EL ARTE Y LAS ARTES

Episode

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  Vida y obra de Andrei Tarkovski | Ars Sonorus 13.10.2026 51mnt

  La importancia de Andrei Tarkovski en el cine contempáneo se gestó desde que obtuvo el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia con la pelicula La infancia de Iván en 1962. Desde entonces su influencia puede verse en reconocidos cineastas del mundo. Su libro más enigmático Esculpir el tiempo se origina en el largo ocio al que Tarkovski se vio forzado luego de la filmación de Andréi Rubliov, película que el cineasta francés Ingmar Berman calificaría como la mejor que hubiera visto. La profundidad de sus siguientes largometrajes (Solaris, El espejo, Stalker y Sacrificio) se verá reflejada en la honestidad artística e intelectual de su libro. Esta obra lo acompañó durante los últimos 15 años de su vida, en ella expone tanto su visión del cine, su naturaleza intrínseca, la relación con el público y la responsabilidad como realizador. El carácter de total sinceridad y el hecho de que trabajó en su redacción hasta semanas antes de su muerte, la convierte inevitablemente en un testamento, cuya indole -nada moderna- seguramente seguirá sorprendiendo a los lectores del siglo XXI. Hoy exploraremos historias, ideas y vivencias de este gran artista.
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  El teatro del absurdo | Ars Sonorus 06.10.2026 52mnt

  El teatro del absurdo surge en el siglo XX, sin embargo, antes de su creación, el danés Soren Kierkegaard, pionero de la filosofía del absurdo, quiso mostrar a través de su teoría que la vida no tiene significado, ni razón. Más adelante, otros absurdistas señalaron que “Dios no existía”, y se apegaron a la idea de la existencia como un asunto enteramente humano. Por otra parte, en este siglo ocurrieron dos eventos trágicos: La Primera y Segunda Guerra Mundial, éste último, considerado el más destructivo de la historia. El teatro de lo absurdo inició cinco años después de la Segunda Guerra, durante las décadas de los 50 y 60, fundamentándose en la teoría filosófica de Kierkegaard. Cabe destacar que, para ese tiempo, aún la sociedad afrontaba las terribles secuelas que dejaron ambos conflictos bélicos. En este sentido, el mundo de la dramaturgia supone que dicho movimiento artístico surgió en un tiempo marcado por el declive político, social, moral y religioso, dando como resultado personajes y temas vinculados a situaciones semejantes. El teatro absurdo tiene una perspectiva diferente acerca del mundo y todo aquello que lo rodea. De igual manera, este movimiento artístico posee características que lo hacen muy atractivo e interesante comparado con otras corrientes literarias. El teatro del absurdo es un estilo dramático desarrollado en la década de los 50 y 60 alrededor de Europa. El término fue implementado por Martin Esslin, crítico de origen húngaro quien definió de esta forma a este estilo de textos teatrales en su libro titulado Teatro del absurdo. Es así como fueron agrupadas una amplia cantidad de trabajos dramatúrgicos que proyectaban la condición humana como un aspecto carente de sentido. Parte de este concepto del absurdo se apoya en el trabajo filosófico de Albert Camus El mito de Sísifo (1942), un ensayo en el cual plantea que la vida humana es insignificante y su valor solo reside en lo que surge a partir de la creación. Escena de La Cantante Calva de Ionesco. Una de las obras más representativas del teatro del absurdo. Esslin utiliza la palabra «absurdo» valiéndose de su significado puro, el cual expresa que absurdo es todo aquello contrario y opuesto a la razón, lo que no posee sentido. Puede ser así visto como algo chocante, contradictorio, arbitrario, irregular, disparatado e incluso extravagante. Dentro de estas características suele desenvolverse el teatro definido como «absurdo».
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  El videoarte | Ars Sonorus 28.09.2026 55mnt

  Vemos como el mundo actual está plagado de imágenes digitales que nos invaden y circundan en forma permanente. Como sabemos en el arte contemporáneo se presentan, cada vez más, numerosos y variados aspectos culturales vinculados a la creación y producción artística. Entre el gran número de aspectos culturales visibles en las obras de nuestro presente aparece como constante el avance tecnológico y junto con él los nuevos modos de hacer, concebir y exhibir la obra. El arte electrónico, arte digital o video arte se desarrolla a partir de los años ‘60 y ‘70. En sus orígenes, la tecnología utilizada era analógica (con soporte magnético, cassettes VHS) Evolucionó a soportes tales como CDROM, DVD y hoy se expanden desde y para las redes e internet. Los instrumentos que llamamos nuevas tecnologías son: el video, la computadora y sus múltiples interacciones. Desde entonces, una gran cantidad de neologismos fueron entrelazando articulaciones de un lenguaje nuevo en continua transformación: video-arte, arte electrónico, arte multimedial, arte intermedial, arte interactivo, arte virtual, computer art, arte digital, plotter painting, cuadro digital, net art. De hecho, se habla hoy de objeto artístico, de experiencia estética, de proceso creativo, de producción artística, mientras se abandona cada vez más la expresión «obra de arte», vinculada a una visión académica tradicionalista. Hoy hablaremos de una de esas formas de expresión creadas con tecnología: EL VIDEOARTE.
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  Vida y Obra de Alberto Durero | Ars Sonorus 21.09.2026 56mnt

  La iglesia, que para el hombre medieval era la realización visible del orden de Dios en el mundo y el plan de salvación que culminaría con la desaparición del género humano, ya no era la única depositaria de la revelación de las verdades divinas eternas. El ser humano reclama su propia responsabilidad ante Dios. Mientras que éste modifica impetuosamente la dirección del mundo, cambia también en el arte la imagen de la realidad. Las formas artísticas ideales de la Edad Media, que ya habían devenido en moldes vacíos y caducos, evolucionan en muchos lugares desde el manierismo del gótico tardío hasta la configuración más barroca. Junto a ello comienza a emerger de forma inesperada un nuevo realismo, cuyo principal representante en Alemania es el joven Durero. Inspirado sobre todo en el humanismo italiano y las ideas platónicas. Su mérito radica en la adaptación del Renacimiento italiano a la idiosincrasia germánica. Sabemos de su vida por sus apuntes, cartas, escritos y poemas; pero su obra constituye el testimonio más poderoso y decisivo. Hoy hablaremos de la vida y obra de Alberto Durero, genio indiscutible del Renacimiento alemán.
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  La perspectiva en el Arte | Ars Sonorus 14.09.2026 54mnt

  Las obras de arte no son espejos, pero comparten con los espejos esa inaprehensible magia de transformación, tan difícil de expresar en palabras. El modo en que el lenguaje del arte se refiere al mundo visible es a la vez tan obvio y tan misterioso que todavía es desconocido en gran parte, excepto por los propios artistas, que saben usarlo tal como usamos todos los lenguajes, sin necesidad de conocer su gramática y su semántica. La necesidad de representar el espacio en toda su profundidad ha sido tema de investigación por parte de los artistas desde la antigüedad. El intento de dar sensación de volumen a las representaciones pictóricas se encuentra más o menos presente desde las primeras muestras del arte paleolítico, como se puede apreciar en las pinturas rupestres de la cueva de Altamira (con unos 35.000 años de antigüedad), en las que se aprovecha el relieve de las rocas de la pared de la cueva para dotar de profundidad a los dibujos. Esta tendencia alcanzó altas cotas de perfección técnica durante la época romana (seguramente basándose en procedimientos empíricos o intuitivos), pero no fue hasta el siglo XV, durante el Renacimiento italiano, cuando se sentaron las bases geométricas que permitieron convertir el dibujo en perspectiva en una técnica con sólidos fundamentos teóricos. Hoy compartimos algunas ideas sobre LA PERSPECTIVA EN EL ARTE.
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  El paisaje inglés | Ars Sonorus 08.09.2026 56mnt

  El paisaje es la representación gráfica de la geografía y la cultura de un país desde el punto de vista de un observador. Pero desde el punto de vista del artista, la representación del paisaje exige el desarrollo de varias destrezas, como la representación del espacio, la perspectiva, tanto lineal como atmosférica, el conocimiento del dibujo, el color y la composición. Analizando su evolución como género pictórico, el paisaje de cada época refleja el pensamiento del hombre y el mundo en el que vive, es decir, la evolución de su mirada y cómo la expresa el artista en su obra. El término paisaje es relativamente reciente en nuestra lengua. Generalmente se admite que su aparición en Europa y por tanto la contemplación estética de lo rural está ligada al momento en el que la actividad económica se separa del campo, en los siglos XVI y XVII. Aparecen el comercio y la actividad de viajar. Estas dos nuevas experiencias condicionarán de manera decisiva la aparición en el arte occidental del paisaje con un valor estético. Generalmente se admite que el paisaje pictórico aparece en Occidente en el siglo XVII, aunque hubo incursiones previas en este género en el norte de Europa, en las escuelas flamenca y alemana. Los pintores de la escuela de Amberes como Brueghel el Viejo, representaban paisajes imaginarios y fantásticos. En el siglo XVII, empieza a ser un género independiente y se extiende su práctica, de manera que los pintores se especializaban en un tipo de paisaje como llanuras, marinas, montañas y la presencia de animales. En el siglo XVIII este género se sigue cultivando. El artista italiano Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto, apodado así porque pintaba los canales de Venecia, fue un pionero en el paisaje urbano. Hacia la mitad del siglo XIX, con el Romanticismo, el paisaje cobra su importancia como género pictórico de primera fila. El hombre deja de pensar en la naturaleza como algo dominado o que tiene que ordenar y se siente atraído por lo que esta tiene de indomable. El artista romántico prefiere lo trágico. Se entra de lleno en la búsqueda de lo sublime como categoría artística. En este contexto hoy compartimos con ustedes el tema dedicado a la ESCUELA INGLESA DE PAISAJE.
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  La ciudad de Chichén Itzá | Ars Sonorus 01.09.2026 57mnt

  Chichén Itzá es un complejo de ruinas mayas famoso a nivel mundial en la península de Yucatán de México. Una enorme pirámide escalonada, conocida como El Castillo, domina los 6.5 km cuadrados de la ciudad antigua, que prosperó desde aproximadamente el año 600 d.C. hasta el siglo XIII. Los tallados gráficos en piedra sobreviven en estructuras como el campo de pelota, el Templo de los Guerreros y el Muro de las Calaveras. En las noches, espectáculos de luces y sonidos iluminan la sofisticada geometría de las construcciones
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  La escritura Maya | Ars Sonorus 25.08.2026 58mnt

  Quienes amamos las letras y gustamos de dejarnos cautivar por las palabras, quienes las valoramos porque sabemos de su utilidad como intermediarias de las relaciones humanas y de su fuerza para emocionar, enamorar, transformar el mundo y llenarlo de belleza; quienes admiramos la dedicación a la poesía, a la narrativa y a la lingüística en general, quizá no reparemos de forma suficiente en esa extraordinaria, universal y cotidiana herramienta del pensamiento que es un breve alfabeto capaz de representar por escrito todos los sonidos básicos que pronunciamos y capaz de expresarlo todo, desde una sencilla afirmación hasta la idea más abstracta o el concepto más complejo. La lengua escrita surgió como respuesta y posibilidad de satisfacción de una de las necesidades humanas más básicas: la de comunicarse con sus semejantes ausentes. Presenta además las incalculables ventajas de poder ser trasladada en el espacio y de sobrevivir a su autor, contribuyendo así a la permanencia de su pensamiento. Entre los sistemas de escrituras más antiguos tenemos uno situado en el continente americano, precisamente en mesoamérica. Su origen se debió a la necesidad del pueblo por registrar información matemática, astronómica y artística. Hoy en esta emisión compartimos con ustedes algunas aproximaciones a la ESCRITURA MAYA
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  Vidrieras medievales | Ars Sonorus 18.08.2026 51mnt

  La luz es el más noble de los fenómenos naturales porque es menos material y el que más se asemeja a la forma pura. Los arquitectos góticos le dieron la misma orientación metafísica que a la proporción o la medida, lo que explica el interés en el uso de vidrieras para construir muros «transparentes». La luz inunda todo el espacio gótico en forma de potentes haces tamizados por los cristales de las vidrieras cuyos rayos coloreados van proyectándose sobre la superficie mural. En realidad, cabría mucha más luz a través de esos amplísimos ventanales, pero los arquitectos buscan otra cosa. Persiguen un efecto sorpresivo y transcendente que trata de elevar a los fieles a una esfera suprasensorial. La luz funde y transfigura los muros tratando de diluirlos en el reflejo de las vidrieras como si los quisiera convertir en ellas mismas. Las vidrieras de colores son oscuras, con tonos azules y violáceos que permiten crear en el interior un efecto sobrenatural que varía constantemente de acuerdo a los cambios atmosféricos y del sol. Esta luz modifica toda la arquitectura y la sustancia material de los muros. Se proyecta sobre ellos y los funde transfigurándolos para diluirse en un reflejo multicolor de vidrieras como si quisieran convertirse en ellas mismas. No se diferencia entre luz transcendente y luz material: todas las manifestaciones de esa luz son reflejo de la divinidad. Así son las catedrales góticas y en este Ciclo Catedrales de Europa compartimos con ustedes el ARTE DE LAS VIDRIERAS MEDIEVALES.
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  Maestros canteros | Ars Sonorus 12.08.2026 53mnt

  Tras haberse alejado del recto camino, la ciencia actual trata de volver a él adoptando, poco a poco las concepciones antiguas. A la manera de las civilizaciones sucesivas, el progreso humano obedece a la ley indudable del perpetuo recomenzar. Respecto a todos y en contra de todos, la Verdad acaba siempre por triunfar, pese a su lento avance, penoso y tortuoso. El buen sentido y la simplicidad se sobreponen, tarde o temprano a sofismas o prejuicios. Enseña la escritura, «que nada hay escondido que no deba ser descubierto, ni nada secreto que no deba ser conocido» (Mateo, X, 26). En la Antigüedad, y sobre todo en Egipto, esta sumisión primordial se aplicaba a todas las ramas de las ciencias y de las artes industriales. Ceramistas, esmaltadores, orfebres, fundidores y vidrieros trabajaban en el interior de los templos. El personal obrero de los talleres y laboratorios formaba parte de la casta sacerdotal. Desde la época medieval hasta el siglo XIX, la historia nos ofrece numerosos ejemplos de organización parecida en caballerías, las órdenes monásticas, la masonería, las corporaciones, las cofradías... Esas múltiples asociaciones que guardaban celosamente los secretos de la ciencia o de los oficios, poseían siempre un carácter místico o simbólico, conservaban usos tradicionales y practicaban una moral religiosa. Llevaban sus precauciones para evitar la difusión de los secretos específicos de cada oficio. En este contexto continuamos con el Ciclo Catedrales de Europa y el tema dedicado a LOS MAESTROS CANTEROS DE LA CATEDRAL MEDIEVAL.
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  Historia de la Danza | Ars Sonorus 04.08.2026 58mnt

  La belleza de la danza es uno de los aspectos que más resaltan en este arte. Hermosura y danza van de la mano. La danza es una forma de expresión artística que combina movimientos corporales con música y ritmo, y puede ser considerada como una forma de belleza en sí misma. Junto con la belleza estética de la danza en sí, también puede haber una conexión emocional entre la belleza y la danza. La danza puede evocar sentimientos de alegría, tristeza, nostalgia, amor y muchos otros a través de la música y los movimientos del cuerpo. Esto puede llevar a una experiencia profunda y significativa para el espectador, y es una de las razones por las que la danza ha sido valorada y apreciada a lo largo de la historia. En términos de la relación entre la belleza y la danza en el desempeño, los bailarines pueden ser entrenados para desarrollar técnicas y habilidades que les permitan moverse con gracia y elegancia, creando una presentación visualmente atractiva y emocionante. Además, los coreógrafos y los directores pueden utilizar la belleza como un elemento central de su enfoque creativo al crear piezas de danza, explorando conceptos como la belleza en la diversidad, la belleza en la simplicidad, y la belleza en el movimiento. Hoy en esta emisión compartimos con ustedes una breve historia de la Danza.
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  Las siete maravillas del mundo antiguo | Ars Sonorus 28.07.2026 50mnt

  Amantes del arte y ávidos viajeros, los antiguos griegos crearon una lista de siete monumentos que ilustraban la ambición constructiva y artística de la humanidad. En apenas ocho líneas, el poeta Antípatro de Sidón, del siglo II a.C., reúne en un poema las obras más admirables de su época: los muros y jardines de Babilonia, la estatua del dios Zeus en Olimpia, el Coloso de Rodas, las pirámides de Gizeh, el Mausoleo de Halicarnaso y el Artemision de Éfeso. Tan sólo habría que añadir a la lista el Faro de Alejandría para enumerar las canónicas «Siete Maravillas de la Antigüedad». De este modo, sin haberlo previsto, Antípatro dio inicio a la carrera de un mito que trascendería los siglos. La lista formó parte de la sabiduría popular en época romana: el poeta Marcial se refirió al Coliseo de Roma, cuando se inauguró en el año 80 d.C., como uno de los muchos monumentos que aspiraron a parangonarse con las famosas Siete Maravillas; y el poeta elegíaco Propercio consideraba sus versos más indestructibles que las Pirámides, el Mausoleo y el templo de Zeus en Olimpia. Algo más tarde aparecieron tratados –como el atribuido a Filón de Bizancio (probablemente del siglo V) o los escritos por Gregorio de Tours (siglo VI) y Beda el venerable (siglo VIII)– que discutieron las excelencias de cada monumento y, posteriormente, sirvieron de inspiración a los artistas del Renacimiento. Hoy esta emisión se la dedicamos a estas «siete maravillas» del arte que hicieron historia.
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  El arte de la momificación | Ars Sonorus 21.07.2026 59mnt

  Las momias han ejercido una considerable influencia en la imaginación de las gentes tanto en tiempos antiguos como en los actuales. Curiosidad, interés, respeto, temor y hasta terror han sido sentimientos que, por contrastados que parezcan, a menudo están presentes al unísono ante la visión de una momia. La proximidad y, nos atreveríamos a decir, el tipo de relación que se establece entre investigador y momia (muy diferente al que uno puede mostrar frente a la visión de un esqueleto), así como también el respeto y cuidado que el estudioso suele mostrar en su estudio es algo “diferente” al resto de estudios realizados sobre otros tipos de material antropológico. Pero el concepto de “momia” no se circunscribe tan solo al estereotipo que durante tanto tiempo se ha asociado a las momias reales del Egipto Dinástico y algunas otras que aparecen puntualmente en la portada de revistas. Las momias y los restos momificados son una constante en la historia siendo multitud en numerosos lugares de nuestro planeta y en muy diversas épocas. Los egipcios no fueron los primeros en desarrollar procesos de momificación efectivos. Por el contrario, algunos cuerpos prehistóricos se conservan perfectamente, como consecuencia del entorno natural en donde fueron sepultados. El mejor ejemplo son las momias chinchorro, cuyas pieles y órganos se han preservado desde el año 5050 a.C. en el Desierto de Atacama. En este caso, los cuerpos se conservaron por la salinidad del desierto en Chile.
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  El valor de la música | Ars Sonorus 14.07.2026 57mnt

  La música puede transmutar nuestras vidas moldeándolas con sus pulsos, Convertirnos en «musicantes por la paz» es comprender que estamos inmersos en una secuencia rítmica de circuitos interconectados, y que la pérdida del inocente juego con los sonidos es la renuncia a la espontaneidad y la caída en la rigidez. El sonido es un fenómeno natural: la música, en cambio, es el resultado del desarrollo consciente del sonido por parte del ser humano, hasta convertirlo en un arte y una ciencia. Los principios básicos en que se fundamenta toda música son: el ritmo, la tonalidad, la melodía, la dinámica y el timbre. Alguna familiarización con estos elementos y con la forma que se ordenan, proporcionará a todo aquel que escuche música, un valioso instrumento de penetración en los «secretos de la música» Una profunda alquimia energética vibracional transporta al receptor de estos sonidos a un nivel superior de humanidad, emoción y consciencia por un proceso de resonancia y empatía. Las expresiones del ser humano atraviesan fases de integración orgánica estructural, de equilibrio armónico, de sincronía rítmica y de una eterna búsqueda de simplicidad esencial. La música más grande es siempre simple.
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  Arte Povera | Ars Sonorus 06.07.2026 55mnt

  Si pensamos en la palabra ARTE y lo que conlleva su significado, a la mayoría de nosotros nos vendría a la mente multitud de cuestiones. La Real Academia Española (RAE) ofrece un amplio número de definiciones, pero nos vamos a centrar en dos de ellas: -capacidad, habilidad para hacer algo-, o también -manifestación de la actividad humana mediante la cual se interpreta lo real o se plasma lo imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros-. Por lo tanto, podemos decir que el arte es la destreza de crear y mostrar aquello que percibimos visto desde nuestra perspectiva, con la finalidad de expresarnos y causar alguna reacción en el resto de personas. Asimismo, si nos remontamos a los inicios del arte, las primeras manifestaciones artísticas que conocemos datan de la etapa de la prehistoria. No obstante, según señalan estudiosos, el nacimiento del arte en Europa no comienza hasta la época del Paleolítico Superior, siendo así una de las manifestaciones más increíbles y extensas de la Historia del Arte y la cultura. Cabe destacar que existe un amplio abanico de estilos artísticos muy variados en este periodo de tiempo, y esto se debe en parte a los grandes cambios ocasionados en la sociedad de entonces, donde destacan los avances en tecnología y ciencia, provocando así nuevas necesidades de expresión en los artistas. Una de las cuestiones que han definido al s. XX es el desarrollo científico- tecnológico y el consumo. Hemos vivido en una sociedad creativa y despilfarradora. Una sociedad de usar y tirar, y no somos del todo conscientes de cómo esta forma de vida se ha trasladado al mundo del arte, reflejando como un espejo lo positivo y lo negativo de la sociedad que hemos creado. Hoy compartimos con ustedes un particular estilo activo y crítico de la sociedad de consumo, el ARTE POVERA.
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  El Arte Sonoro | Ars Sonorus 30.06.2026 58mnt

  Arte Sonoro es una disciplina artística en la que el sonido se utiliza como medio principal. Al igual que otros géneros de arte contemporáneo, el Arte Sonoro es inherentemente interdisciplinario, y se relaciona con una variedad de temas que incluyen la electrónica, la acústica, la música de ruido, la psicoacústica, los medios de audio, el video, el cine y la escultura. Los primeros ejemplos de Arte Sonoro incluyen los entonadores de ruido de Luigi Russolo, así como las obras experimentales de los surrealistas, dadaístas y el movimiento Fluxus. Estos primeros pioneros ayudaron a establecer el sonido como un medio legítimo para la expresión artística.
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  La vida y obra de Yves Klein | Ars Sonorus 23.06.2026 59mnt

  El contraste del color en si mismo da la solución para numerosos temas de pintura. Expresa la vida bulliciosa, el brote de una fuerza luminosa. Los colores puros primarios y secundarios siempre expresan una irradiación cósmica primitiva y, al mismo tiempo, una realidad solemne y material. Por eso se emplean para un coronamiento de cielo como para una naturaleza muerta realista. Especialmente el pigmento azul existe en el mundo desde el 2.200 a. C, incluso es el primer color artificial de la historia. Pero existe un azul creado en 1960 del siglo pasado, el International Klein Blue (IKB; en español también es común la denominación Azul Klein) es una tonalidad profunda de color azul concebida y registrada por el artista francés Yves Klein. El impacto visual del azul Klein se debe a su fuerte relación con el azul ultramar, así como a los espesores y texturas de esta pintura que Klein solía aplicar sobre sus lienzos. La particularidad de este pigmento está en el tono azul puro y muy intenso, sin ningún indicio de verde, morado o gris. De hecho, su devoción cromática era tan profunda que en 1960 patentó ese color como su invención. Así el artista dijo una vez: "Al principio no hay nada, luego hay un profundo vacío y después de eso una profundidad azul". Con este contexto nos aproximaremos a la vida y obra de este gran artista.
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  El espectador en el Arte | Ars Sonorus 15.06.2026 53mnt

  La imagen en el cine, así como en otros soportes comunicacionales, aparece como un conjunto de significaciones que pueden ser manipuladas de acuerdo a los preceptos del director o realizador de la obra cinematográfica. Sin embargo, el realizador no actúa solo en esta creación, necesita de un espectador que comparta los mismos códigos socioculturales y que sea capaz de generar conjeturas propias de lo que se expone. Artista, obra y espectador son parte de un acto creativo, que introduce el sentido básico de la observación generando un trabajo intelectual que lo hace entrar en la compleja problemática que otorga la imagen. Estos tres elementos se hacen presentes en diferentes momentos de este acto. El artista juega con aquellos conocimientos que son comunes a todos y que sustentan el diálogo y la comunicación entre él y el espectador, sin dejar de conducir el sentido de nuestra observación planteándonos nuevos razonamientos. A su vez, la obra, presentada como narración, es el punto de encuentro entre realizador y espectador. Este último es quien finalmente se convierte en un receptor que transmite, desde su mirada crítica, un sentido de realidad que se expresa en la creación de mundos imaginarios. En este contexto desarrollaremos algunas ideas sobre el papel del ESPECTADOR EN LA OBRA DE ARTE.
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  La Catedral de Burgos | Ars Sonorus 10.06.2026 58mnt

  Cientos de años después de su construcción, las catedrales e iglesias medievales siguen con una fascinación incomparable. Auténticos «rascacielos» de la Edad Media, toda su planificación y ejecución se basa en conocimientos de carácter esotérico, simbólico y sagrado que las logias de constructores heredadas de la antigüedad. Entre los siglos XI y XIV, en poco más de 800 años Europa asistió a la construcción de cientos de Catedrales e Iglesias, semejante afán de construcción ha estado rodeado de un halo de misterio, y especialmente en las últimas décadas, multitud de trabajos han pretendido ver en esos prodigios del saber y la fe de la Edad Media y en aparición repentina del arte gótico, una demostración física y palpable del conocimiento esotérico de templarios y alquimistas. El las logias de constructores medievales existía una ley de silencio, que impedía revelar los conocimientos adquiridos popularizando así la representación de Dios geómetra, Creador como gran Arquitecto del Universo. Las Catedrales Góticas nos transcienden, esa luz transformada por sus excepcionales vidrieras o las corrientes telúricas que la atraviesan siguen sobrecogiéndonos e induciéndonos a la quietud y sobrecogimiento. Hoy iniciamos un ciclo dedicado a las Grandes Catedrales Europeas, nuestro viaje comienza por La Catedral de Burgos, que se levanta majestuosa en pleno camino a Santiago de Compostela.
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  El cine negro | Ars Sonorus 01.06.2026 58mnt

  Pocas películas huyen de su momento histórico. Para bien y para mal, los artistas y sus obras están marcados por su época de creación, por la ideología y la sociedad de su tiempo. Ejemplo de ello lo tenemos en el filme El silencio de un hombre, metáfora rotunda de la soledad, de la máscara - persona, de la precisa mirada que logra voltear un género de manera revolucionaria, para crear una obra de culto de enorme influencia en el tiempo, es un retrato que describe con extraña atmósfera empática e hipnótica una universalidad y un permanente halo de complicidad. El director francés Jean-Pierre Melville convierte la historia de un hermético y frío asesino a sueldo, ese Jeff Costello que Alain Delon perfila con implacable decisión y un dominio del espacio, los planos y la mirada, en un antihéroe que transmite una sucesión de pulsos dramáticos. Ejercicio de estilo pero también juego formal y estético, el filme desnuda un territorio existencialista, renueva el género más forjado en estereotipos y se adentra en una impresionante puesta en escena. Todo en el filme El silencio de un hombre tiene algo de composición pictórica entre minimalista y abstracta que, sin embargo, produce una colisión contundente y eficaz con ese aire de desencanto, de desmayada soledad, de inevitabilidad del destino. Hay una sombría corriente que atraviesa la película, toda ella dotada de una sensación de invisibilidad a través de la cual el personaje de Costelo se postula como un espejo de la realidad. La criatura metódica, fría, inteligente es la llave de un cine que discurre entre la intriga, lo negro, lo policíaco, pero todo entreverado por el uso magnético de la luz, ese magma que impregna lo poético y lo riguroso, la pausa y la potencia visual. Así se creó y desarrolló el CINE NEGRO, tema que compartimos con ustedes en esta emisión.