abren el repaso con la disparatada Hot Shots!, la célebre parodia de Top Gun protagonizada por Charlie Sheen. Felipe Couselo y Juanma González rememoran los gags más absurdos de esta comedia, que sigue siendo un referente indispensable del humor absurdo y de la que destacan el excelente trabajo de su reparto coral. A continuación, analizan el curioso fenómeno de Serpientes en el avión, el largometraje de acción y suspense encabezado por Samuel L. Jackson. Los locutores explican cómo la película se convirtió en un éxito viral en internet mucho antes de su estreno debido a lo delirante de su premisa, sirviendo hoy en día como un ejemplo clásico de la desconexión que a veces existe entre el ruido de las redes sociales y la taquilla real. La acción más pura llega de la mano de Con Air, el clásico de los noventa protagonizado por un carismático Nicolas Cage que se enfrenta a un peligroso grupo de convictos liderados por John Malkovich. Juanma González resalta el impresionante elenco de la cinta y su asombroso clímax en Las Vegas, comparándola con otras grandes producciones de la época como Pasajero 57, que encumbró a Wesley Snipes como héroe de acción. Finalmente, el programa rinde tributo a Air Force One, donde Harrison Ford encarna al presidente de los Estados Unidos definitivo, y a Decisión crítica, protagonizada por Kurt Russell. La velada concluye con la sintonía del tema Aeroplane de los Red Hot Chili Peppers, poniendo el broche de oro a una hora de radio dedicada a la comedia, el suspense y la pasión por el séptimo art.
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  Martín Garabal presenta 'La cosa en la niebla', un tributo a John Carpenter 22.09.2026 35min

  El intérprete argentino visita esRadio para detallar un largometraje de Chedey Reyes que homenajea con humor el cine de serie B de Carpenter. En esta nueva entrega del programa, los micrófonos de esRadio reciben al carismático actor, humorista y dibujante argentino Martín Garabal. El intérprete se encuentra en plena campaña de promoción de La Cosa en la Niebla, un largometraje dirigido por Chedey Reyes que rinde un cariñoso y divertido tributo al cine de aventuras de serie B y, de manera muy especial, a la icónica filmografía del director estadounidense John Carpenter. Durante la charla, Garabal desvela los entresijos de una producción tan peculiar y relata cómo la productora Marta Barrios se puso en contacto con él a través de un mensaje de Instagram tras quedar fascinada por su trabajo en la serie de internet Famoso. La trama de la película gira en torno a Ismael, encarnado por Garabal, un experimentado piloto de una aerolínea de dudosa reputación, y su joven copiloto Daniela, interpretada por la actriz Elena de Lara. Uno de los puntos más divertidos de la fase de preproducción fue el malentendido con la edad de Garabal; el equipo de dirección temía que fuera demasiado joven basándose en vídeos antiguos de 2010, pero al arrancar el rodaje de La Cosa en la Niebla en 2024, el actor contaba ya con la edad idónea para dar vida a este veterano aviador, consolidando una química actoral extraordinaria con su compañera de reparto. El rodaje supuso un auténtico desafío físico para el actor argentino, ya que el 98,5% de la acción transcurre en el interior de la cabina de un avión real. Con su imponente estatura de 1,96 metros de altura, Garabal tuvo serias dificultades para encajar en el reducido espacio y realizar movimientos mínimos sin desajustar el set. De hecho, bromea con que su personaje no se levanta del asiento hasta el minuto 41 de metraje —en una cinta que apenas dura 80 minutos— debido a lo sumamente complejo y ruidoso que resultaba maniobrar dentro de la cabina de vuelo. El personaje de Ismael se presenta como un curioso homenaje a los héroes carpenterianos: un tipo que presume de tipo duro y machista pero que resulta ser profundamente patético, entrañable y, en última instancia, redimible. Durante el vuelo, Ismael se dedica a beber cerveza y a comer cacahuetes de forma compulsiva, dejando toda la cabina sembrada de cáscaras, un detalle que los presentadores comparan humorísticamente con la adicción a los frutos secos de Fox Mulder en Expediente X. Este comportamiento desenfadado contrasta radicalmente con la actitud profesional y tensa de Daniela, lo que genera una gran comedia de situación. Lejos de caer en la parodia chabacana, la película apuesta por un humor muy particular donde los actores interpretan sus papeles con una seriedad absoluta. Garabal defiende firmemente que la comedia interpretada en serio, al más puro estilo de clásicos como Aterriza como puedas, es mucho más efectiva y orgánica. Este código actoral permite que el espectador se sumerja de lleno en la atmósfera de la película, empatizando con los personajes y transitando de manera natural entre el humor, la tensión del peligro y los momentos de genuina emoción. La acogida internacional de la película está siendo excelente, habiendo completado ya un exitoso recorrido por más de 26 festivales de cine de todo el mundo y cosechando hasta la fecha un total de 13 galardones en países como Brasil, México, Estados Unidos y los Países Bajos. El actor destaca la enorme calidez y el agradecimiento del público amante del cine fantástico y de terror de serie B, un sector de espectadores muy fiel que sabe valorar el enorme esfuerzo y el cariño depositado en producciones de presupuesto moderado. La conversación también deriva hacia una interesante reflexión sobre el estado actual de los efectos especiales en la industria cinematográfica. Garabal y los locutores critican el abuso sistemático de las pantallas verdes en las superproducciones de Hollywood, comparando la frialdad de los efectos modernos de Marvel con la maestría artesanal de películas como Jurassic Park (1993), donde la combinación de decorados reales, animatrónicos y CGI primitivo aportaba una veracidad inigualable que el espectador todavía hoy sigue percibiendo y agradeciendo. Finalmente, Garabal repasa sus proyectos más recientes en España, donde está cosechando un gran éxito gracias a la serie de Netflix Envidiosa. Además, el actor comparte su entusiasmo por su participación en Felicidades, la esperada nueva película dirigida por el aclamado cineasta español Álex de la Iglesia, cuyo estreno está previsto para el próximo mes de diciembre en la plataforma digital. Mientras tanto, La Cosa en la Niebla continuará su andadura con proyecciones especiales en Tenerife y diversas salas del territorio nacional.
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  Prohibido Contar Ovejas: Mero merezco 17.09.2026 1t 30min

  Felipe Couselo y su equipo analizan la música de Beck, Slipknot y la curiosa historia del cambio de nombre de Led Zeppelin entre muchas cosas En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, se respira el habitual ambiente de camaradería y humor. Acompañado por su equipo de colaboradores habituales —Miriam García, Juanma González, Alma Espinosa e Isaac Vizcaíno—, el presentador abre la noche debatiendo con ironía sobre la categoría de "elenco de campanillas" que ostenta el grupo y cómo afrontan la madrugada con energía. La conversación musical comienza analizando la televisión estadounidense, en concreto el conocido programa nocturno de Jimmy Fallon. El equipo comenta la reciente y sorprendente actuación de la banda de hardcore punk The Armed, que presentó un nuevo tema en directo caracterizado por su caos escénico, un juego de luces sincronizadas entre los instrumentos y una puesta en escena de lo más extravagante que dejó al público boquiabierto. A continuación, el programa se detiene en la figura del polifacético músico estadounidense Beck, destacando el lanzamiento de su sencillo más reciente, titulado Disappearing Act. Los colaboradores repasan su trayectoria desde sus inicios en los años noventa, cuando revolucionó la música alternativa con temas como Sexx Laws, y analizan cómo su madurez artística actual sigue ofreciendo composiciones introspectivas e interesantes, aunque alejadas del foco comercial de antaño. El metal extremo también tiene su hueco con el análisis del último y sorprendente lanzamiento de los estadounidenses Slipknot. Se debate sobre la convulsa situación interna de la banda tras la de Sid Wilson y el carisma incombustible de su líder vocal, Corey Taylor, cuya potente voz sigue marcando el estándar de la banda en sus arrolladores directos. Dando un giro radical hacia las raíces de la música americana, el equipo presenta a Pooky La Farge, nombre artístico del músico Andrew Heiser, y su tema My Baby Loves Me. La mesa redonda comenta la maestría con la que este artistica recupera géneros tradicionales como el blues, el country, el swing y el jazz, dotándolos de un aire fresco y contemporáneo. La energía más gamberra llega de la mano de The Meffs, un dúo británico de punk originario de Essex. Formado por la cantante y guitarrista Lily y el baterista Lewis, este grupo destaca por su actitud ruidosa y combativa, logrando un sonido en directo tan ensordecedor y potente que, según los colaboradores, supera con creces al de bandas con el doble de integrantes. El mundo de las artes escénicas se hace presente con la recomendación de La Familia Addams, el exitoso musical que se representa en el Teatro Calderón de Madrid. Con Natalia Millán en el papel estelar de Morticia, el equipo elogia la espectacular escenografía móvil de seis telones, el diseño de iluminación y la calidad interpretativa de todo el reparto, calificándolo como una opción perfecta tanto para adultos como para el público infantil. Finalmente, se produce el esperado debut de la sección de Alicia Parente, bautizada como Vodevil Overkill. La colaboradora narra una hilarante anécdota histórica acontecida en Copenhague en el año 1970, cuando la aristócrata Eva von Zeppelin, descendiente del inventor del dirigible, amenazó con demandar a la banda de rock Led Zeppelin por usurpar su apellido. Para evitar el litigio judicial, los músicos se vieron obligados a dar su concierto bajo el seudónimo de The Nobs.
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  Vodevil Ovejil: El día que Led Zeppelin tuvo que cambiar de nombre por la furia de una condesa 17.09.2026 17min

  Para evitar una demanda de una aristócrata, el grupo de Jimmy Page tuvo que dar un concierto en 1970 bajo el pseudónimo de 'The Nobs'. El programa de esRadio estrena una nueva sección itinerante de la mano de la colaboradora Alicia Parente, bautizada bajo el nombre de Bodevil Over Here. En este espacio, que promete llenar las madrugadas de anécdotas y humor, se propone un viaje por la historia de la música y del cine a través de dramatizaciones sonoras y un particular teatro improvisado. Para inaugurar esta andadura, la sección nos traslada a un insólito enfrentamiento acontecido en el norte de Europa a principios de la década de los setenta, donde se cruzaron los destinos de la aristocracia y una de las bandas más grandes de la historia del rock. La historia central se sitúa en la mañana del viernes 27 de febrero de 1970, en los estudios de la televisión pública de Dinamarca, en Copenhague. Allí se produjo el esperado cara a cara entre la condesa Eva von Zeppelin y los integrantes de la mítica formación británica de hard rock Led Zeppelin. La aristócrata, supuesta descendiente del famoso inventor del dirigible Ferdinand von Zeppelin, se encontraba profundamente disgustada por el uso que los músicos hacían de su ilustre apellido familiar, el cual consideraba que estaba siendo manoseado sin su consentimiento por un grupo de —según sus propias palabras— "monos chillones". Desde el cambio de nombre de la banda en 1968 —anteriormente conocidos como los New Yardbirds— la condesa había iniciado una cruzada telefónica constante contra las oficinas de la representación del grupo, la compañía RAC. Ante la persistencia de las protestas y el temor a que la situación pudiera derivar en problemas legales graves, el mánager del grupo, Peter Grant, instó a los miembros de la banda a buscar una solución amistosa para calmar los ánimos de la noble. Fue el guitarrista Jimmy Page, que por aquel entonces contaba con veintiséis años, quien propuso una idea para resolver el conflicto: invitar a la condesa a tomar el té con ellos para charlar amigablemente y convencerla de sus buenas intenciones. A pesar del escepticismo inicial del vocalista Robert Plant, quien no entendía la relevancia de las quejas de la mujer argumentando que la banda ya era famosa en todo el mundo, el grupo accedió a organizar el encuentro amistoso en la capital danesa. Durante la cita en los estudios de televisión, la tensión inicial en la sala era casi palpable, pero gracias a la diplomacia de Jimmy Page, que actuó como portavoz de la banda, la condesa comenzó a suavizar su postura. Eva von Zeppelin llegó incluso a mostrarse cordial con los músicos mientras disfrutaban de una taza de té, lo que hizo pensar a los presentes que el conflicto familiar estaba totalmente en vías de solución y que la demanda judicial quedaría en el olvido. Sin embargo, la paz duraría muy poco. Al término de la reunión, mientras el mánager Peter Grant mostraba las instalaciones a la invitada, un miembro del equipo tuvo la ocurrencia de enseñarle la portada del primer álbum de la banda. En dicha portada aparecía una ilustración del famoso dirigible Hindenburg devorado por las llamas durante su trágico accidente en 1937. Al ver la imagen de la catástrofe asociada a su apellido, la condesa entró en cólera de forma inmediata, insultando a los músicos y prometiendo llevarlos ante los tribunales. Para evitar una costosa demanda civil y poder realizar el concierto programado para el día siguiente, el sábado 28 de febrero de 1970 en Copenhague, los músicos se vieron obligados a tomar una decisión de urgencia: cambiar temporalmente el nombre del grupo. De este modo, Led Zeppelin se presentó ante el público danés bajo el seudónimo de The Nobs, ofreciendo un recital memorable que concluyó con una enérgica versión del clásico Long Tall Sally. Gracias a esta rápida maniobra de distracción, la banda logró eludir el conflicto legal y continuar con su exitosa gira europea. El divertido relato sirve de pretexto para que el equipo de esRadio comente, entre risas, los detalles de la grabación de las voces que han dado vida a los personajes de la condesa, sus ayudantes y los propios músicos de la banda. Los colaboradores bromean sobre la interpretación de los distintos papeles y celebran el éxito de esta primera entrega de la sección, la cual promete seguir trayendo a las ondas las historias más curiosas del panorama musical.
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  El Resplandior: Llega la Comic Con 17.09.2026 25min

  La cita malagueña de cultura popular reúne a los actores de Los Serrano, al director Kevin Smith y celebra el éxito de la serie One Piece. La segunda edición de la Málaga Comic Con se presenta como uno de los grandes acontecimientos de la temporada para los amantes de la cultura popular en España. Durante la tertulia en esRadio, los colaboradores comentan con humor la llegada de esta fusión de la prestigiosa marca estadounidense con la provincia andaluza. El certamen promete ampliar su oferta respecto al año anterior, reuniendo a una impresionante lista de autores, dibujantes de cómics y celebridades que atraerán a miles de aficionados durante las jornadas del evento. Uno de los contenidos más comentados del programa es el universo de la serie de Netflix One Piece. Tras el lanzamiento del tráiler de su segunda temporada en imagen real, los tertulianos elogian cómo la plataforma ha sabido trasladar con éxito el carismático espíritu del manga de Eiichiro Oda. En particular, se resalta la participación del actor con raíces españolas Taz Skylar, muy popular entre el público joven, y el excelente papel del mexicano Iñaki Godoy como Luffy, cuya expresividad corporal y simpatía logran recrear casi a la perfección al icónico protagonista animado. La nostalgia nacional tendrá un espacio fundamental en el festival gracias al reencuentro del elenco de Los Serrano. Esta emblemática serie de televisión, que marcó a toda una generación de espectadores en la década de los dos mil, contará con la participación de figuras de su reparto original como Antonio Resines y Fran Perea. Los colaboradores de esRadio rememoran con humor el enorme impacto social de la ficción y la enorme expectación que genera volver a ver juntos a los miembros de la familia televisiva más famosa de España. El cine independiente norteamericano también brillará con luz propia gracias a la reunión especial de la comedia de culto Mallrats. El propio director de la cinta, Kevin Smith, junto a los actores principales Jason Lee y Michael Rooker, desembarcará en el festival para conmemorar esta obra clave del panorama cinematográfico de los noventa. Los comentaristas reivindican la trascendencia de la comedia de Smith, conocida por sus agudos diálogos sobre cómics y relaciones sentimentales, la cual anticipó la actual era del fenómeno fan de masas. Para completar el menú nostálgico, el programa repasa la trayectoria de Christopher Lambert, célebre protagonista de la saga fantástica Los inmortales. Los colaboradores hacen un viaje por la filmografía de este carismático actor, rescatando títulos muy queridos de los videoclubs de los años ochenta y noventa como Presa de la secta o Jaque al asesino, antes de recordar cómo la historia de Connor MacLeod se convirtió en un fenómeno global imprescindible para comprender el cine de entretenimiento de la época. El cierre de esta sección cultural viene marcado por la icónica sintonía de MacGyver, la mítica serie de televisión de acción protagonizada por Richard Dean Anderson. Los locutores bromean sobre las ingeniosas habilidades del célebre héroe antes de despedir el programa con el clásico himno de la banda británica Oasis, Champagne Supernova, un broche final lleno de energía que resume el espíritu desenfadado y melómano de esta completa crónica sobre el panorama del entretenimiento contemporáneo.
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  Notas (musicales) a pie de página: Cuerpo sonoro 17.09.2026 27min

  De los latidos de Matthew Herbert al tecno de Kraftwerk, esRadio repasa los ritmos orgánicos que revolucionaron la historia de las canciones. En esta nueva entrega musical en esRadio, los colaboradores nos sumergen en un fascinante recorrido por la historia de la música corporal, aquella que utiliza el propio cuerpo humano como el instrumento principal para generar ritmos, melodías y texturas sonoras sorprendentes. El punto de partida de este análisis es el polifacético artista británico Matthew Herbert, de quien se destaca su vigencia y su próxima visita a Madrid. Se analiza su aclamado tema Foreign Bodies, perteneciente al álbum Bodily Functions, una obra maestra donde las percusiones no provienen de cajas de ritmos tradicionales, sino de ingeniosos sampleos del cuerpo humano como el bombeo de la sangre, los latidos del corazón o suaves golpes en las mejillas. El programa continúa rememorando uno de los grandes hitos de la música vocal: el popular tema Don't Worry, Be Happy de Bobby McFerrin, lanzado en el año 1988. Los locutores detallan la inmensa dificultad técnica que supuso su proceso de grabación, ya que cada línea de bajo, cada percusión y cada melodía fue ejecutada en exclusiva por la voz y el torso de McFerrin mediante una compleja técnica de superposición de pistas. A continuación, el foco se desplaza hacia Brasil con el grupo Barbatuques y su célebre composición Baianá. Este tema, que destaca por su potente combinación de cantos corales y palmas sobre el cuerpo, está viviendo una auténtica segunda juventud gracias a remezclas contemporáneas que lo han reintroducido con gran éxito en las pistas de baile de todo el mundo. Los sonidos de raíces folclóricas norteamericanas también tienen cabida en esta selección de la mano de The Lumineers y su archiconocido éxito Ho Hey. Además de analizar sus característicos pisotones y golpes en el pecho, se desvela una curiosa anécdota que vincula esta canción con el prestigioso pódcast deportivo Brazalete Negro, especializado en contar historias de crímenes reales en el mundo del fútbol. La vertiente más transgresora y humorística llega con la audición de Our Song, una pieza de 1970 extraída del disco experimental Music from the Body, compuesto por Ron Geesin y el célebre miembro de Pink Floyd, Roger Waters. En este corte se emplean de forma rítmica diversas flatulencias y sonidos escatológicos que, según los autores, fueron simulados en el estudio para crear una divertida pieza de biomúsica experimental. Este tipo de grabaciones pioneras ejercieron una influencia directa en el desarrollo de la música electrónica, inspirando a bandas capitales como los alemanes Kraftwerk. En su álbum de homenaje al ciclismo, destaca el tema Elektro Kardiogramm, donde consiguen estructurar una base rítmica sirviéndose únicamente de la simulación de la respiración fatigada y el latido acelerado de un ciclista subiendo el mítico puerto del Tourmalet. La estela de Kraftwerk se hace evidente también en el pop electrónico británico, concretamente en el clásico Personal Jesus de la icónica banda Depeche Mode. El tema incorpora como elemento percusivo principal una serie de jadeos y respiraciones rítmicas acompasadas que sirven de base para uno de los mayores himnos de la música de los ochenta. El arte del beatboxing contemporáneo se analiza a través del virtuoso australiano Tom Thum y su asombrosa recreación de la canción Human. Esta demostración de agilidad vocal sirve de preámbulo para ensalzar la audacia de la cantante islandesa Björk, quien en su álbum conceptual Medúla prescindió de cualquier instrumento convencional para construir ricas atmósferas pop utilizando únicamente coros, voces y efectos guturales. Finalmente, los colaboradores desafían al oyente con la endiablada rítmica en 7/4 de Unsquare Dance, interpretada por el célebre Dave Brubeck Quartet, donde las palmas juegan a descolocar deliberadamente el tempo tradicional. El espacio concluye rindiendo tributo al minimalismo de Steve Reich y su célebre composición Clapping Music, un exigente ejercicio donde dos intérpretes palmotean desfasando progresivamente sus patrones rítmicos hasta crear un efecto hipnótico.
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  Telele: Las series olvidadas por los grandes premios 17.09.2026 27min

  Obras maestras de la televisión como 'The Wire' apenas lograron nominaciones por el incómodo realismo de creadores como David Simon. En esta entrega de esRadio, los colaboradores analizan aquellas producciones televisivas que, a pesar de contar con el aplauso unánime de la crítica y del público, han sido sistemáticamente ignoradas por los grandes premios de la industria, como los Premios Emmy o los Globos de Oro. El programa comienza centrándose en el sangrante caso de Better Call Saul, la aclamada precuela de Breaking Bad. A lo largo de sus seis temporadas, la serie acumuló la espectacular cifra de cincuenta y tres nominaciones a los Premios Emmy y, de manera casi inexplicable, terminó su andadura con cero galardones en las categorías principales. Los locutores repasan cómo tanto su protagonista, Bob Odenkirk, como la coprotagonista, Rhea Seehorn, se quedaron siempre a las puertas del reconocimiento. Odenkirk perdió en diversas ocasiones frente a actores de otras series de éxito como Succession o Squid Game, mientras que Seehorn corrió la misma suerte ante rivales de Ozark o The White Lotus. Aunque Seehorn logró ganar un pequeño premio de formato corto por la serie web Cooper's Bar, la serie principal se despidió como la producción más ignorada de la historia de la televisión en los certámenes de la academia norteamericana. Otro de los grandes focos de la conversación es The Wire, considerada por muchos críticos como la mejor serie de televisión jamás realizada. El equipo de esRadio señala con asombro que esta obra maestra ambientada en Baltimore solo obtuvo dos nominaciones al Emmy en toda su historia, ambas en la categoría de mejor guion, y ninguna victoria. Se analiza la figura de su creador, David Simon, un autor incómodo para la industria debido a su estilo realista y su ácida crítica hacia las instituciones estadounidenses. Simon siempre se mostró indiferente ante los gustos del espectador medio, lo que dificultó que su compleja narrativa en forma de puzle encajara en los circuitos comerciales de premios de la época. La conversación se traslada luego a Hannibal, una serie de tres temporadas protagonizada por Mads Mikkelsen y Hugh Dancy que cautivó a una legión de seguidores pero fue ignorada por los certámenes tradicionales. Su única nominación al Emmy fue en una categoría técnica sumamente específica: mejores efectos visuales especiales secundarios, la cual además perdió frente a Sherlock. A pesar de este vacío institucional, la serie encontró su revancha en los Saturn Awards, unos galardones especializados en ciencia ficción, fantasía y terror, donde acumuló un total de veintisiete victorias y casi sesenta nominaciones. El siguiente título analizado es la serie de animación BoJack Horseman. A pesar de ser elogiada por abordar con maestría temas complejos y delicados como la depresión, la adicción y la autodestrucción, la academia solo la nominó en tres ocasiones. Perdió en la categoría de mejor programa de animación frente a gigantes históricos como The Simpsons o éxitos contemporáneos como Rick and Morty. Los colaboradores destacan que, aunque no consiguió ganar un Emmy, la serie se alzó con varios Annie Awards y Critics' Choice Awards, demostrando que su valor iba mucho más allá de los premios comerciales. Finalmente, se debate sobre The Leftovers, la joya de Damon Lindelof que tampoco tuvo suerte en los Premios Emmy, obteniendo únicamente una nominación para la actriz Ann Dowd. No obstante, el programa celebra que la serie fuera galardonada con el prestigioso Peabody Award, un premio otorgado por la Universidad de Georgia que valora la excelencia narrativa y la calidad humana por encima del éxito comercial. Para cerrar, los locutores dedican un espacio a Supernatural, una serie de culto que, si bien nunca aspiró a los grandes dramas de la crítica, logró construir un imperio de premios alternativos, destacando sus numerosas victorias en los People's Choice Awards y galardones de ciencia ficción en Canadá.
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  Prohibido Contar Ovejas: Los más graciosos del lugar 17.09.2026 1t 37min

  Un viaje sonoro por la percusión corporal, las series más minusváloradas por los grandes premios y las novedades de las Comic Con En este nuevo episodio de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo y sus colaboradores habituales, entre ellos Juanma, Dani Palacios, Alma Espinosa y Miriam García, ofrecen un vibrante recorrido por la música experimental, la literatura melómana y las injusticias históricas de los premios de televisión. Felipe abre el programa compartiendo su experiencia en el concierto de Billy Corgan en el Palacio de Vistalegre de Madrid, donde interpretó el emblemático disco Mellon Collie and the Infinite Sadness. Frente a las críticas negativas en redes sociales de algunos sectores, Couselo defiende con pasión la propuesta, destacando el valor emocional de escuchar estas canciones en un formato orquestal y coral, ejecutado magistralmente por músicos españoles. La sección literaria se centra en el libro Cómo dirigir un sello indie de Alan McGee, fundador de la mítica discográfica Creation Records. Traducido al español por Ibon Errazkin y editado por Libruak, el texto repasa de forma muy directa y honesta las andanzas de bandas legendarias como Oasis, Primal Scream o The Jesus and Mary Chain. Felipe destaca el estilo directo de la narración, que evoca otros grandes relatos de la escena musical británica, como los libros de Peter Hook o las crónicas sobre el club Haçienda. El núcleo del programa se articula en torno a la música corporal o el uso del propio cuerpo como instrumento de percusión y ritmo. El recorrido se inicia con Matthew Herbert y su célebre álbum Bodily Functions, anunciando su próxima visita a Madrid. Esto da pie a analizar el clásico de Bobby McFerrin Don't Worry, Be Happy, donde se resalta la extrema dificultad de grabación que supone superponer capas de sonido utilizando exclusivamente la voz humana. Además, se rescata una divertida anécdota del arquitecto y músico Jaime Izaguirre, quien coincidió con McFerrin en el festival de jazz de Montreux mientras este realizaba extraños ejercicios vocales de calentamiento. La percusión corporal continúa con el grupo brasileño Barbatuques y su célebre tema Baianá, que ha vivido una segunda juventud gracias a diversas remezclas de música electrónica. También se analiza el éxito de Ho Hey, de la banda estadounidense The Lumineers, donde las pisadas y los gritos del público forman parte de la estructura rítmica. A raíz de este análisis, Felipe Couselo confiesa su adicción al podcast de fútbol y crónica negra titulado Brazalete Negro, un programa que mezcla el género del verdadero crimen con el deporte rey. El espacio explora las propuestas más radicales de esta corriente, como el disco Music from the Body de Ron Geesin y Roger Waters de 1970, un trabajo experimental dedicado a los sonidos del cuerpo humano que incluye el polémico tema Our Song, célebre por incorporar sonidos simulados de flatulencias. En una línea similar, los colaboradores analizan la pieza Elektro Kardiogramm, perteneciente al álbum Tour de France de los alemanes Kraftwerk, en la que se recrea el esfuerzo físico del ciclista, así como el clásico de Depeche Mode Personal Jesus, cuyo ritmo principal se sostiene sobre fuertes pisotones. En el terreno del beatboxing, se destaca la figura del australiano Tom Thum con su versión del tema Human, originalmente de Rag'n'Bone Man. Asimismo, se comenta el disco Medúlla de Björk, concebido casi en su totalidad con voces humanas. La exploración de este género concluye con Clapping Music del compositor minimalista Steve Reich, una pieza basada en el desfase de las palmas que el productor James Murphy sampleó para su conocida remezcla de la canción Love Is Lost de David Bowie. En la sección televisiva, Miriam García repasa las grandes producciones que han sido ignoradas de forma sistemática en los premios Emmy. El caso más flagrante es el de Better Call Saul, que acumuló un total de cincuenta y tres nominaciones sin lograr un solo galardón. García también pone el foco en The Wire, considerada unánimemente una de las mejores series de la historia de la televisión, que apenas obtuvo dos nominaciones menores de guion —perdiendo frente a House y Mad Men— debido a la tensa relación de su creador, David Simon, con la Academia de la Televisión. La lista de olvidadas incluye a Hannibal, que solo recibió una nominación técnica por sus efectos visuales; la serie de animación BoJack Horseman, que perdió sus escasas nominaciones ante gigantes de la cultura popular como The Simpsons o Rick and Morty; y la aclamada The Leftovers, de Damon Lindelof, que solo rascó una candidatura para la actriz invitada Ann Dowd. A pesar del desprecio de los Emmy, la serie fue reconocida con el prestigioso premio Peabody. En contraste, se analiza el fenómeno de la serie de televisión Supernatural, que a falta de Emmys cuenta con una legión de seguidores que le han otorgado numerosos People's Choice Awards. Finalmente, los integrantes del programa comentan las novedades de la próxima Comic-Con de Málaga, un evento que aspira a ser la San Diego de la Costa del Sol y que contará con invitados de primera línea como los dibujantes John Romita Jr. y Pepe Larraz. El certamen acogerá una reunión especial del reparto de la película de ciencia ficción Starship Troopers, un reencuentro de los actores de la serie española Los Serrano, y una mesa redonda de la película de culto Mallrats con Michael Rooker y Jason Lee. Para terminar, los presentadores repasan el tráiler de la segunda temporada de la adaptación en imagen real de One Piece para la plataforma Netflix.
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  Prohibido Contar Ovejas: El rio de nuestras vidas 16.09.2026 1t 31min

  Un recorrido sonoro por el misticismo y el rock de la mano de Felipe Couselo en esRadio, con temas de Joni Mitchell, Led Zeppelin o Incubus. En esta nueva entrega del programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo nos invita a sumergirnos en un viaje musical articulado en torno a un elemento de la naturaleza cargado de simbolismo: los ríos. A lo largo de la noche, el programa explora la música inspirada por las corrientes fluviales, utilizándolas como una potente metáfora de la existencia humana, desde el nacimiento hasta la muerte, pasando por la espiritualidad y el misticismo del bautismo. La velada comienza con la sobrecogedora interpretación de Alison Krauss del tema tradicional Down in the River to Pray, popularizado por la banda sonora de la película de los hermanos Coen, O Brother, Where Art Thou?. A continuación, el programa se traslada hacia sonidos más contemporáneos de la mano de la banda estadounidense de folk rock The Decemberists y su canción Down by the Water. Extraído de su exitoso álbum The King Is Dead, este tema destaca por su energía acústica y cuenta con colaboraciones de lujo, como el guitarrista Peter Buck, miembro de la mítica banda R.E.M., y la cantante Gillian Welch. Couselo aprovecha para destacar la riqueza de este trabajo discográfico, que ofrece una visión muy particular de la América rural y de las comunidades mineras de principios del siglo pasado. El ritmo se acelera con uno de los grandes clásicos de la historia del rock: Proud Mary, interpretado originalmente por la Creedence Clearwater Revival. John Fogerty compuso esta célebre pieza justo después de obtener su licenciamiento del ejército de los Estados Unidos, convirtiéndose en un canto a la liberación personal y el optimismo. La andadura fluvial continúa con la vibrante y potente versión que Ike & Tina Turner realizaron de River Deep - Mountain High, una joya de la producción musical firmada por Phil Spector que desborda fuerza y pasión en cada nota. El tono del programa se torna más oscuro con la llegada de Neil Young y su desgarrador tema de 1969, Down by the River, incluido en el álbum Everybody Knows This Is Nowhere. Acompañado por su fiel banda Crazy Horse, el músico canadiense teje una atmósfera densa y asfixiante para narrar un crimen pasional a orillas del río. Couselo analiza la maestría de Young a la hora de improvisar largas y viscerales secciones de guitarra, una de las señas de identidad más reconocibles de su dilatada trayectoria musical. La siguiente parada en este recorrido fluvial nos lleva a finales de la década de los setenta con Talking Heads y su emblemática versión de Take Me to the River, tema original de Al Green. Bajo la producción del innovador Brian Eno, la banda liderada por David Byrne transformó esta pieza de soul en un corte de post-punk nervioso y bailable, marcando el inicio de su consagración en las listas de éxitos mundiales y demostrando cómo la espiritualidad de la música negra podía fusionarse con la vanguardia neoyorquina. El viaje musical cruza el Atlántico para recalar en la vibrante escena del Liverpool de los años sesenta con Gerry and the Pacemakers y su melódico himno Ferry Cross the Mersey. Esta canción no solo rinde homenaje al río Mersey, arteria vital de la ciudad inglesa, sino que se convirtió en un símbolo de la identidad colectiva y el orgullo local del movimiento musical conocido como Merseybeat, que definió a toda una generación de jóvenes británicos. El misticismo y la reflexión vuelven a cobrar protagonismo con Billy Joel y su éxito de 1993, The River of Dreams. A través de este enérgico tema de tintes gospel, el compositor neoyorquino explora los laberintos del subconsciente y la búsqueda de la paz espiritual a través de un viaje nocturno hacia un río simbólico que representa la redención y el autodescubrimiento en la madurez de su vida. La delicadeza y la melancolía se adueñan del estudio de esRadio con la inconfundible voz de Joni Mitchell y su obra maestra River, perteneciente al legendario álbum de 1971, Blue. En esta intimista pieza a piano, Mitchell expresa el profundo anhelo de disponer de un río helado sobre el cual poder patinar para escapar de la tristeza navideña y de los errores del pasado en sus relaciones afectivas, en una de las confesiones más descarnadas de la música popular contemporánea. Hacia el tramo final, el programa recupera la influencia del blues más primitivo con Led Zeppelin y su potente Travelling Riverside Blues, un tema que bebe directamente del legado del legendario Robert Johnson. La noche continúa su curso con el dramatismo de Bruce Springsteen en su clásico The River, una desgarradora crónica social sobre la pérdida de la inocencia y el impacto de la crisis económica en las familias trabajadoras de la América desindustrializada. Finalmente, Couselo despide esta travesía radiofónica con una propuesta atmosférica y relajante: Aqueous Transmission de la banda de rock alternativo Incubus, perteneciente a su aclamado disco Morning View. Con casi ocho minutos de duración y una instrumentación de inspiración oriental que incluye el uso del koto, la canción evoca una flotación meditativa por un río en calma, cerrando el programa con una sensación de absoluta paz y desconexión.
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  Prohibido Contar Ovejas: Las cosas de John Carpenter (Part. II) 15.09.2026 1t 48min

  De la tensión en la Antártida al coche asesino de Stephen King, viajamos a la década dorada de John Carpenter con sus títulos más recordados. En esta nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo, junto a Juanma González y los críticos cinematográficos Jorge Loser y Vicky Carras, continúan con la segunda parte del especial dedicado a la filmografía de los años ochenta del célebre director de cine John Carpenter. A lo largo del espacio, se analizan minuciosamente cuatro de sus producciones más destacadas de aquella década, abordando desde sus aspectos técnicos y bandas sonoras hasta su recepción en taquilla y su trascendencia cultural. El primer gran título sobre la mesa es La Cosa (1982), un clásico indiscutible de la ciencia ficción y el terror que supuso una versión muy personal de la obra literaria de John W. Campbell y de la película de 1951 de Howard Hawks. Los colaboradores elogian el extraordinario trabajo en los efectos especiales prácticos de Rob Bottin, quien llegó a sufrir problemas de salud por el agotamiento físico extremo que le supuso la filmación. El filme destaca por su atmósfera opresiva y su estructura de whodunit en una base de la Antártida. A pesar de contar con una inolvidable banda sonora de Ennio Morricone —quien imitó de forma brillante el estilo sintético del propio Carpenter—, la cinta fracasó comercialmente en su día debido a la competencia directa con películas de tono más amable como E.T. El Extraterrestre, consolidándose con los años como un hito del cine de culto y del subgénero del body horror. Posteriormente, el programa se adentra en Christine (1983), la célebre adaptación de la novela homónima de Stephen King. Esta historia de un Plymouth Fury de 1957 poseído y obsesionado con su joven dueño, Arnie Cunningham, sirve para reflexionar sobre la compleja relación del ciudadano estadounidense con el automóvil y la cultura del consumo de la época. Los participantes destacan el dinamismo de la narración, la inolvidable escena en la que el vehículo se regenera por sí mismo a través de trucos de cámara invertida y cables, y la icónica partitura de sintetizadores que Carpenter compuso junto a Alan Howarth. Aunque es considerada por algunos críticos como una obra menor en comparación con otros hitos de su filmografía, se reivindica su enorme valor estético y su capacidad para generar tensión sin necesidad de abusar de la exposición digital. El viaje ochentero prosigue con Starman (1984), una propuesta atípica dentro del catálogo de Carpenter que se aleja de la oscuridad habitual para ofrecer una emotiva road movie romántica de ciencia ficción. Protagonizada por un espléndido Jeff Bridges —nominado al premio Oscar por este papel— y por Karen Allen, la historia narra el viaje de un ser extraterrestre que adopta la forma humana del difunto esposo de una viuda. Los colaboradores subrayan cómo el director logró manejar el melodrama y la sensibilidad de manera magistral, apoyado en una conmovedora partitura de Jack Nitzsche. Este largometraje supuso un rotundo éxito comercial y demostró la versatilidad de Carpenter para trabajar dentro de las demandas y presupuestos de los grandes estudios de Hollywood. Finalmente, el análisis se detiene en Están Vivos (1988), una ácida e irreverente sátira social y política dirigida contra el consumismo, la publicidad subliminal y las políticas neoliberales de la administración de Ronald Reagan. Con el carismático luchador profesional Roddy Piper en el papel principal, la película utiliza la premisa de unas gafas de sol que permiten ver la cruda realidad de una invasión alienígena que domina las élites del planeta. Además de su contundente mensaje ideológico, los tertulianos celebran la mítica y desmesurada escena de la pelea entre Piper y Keith David, así como la magnífica banda sonora instrumental y el espíritu puramente anarquista y contracultural que impregna cada fotograma de esta obra maestra de la serie B.
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  Prohibido Contar Ovejas: De Druid Fluids a El Nido 11.09.2026 1t 34min

  Lola Herrera en el teatro y la secuela de 'Prácticamente magia' protagonizan una entrega del magacín de esRadio cargada de novedades. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio arranca rindiendo un sentido homenaje a la legendaria intérprete de jazz Cassandra Wilson. A través de la escucha de su mística versión de Harvest Moon, el clásico de Neil Young, el equipo del programa reflexiona sobre la capacidad de la música para evocar emociones profundas y conectar con el recuerdo y la sensibilidad del oyente. En el plano de las novedades musicales, Dani Palacios introduce la propuesta de la banda de rock neopsicodélico australiana Druid Fluids con su canción Needles in Strawberries. Este corte sirve como adelanto de su próximo trabajo discográfico, titulado Paraidolia, que verá la luz a finales de año. Palacios elogia la impecable producción de este combo liderado por Milo Green, cuyo sonido combina texturas clásicas de los sesenta con sintetizadores contemporáneos. Por su parte, Juanma González trae al estudio el sonido de la formación sueca De Magnolia, originarios de Gotemburgo, a través de su tema Who Are You. González incide en el marcado estilo norteamericano de este numeroso colectivo musical, que destila influencias del soul clásico de los años sesenta y setenta, recordando a figuras de la talla de Al Green, y demostrando una solvencia instrumental sobresaliente. El repaso a la actualidad musical se completa con la intervención de Isaac Ibáñez, quien presenta Blood Oath, el nuevo sencillo de la veterana banda de metal sureño Down, capitaneada por Phil Anselmo. Ibáñez analiza el esperado regreso de la formación de Nueva Orleans con su próximo volumen de estudio y desvela una llamativa colaboración con el legendario King Diamond, lo que promete hacer las delicias de los aficionados al género. En la sección dedicada a las artes escénicas, Alma Espinosa nos acerca a la representación de Camino a la Meca en el Teatro Bellas Artes de Madrid. La obra, protagonizada por la gran Lola Herrera bajo la dirección de Claudio Tolcachir, narra la historia real de la escultora Helen Martins en Sudáfrica. Espinosa destaca el reencuentro sobre las tablas de Herrera con su hija Natalia Dicenta, aportando un extra de emotividad a una función que aborda con maestría la vejez y la toma de decisiones personales. En el ámbito cinematográfico, se debate la futura secuela de la comedia fantástica Prácticamente magia, que volverá a contar con Sandra Bullock y Nicole Kidman como protagonistas. Los colaboradores analizan las luces y sombras de esta continuación, dirigida por Susan Bier, cuestionando si logrará recuperar el tono gótico y la acidez de la cinta original de finales de los noventa o si se perderá en la sensiblería habitual de las producciones actuales. Para cerrar el programa, el equipo analiza los estrenos más recientes del cine español, centrando su atención en El nido, un intrigante thriller de suspense protagonizado por Michelle Jenner. Asimismo, recomiendan con entusiasmo la película Forastera, dirigida por Lucía Alenar y rodada en Mallorca, ensalzando su magnética atmósfera de misterio y su cuidada propuesta estética como una de las sorpresas de la temporada.
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  Prohibido Contar Ovejas: Par e Impar 10.09.2026 1t 27min

  Felipe Couselo y sus colaboradores analizan el fin del cine romántico clásico y repasan la evolución del agente 007 en la gran pantalla. En una nueva edición del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo, se inicia la velada con una distendida charla de reincorporación tras las vacaciones junto a Daniel Palacios. Entre bromas sobre pulseras, el "glamour campechano" y las galletas Campurrianas, los colaboradores analizan las excentricidades del verano antes de adentrarse en el bloque musical, dedicado al grupo británico The Zombies y su mítico álbum Odessey and Oracle. El núcleo del programa se centra en analizar cómo las películas románticas tradicionales, tanto comedias como dramas, han ido desapareciendo de las salas de cine en las últimas décadas. Para ilustrar esta transformación, se recurre a un célebre fragmento de la película Sesión Continua de José Luis Garci, donde grandes actores como José Bódalo y Jesús Puente debaten sobre la pérdida del romanticismo clásico en el cine y pronuncian la icónica frase sobre cómo los besos de tornillo se han perdido en favor de relaciones más explícitas y vacías. El equipo disecciona varios títulos del siglo XXI que demuestran este cambio de paradigma. Se comienza analizando Embriagada de Amor (Punch-Drunk Love), una obra de Paul Thomas Anderson protagonizada por Adam Sandler que desafía las convenciones del género a través de la ansiedad y la inestabilidad emocional de su protagonista. Asimismo, se comenta Two Lovers, dirigida por James Gray, un drama melancólico en el que Joaquin Phoenix encarna a un hombre atormentado, alejándose por completo de los finales felices tradicionales. El análisis avanza hacia dos títulos fundamentales: 500 Días Juntos (500 Days of Summer) y La La Land. La primera deconstruye el mito del amor idealizado mostrando la incompatibilidad y las expectativas frustradas de una pareja que nunca llega a consolidarse, mientras que la oscarizada película de Damien Chazelle presenta un bellísimo musical clásico que, sin embargo, culmina con un desgarrador final realista donde el éxito profesional y las ambiciones personales de los protagonistas terminan por separar sus caminos de forma inevitable. La distopía también tiene cabida en esta lista con La Langosta (The Lobster), de Yorgos Lanthimos, donde la soltería se castiga con la transformación en animales, y la célebre Her, de Spike Jonze, en la que Joaquin Phoenix se enamora de un sistema operativo. Ambas películas exploran la soledad contemporánea y la imposibilidad de conectar humanamente. En una línea similar, ¡Olvídate de Mí! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind) aborda el dolor de la ruptura mediante la eliminación selectiva de recuerdos, mostrando un romance profundamente doloroso y surrealista. Para cerrar el bloque cinematográfico, se comentan Lars y una Chica de Verdad (Lars and the Real Girl), donde Ryan Gosling interpreta a un hombre con graves problemas de socialización que inicia una relación con una muñeca, y la extrema Audición (Audition), del director japonés Takashi Miike, que comienza como una aparente comedia de búsqueda de esposa y deriva en un perturbador e impactante thriller de tortura y sadismo, culminando la subversión total de las expectativas de una historia de amor. En el tramo final del espacio, Juanma González lidera el análisis de la saga cinematográfica de James Bond, partiendo de unas recientes declaraciones de Gary Oldman que podrían haber revelado detalles sobre el futuro del personaje. Los colaboradores repasan la evolución del agente 007 a través de las diferentes eras, destacando el intento de realismo y violencia literaria de Timothy Dalton, la sofisticación de Pierce Brosnan (que introdujo a Judi Dench como M) y la brutalidad física de Daniel Craig, rememorando la icónica escena de tortura de Casino Royale.
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  Las cosas de Palacios: El Romance en el siglo XXI 10.09.2026 43min

  Un recorrido por obras como 'Her' o '¡Olvídate de mí!' muestra la evolución de las historias de pareja hacia la distopía y la fobia social. En esta nueva edición del espacio de cine de esRadio, los colaboradores comienzan con una distendida charla sobre las secuelas físicas del verano antes de adentrarse en el tema principal de la noche: la evolución y aparente desaparición de las películas románticas convencionales en los últimos veinticinco años. Para ilustrar esta transformación, recuerdan una mítica escena de la película Sesión Continua, dirigida por José Luis Garci en 1984, donde los personajes interpretados por Jesús Puente y Adolfo Marsillach debaten sobre cómo deconstruir las historias de amor en el cine, vaticinando de algún modo el rumbo amargo y complejo que tomaría el género en el siglo XXI. La primera parada de este recorrido por el antirromance contemporáneo es Punch-Drunk Love, conocida en España como Embriagada de Amor y dirigida por Paul Thomas Anderson en 2002. Los colaboradores explican que, lejos de ser una comedia romántica al uso, esta cinta es un retrato incómodo de la ansiedad y el colapso emocional de su protagonista, interpretado por un sorprendente Adam Sandler. Sometido a la asfixiante presión de sus siete hermanas y extorsionado a través de una línea de teléfono erótica, el personaje transita por una atmósfera de tensión constante, acentuada por un diseño sonoro frenético y una banda sonora que recuerda a la de la aclamada Magnolia, alejando al espectador de cualquier atisbo de romanticismo tradicional. A continuación, se analiza Two Lovers, drama de 2008 dirigido por James Gray. La película sitúa a Joaquin Phoenix en el papel de Leonard, un hombre con graves problemas de estabilidad mental que, tras una dolorosa ruptura, regresa a vivir con sus padres. La trama se sumerge en un angustioso triángulo amoroso donde el protagonista debe elegir entre la estabilidad que le ofrece Sandra, una joven formal apoyada por su familia, y la caótica fascinación que ejerce Michelle, su misteriosa vecina interpretada por Gwyneth Paltrow. Los colaboradores destacan que la cinta destaca por mostrar cómo la sobreprotección familiar puede anular por completo al individuo, convirtiendo la búsqueda del amor en un proceso profundamente doloroso y melancólico. El análisis continúa con la aclamada La La Land de Damien Chazelle, estrenada en 2016. Aunque la producción se presenta inicialmente como un deslumbrante homenaje a los musicales clásicos de la época dorada de Hollywood, los ponentes remarcan que su desenlace supone un auténtico golpe de realidad para el espectador. Al priorizar el desarrollo de sus respectivas carreras profesionales frente a su relación de pareja, los personajes de Sebastian y Mia encarnan el individualismo de nuestra era. El recurso de mostrar una secuencia de ensueño con el final feliz que nunca ocurrió no hace sino acentuar la inevitable desconexión entre las fantasías artísticas y la vida real. La vertiente más distópica y extrema del género llega de la mano del director griego Yorgos Lanthimos con The Lobster, traducida como Langosta en 2015. En este perturbador universo, la soltería es perseguida por la ley, obligando a los ciudadanos sin pareja a recluirse en un hotel donde disponen de cuarenta y cinco días para encontrar a su media naranja. De lo contrario, el castigo consiste en ser transformados en un animal de su propia elección. El protagonista, encarnado por Colin Farrell, opta por la langosta en caso de fracasar, en una durísima metáfora que critica las convenciones sociales sobre el matrimonio y la vida en pareja. Otra de las obras cumbre de la ciencia ficción romántica analizada es Her, el largometraje de Spike Jonze estrenado en 2013. Theodore, interpretado de nuevo por Joaquin Phoenix, es un hombre solitario que se gana la vida escribiendo cartas para terceros y que termina enamorándose de Samantha, una inteligencia artificial con la voz de Scarlett Johansson. El programa de esRadio analiza cómo la cinta aborda de manera brillante la alienación tecnológica y la simulación de la empatía en una sociedad donde los de por sí aislados individuos viven incomunicados tras sus auriculares, culminando en un desenlace devastador que rompe cualquier ilusión de correspondencia real. En la lista de recomendaciones no podía faltar Eternal Sunshine of the Spotless Mind, titulada en España ¡Olvídate de mí! y dirigida en 2004 por Michel Gondry. En este clásico moderno de culto, Joel descubre que su exnovia Clementine se ha sometido a un proceso clínico para borrar de su mente todos los recuerdos de su relación, lo que le lleva a tomar la misma drástica decisión. Los colaboradores elogian el derroche de creatividad visual de Gondry, repleto de efectos prácticos analógicos y juegos de perspectiva, que dan forma a una de las historias más trágicas, caóticas y bellas sobre la memoria amorosa y el dolor de la pérdida. Finalmente, se abordan dos películas que llevan la necesidad de afecto a extremos insospechados. Por un lado, Lars y una chica de verdad presenta a Ryan Gosling como un joven con fobia social que entabla una relación con una muñeca de plástico, Bianca, obligando a todo su pueblo a participar en una terapia de aceptación colectiva. Por otro lado, la ácida e inesperada recomendación de Audition, la célebre película de terror japonesa dirigida por Takashi Miike en 1999, cierra el programa. Lo que comienza como una aparente búsqueda de esposa mediante un falso casting cinematográfico se transforma de golpe en una de las mayores pesadillas del cine contemporáneo, demostrando que la deconstrucción del amor en el cine puede terminar, literalmente, en una carnicería.