PuroJazz

エピソード

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  Puro Jazz 01 de octubre, 2026 02.10.2026 58分

  LENNY POPKIN FALLING FREE - New York, fall 1979 - 317 East 32nd Street, You’re irreplaceable, Body and soul, When you’re smiling, LennieBird - Lenny Popkin (ts) Eddie Gomez (b) Peter Scattaretico (d)El título del disco “317 East 32nd”, identifica inmediatamente a Lenny Popkin como integrante de la escuela de Lennie Tristano. 317 East 32nd Street era la dirección del estudio y centro de enseñanza que el pianista mantuvo en Manhattan, y también el nombre de una de sus composiciones, Popkin, discípulo de Tristano, tuvo escasas oportunidades de grabar como líder. Estas actuaciones, registradas en Nueva York durante el otoño de 1979 por la pianista Connie Crothers, en su loft dieron origen a su primer álbum, publicado inicialmente en 1981 con el título “Falling Free”. Años después apareció en CD como “317 East 32nd”.Sin piano ni otro instrumento armónico, Popkin comparte el espacio con el notable contrabajista Eddie Gomez y el baterista Peter Scattaretico. Su sonido ligero y aireado recuerda a Lee Konitz y Warne Marsh, aunque posee una personalidad propia, especialmente en la manera de construir largas líneas melódicas.El repertorio combina standards y contrafacts, siguiendo la tradición de Tristano. [Contrafacts son piezas en las que se usan los acordes de otra mientras se introduce una melodía completamente nueva]. En “When You’re Smiling”, Popkin recrea casi literalmente un solo de Lester Young.RAY BROWN/JIMMY ROWLES TASTY ! - San Francisco, CA, October 22, 1979 - I’m gonna sit right down and write myself a letter, The night is so young and you’re so beautiful, Come Sunday Jimmy Rowles (p) Ray Brown (b)“Tasty!” reúne a dos músicos veteranos: Jimmy Rowles en piano y Ray Brown en contrabajo. Grabado en 1979 en San Francisco, fue su segundo álbum en dúo, después de “As Good as It Gets”, registrado dos años antes.En este formato tan expuesto, piano y contrabajo intercambian constantemente sus funciones. Brown no se limita al acompañamiento: propone ideas, conduce el ritmo y sostiene verdaderos diálogos con Rowles. Su enorme sonido, profundo y perfectamente definido.Rowles, por su parte, toca con esa combinación tan personal de refinamiento armónico, humor y aparente despreocupación. En “I’m Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter” sorprende con algunos pasajes de “stride”, mientras que en las baladas deja amplios espacios y encuentra acordes inesperados sin nunca perder la melodía.El repertorio incluye canciones de Harold Arlen, Duke Ellington, Jerome Kern y otros grandes autores. Pero el verdadero encanto del disco está en la economía, el “swing” y la complicidad entre ambos. Música madura, cálida y aparentemente sencilla, aunque detrás de cada frase hay décadas de experiencia. El título le queda perfecto: todo está tocado con muy buen gusto.VANGUARD JAZZ ORCHESTRA CENTENNIAL : THE MUSIC OF THAD JONES - Live “Village Vanguard”, New York, February 7 & 8, 2024 - A child is born, Don’t git sassy - Terell Stafford, Scott Wendholt, John Chudoba, Brian Pareschi (tp) Dion Tucker, Jason Jackson, Robert Edwards (tb) Douglas Purviance (btb) Dick Oatts (as,dir) Billy Drewes (as,sop) Rich Perry, Ralph Lalama (ts) Gary Smulyan (bar) Adam Birnbaum (p) David Wong (b) John Riley (d) Thad Jones habría cumplido cien años el 2023. Para celebrar su legado, la Vanguard Jazz Orchestra regresó a la música de su fundador en este álbum doble, grabado en vivo en el Village Vanguard de Nueva York en febrero de 2024.La historia de la orquesta comenzó en 1966, cuando Jones y el baterista Mel Lewis organizaron una gran banda para tocar durante tres lunes en el club. El éxito de la prueba se transformó en una residencia semanal que continúa hasta hoy. Tras la partida de Jones a Dinamarca en 1979 y la muerte de Lewis en 1990, el conjunto adoptó su nombre actual, manteniendo vivo el repertorio original sin transformarse en una pieza de museo.Jones modernizó el lenguaje de las grandes bandas al unir la elegancia y complejidad de Duke Ellington con el “swing” y las raíces del blues de Count Basie. Esa combinación vuelve a escucharse aquí en piezas fundamentales como “Back Bone”, “61st & Rich’It” y su célebre balada “A Child Is Born”.Bajo la dirección artística del saxofonista Dick Oatts, la orquesta interpreta estas obras con precisión, energía y una fuerte personalidad colectiva. Es un homenaje respetuoso, pero lleno de vida, que confirma la vigencia de una música escrita para perdurar. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 30 de septiembre, 2026 01.10.2026 58分

  CHAD TAYLOR TRIO THE REEL - Astoria, NY, May 9 & June 24, 2022 - Subterfuge, The reel, Omniverse - Brian Settles (sax) Neil Podgurski (p) Chad Taylor (d)Después de una extensa trayectoria como acompañante, en grupos como Chicago Underground y Exploding Star Orchestra, el baterista Chad Taylor asumió plenamente el papel de líder con su trío. “The Reel”, grabado en 2022, es su segundo álbum junto al saxofonista Brian Settles y el pianista Neil Podgurski.Los tres músicos se conocieron a mediados de los años noventa, cuando estudiaban en The New School de Nueva York. Esa larga relación se percibe en la soltura del conjunto y en un diálogo constante, sin necesidad de bajo. El repertorio incluye composiciones de los tres integrantes y dos piezas de Andrew Hill. En “Subterfuge”, Taylor establece un ritmo cercano a la bossa nova, sobre el cual Settles y Podgurski desarrollan sus solos. En “Reconciliation”, el trío aborda el complejo tema de Hill con claridad y seguridad.Podgurski aporta cuatro de las nueve composiciones, entre ellas la elaborada “Delta” y la más dinámica “Nebula”. Settles firma “Moon Tone Shift”, que comienza en un clima meditativo y crece hasta alcanzar un intenso desenlace.Las dos piezas de Taylor destacan, como era de esperar, por su carácter rítmico. “Julian’s Groove” transmite una alegría contenida, mientras “The Reel” funciona como el centro melódico y conceptual del álbum.BILL EVANS TRIO EMPATHY - New York, August 20, 1962 - I believe in you, Danny boy, Let’s go back to the waltz, Goodbye - Bill Evans (p) Monty Budwig (b) Shelly Manne (d)“Empathy”, grabado en 1962, nació de un encuentro circunstancial entre el pianista Bill Evans y el baterista Shelly Manne. Ambos se presentaban por separado en el Village Vanguard de Nueva York cuando el productor Creed Taylor propuso reunirlos en el estudio. Riverside Records, sello al que pertenecía Evans, autorizó la sesión para Verve, y el trío quedó completo con Monty Budwig, entonces bajista habitual de Manne.Aunque el disco apareció bajo los nombres de Evans y Manne, el piano ocupa naturalmente el centro de la música. Sin embargo, no se trata simplemente de un solista acompañado por una sección rítmica. Manne escucha y responde continuamente, introduce pequeños acentos y cambios de intensidad, y establece con Evans un diálogo sutil que eleva la sesión por encima de un encuentro convencional. Budwig aporta una base firme y discreta, sin limitar la libertad de sus compañeros.El repertorio está compuesto principalmente por estándares e incluye dos canciones de Irving Berlin. Evans se escucha especialmente ligero, relajado y espontáneo, mientras Manne demuestra que podía tocar con gran delicadeza sin perder su personalidad.“Empathy” conserva el aire fresco de una sesión realizada sin mayores pretensiones: tres músicos liberados por un día de sus grupos habituales, disfrutando del placer de tocar juntos.KENNY WHEELER SEXTET WHAT WAS - London, England, September 29, 1995 - Blue Nile, Newness - Kenny Wheeler (flhrn) Ray Warleigh (as,fl) Stan Sulzmann (ts) John Parricelli (g) Chris Laurence (b) Tony Levin (d)Pocos músicos de trompeta y fliscorno poseen una voz tan reconocible como Kenny Wheeler. Nacido en Canadá y establecido en Gran Bretaña desde 1952, desarrolló un sonido lírico y melancólico, además de una escritura armónica muy personal. Aunque su música permaneció arraigada en el jazz, Wheeler también ocupó un lugar importante en la improvisación libre europea.“What Was” fue grabado el 29 de septiembre de 1995 en Gateway Studio, cerca de Londres, pero permaneció inédito durante más de treinta años. Wheeler había fallecido en 2014; la edición póstuma, preparada por el sello False Walls y producida por Evan Parker, apareció en formato físico y digital el 17 de abril de 2026. La sesión se presenta aquí completa por primera vez. [Wheeler toca junto a Ray Warleigh en saxo alto y flauta, Stan Sulzmann en tenor, John Parricelli en guitarra, Chris Laurence en contrabajo y Tony Levin en batería. Era un conjunto de músicos estrechamente ligados a su mundo musical, y esa familiaridad se percibe en la interacción del sexteto.El repertorio incluye composiciones de Wheeler, Warleigh, Sulzmann, Mick Pyne y Lee Konitz. “What Was” recupera a Wheeler a los 65 años, en plena madurez: menos impetuoso que en su juventud, pero todavía intenso, imaginativo y dueño de una extraordinaria belleza sonora. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 29 de septiembre, 2026 30.09.2026 58分

  MEDESKI, MARTIN & WOOD IT’S A JUNGLE IN HERE - New York, August 2-4, 1993 - Bemsha swing - Lively up yourself, It’s a jungle in here, Syeeda’s song flute, Wiggly’s way - Steven Bernstein (tp,flhrn) Josh Roseman (tb) Jay Rodriguez (ts,as) David Binney (as) John Medeski (org,p,el-hrn arr) Marc Ribot (g) Chris Wood (b) Billy Martin (d,perc)Formado en 1991, Medeski, Martin & Wood encontró rápidamente una identidad propia al combinar la improvisación del jazz con la energía del funk, el soul y el hip hop. Su segundo álbum, “It’s a Jungle in Here”, grabado en Nueva York en 1993, fue decisivo en la consolidación de ese sonido que más tarde sería descrito como “avant-groove”.John Medeski alterna piano, órgano y teclados eléctricos; Chris Wood aporta líneas de bajo flexibles y poderosas, mientras Billy Martin construye una base rítmica llena de cambios, contrastes y sorpresas. El trío no abandona la tradición, pero la utiliza con absoluta libertad. El repertorio incluye composiciones de John Coltrane y del músico nigeriano King Sunny Adé, además de una ingeniosa combinación de Bob Marley con Thelonious Monk.El sonido del grupo se amplía con varios invitados: el trompetista Steven Bernstein, los saxofonistas Jay Rodriguez y David Binney, el trombonista Josh Roseman y el guitarrista Marc Ribot. Sus intervenciones aportan nuevos colores sin restarle protagonismo al trío.“It’s a Jungle in Here” muestra a Medeski, Martin & Wood en plena búsqueda: irreverentes, rítmicos y capaces de tender puentes entre distintas tradiciones sin perder su originalidad.FRANK KIMBROUGH MEANTIME - New York, December 7 & 8, 2014 - Alabama song, Twenty bars, Four by four, Last night when we were young - Frank Kimbrough (p) Andrew Zimmerman (ts) Chris van Voorst van Beest (b) R.J. Miller (d) Riley Mulherkar (tp)Frank Kimbrough fue un pianista lírico y directo, atento a la melodía, al sonido y al valor expresivo de cada nota. Durante casi tres décadas ocupó el puesto de pianista en la orquesta de Maria Schneider y también participó en el Gil Evans Project de Ryan Truesdell. A esas experiencias se sumaron sus largas colaboraciones con el baterista Matt Wilson y el bajista Ben Allison, junto a quien integró el Jazz Composers Collective. De ese colectivo surgió también el Herbie Nichols Project, un celebrado homenaje a uno de sus pianistas favoritos.Grabado en Nueva York en diciembre de 2014 y publicado originalmente en vinilo por Newvelle Records, “Meantime” reúne composiciones originales e interpretaciones de distintos autores. El álbum comienza con “Alabama Song”, la conocida pieza de Kurt Weill: el saxofonista Andrew Zimmerman expone la melodía con gran pureza y Kimbrough continúa con un solo intenso, pero cuidadosamente construido.El quinteto se completa con Riley Mulherkar en trompeta, Chris van Voorst van Beest en contrabajo y R.J. Miller en batería. La música es contenida, espaciosa y profundamente colectiva, con arreglos que permiten apreciar tanto las voces individuales como la sensibilidad del conjunto.La inesperada muerte de Kimbrough, en diciembre de 2020, dejó un enorme vacío en la comunidad jazzística de Nueva York.LOREN STILLMAN TRIO ALTO, VOLUME 1 - New York, April, 2005 - Long ago and far away, Turn out the stars, Time remembered - Loren Stillman (as) Steve LaSpina (b) Jeff Hirshfield (d)Nacido en Londres en 1980 y criado en Croton-on-Hudson, cerca de Nueva York, Loren Stillman comenzó muy joven su formación como saxofonista. Entre sus primeros maestros estuvieron Ted Nash, Dick Oatts y Dave Liebman, y en 2002 llegó a las semifinales del Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk.Aunque su carrera se ha concentrado principalmente en la composición original, en “Trio Alto, Volume 1” Stillman aborda el repertorio tradicional del jazz acompañado solamente por Steve LaSpina en contrabajo y Jeff Hirshfield en batería. Grabado en Nueva York en abril de 2005, el disco prescinde del piano y deja amplio espacio para el sonido claro y personal de su saxo alto.El programa reúne clásicos como “All the Things You Are”, “What Is This Thing Called Love”, “Body and Soul” y “The Touch of Your Lips”. También incluye “Red Cross”, una pieza poco interpretada de Charlie Parker, y dos composiciones asociadas con Bill Evans: “Turn Out the Stars” y “Time Remembered”. El único original de Stillman es “The State of the World”, construido sobre una línea intensa en tonalidad menor.LaSpina aporta un sonido amplio y solos melódicos, mientras Hirshfield sostiene al grupo con soltura y sensibilidad. Juntos consiguen renovar canciones muy conocidas sin perder su carácter esencial. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 28 de septiembre, 2026 29.09.2026 58分

  ORRIN EVANS AND THE CAPTAIN BLACK BIG BAND WALK A MILE IN MY SHOE - New York, March 9, 2024 - Dislocation blues (pj vcl,1), Blues in the night (lf vcl), Overjoyed (lf vcl), Smoke gets in your eyes - Nicholas Payton, Sean Jones, Josh Lawrence (tp) David Gibson, Reggie Watkins (tb) Todd Bashore (as,fl) Caleb Wheeler Curtis (ts,sop) Jesse Fischer (org) Orrin Evans (p) Vicente Archer, Madison Rast (b) Anthony Tidd (el-b-1) Anwar Marshall, Mark Whitfield, II (d) Lisa Fischer, Bilal, Joanna Pascale, Paul Jost (vcl).La selección de temas de “Walk a Mile in My Shoe”, que incluye canciones de Stevie Wonder y Marvin Gaye junto a clásicos de la era del swing, podría sugerir un disco convencional. Pero Orrin Evans lleva este material hacia un terreno muy personal, donde conviven el blues, el soul y el góspel con el jazz moderno y algunos pasajes más abiertos.Desde “Dislocation Blues”, el piano de Evans establece el carácter del álbum con acordes cortantes, armonías inesperadas y una fuerte raíz bluesera. En esa pieza dialoga con el órgano de Jesse Fischer antes de la entrada de los metales y la voz de Paul Jost. Aunque se trata de una big band, las orquestaciones no buscan imponerse por su volumen: los instrumentos acompañan las voces, agregan colores y dejan espacio para los solistas.Cuatro cantantes participan en la grabación. Lisa Fischer sobresale en “Overjoyed”, de Stevie Wonder, que comienza lentamente con el piano y la trompeta de Nicholas Payton. Su interpretación, contenida y atrasada del pulso, crece gradualmente junto al arreglo.RAY BRYANT PLAYS BASIE AND ELLINGTON - New York, February 15 & 16, 1987 - Blues for Basie (solo p), It don’t mean a thing (if it ain’t got that swing), Things ain’t what they used to be - Ray Bryant (p) Rufus Reid (b) Freddie Waits (d)Ray Bryant en su estilo tomó elementos de distintas épocas del jazz para convertirlos en un lenguaje propio. Apoyado firmemente en el blues y el góspel, incorporaba también la riqueza armónica y la variedad rítmica del jazz moderno. Esa combinación le permitió cruzar con naturalidad las divisiones entre músicos tradicionales y modernos que todavía existían cuando comenzó a destacarse, a mediados de los años cincuenta.Bryant utilizaba todo el teclado. Con su poderosa mano izquierda alternaba acordes contundentes, figuras de stride y líneas de boogie-woogie, mientras la derecha podía crear delicados adornos que recordaban a su primer ídolo, Art Tatum. Todo estaba ejecutado con impecable sentido musical y un swing constante.Grabado en Nueva York en febrero de 1987, “Plays Basie and Ellington” fue su primer álbum en siete años. Lo acompañan Rufus Reid en contrabajo y Freddie Waits en batería. El repertorio reúne piezas vinculadas a Count Basie, una composición original titulada “Blues for Basie” y varias obras de Duke Ellington.Bryant no intenta imitar a ninguno de los dos grandes directores. Lleva su música al formato de trío y la adapta a su propia personalidad. El resultado es un homenaje cálido y directo, lleno de blues, elegancia y ritmo, que demuestra por qué su aparente sencillez nunca debe confundirse con falta de profundidad.RAVI COLTRANE SPIRIT FICTION - New York, December 20-22, 2011 - Spirit fiction (1,2,3), Cross roads (1,2,3,5), Check out time (4,6,), Fantasm (jg,eh,ra out,4,6) - Ralph Alessi (tp-4) Ravi Coltrane (ts,sop-5) Joe Lovano (ts-6) Luis Perdomo (p-1) Geri Allen (p-4) Drew Gress (b-2) James Genus (b-4) E.J. Strickland (d-3) Eric Harland (d-4)Ravi Coltrane ha desarrollado una voz propia en los saxos tenor y soprano, sin desconocer la herencia de sus padres, John y Alice Coltrane. En “Spirit Fiction”, grabado entre 2010 y 2011, demuestra que puede dialogar abiertamente con esa tradición sin quedar atrapado en ella.El álbum incluye dos grupos. En uno participan el pianista Luis Perdomo, el contrabajista Drew Gress y el baterista E.J. Strickland; en el otro, la pianista Geri Allen, el trompetista Ralph Alessi, el contrabajista James Genus y el baterista Eric Harland. Joe Lovano se suma en dos piezas. “Check Out Time”, de Ornette Coleman, y en “Fantasm”, de Paul Motian, esta última en un formato íntimo junto a Geri Allen. En el tema que da título al álbum, Coltrane construye una melodía pausada y casi devocional, aunque atravesada por cierta inquietud. Esa mezcla de lirismo y tensión es una de las principales características de su música. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 25 de septiembre, 2026 26.09.2026 58分

  CHRISTIAN SCOTT REWIND THAT - New York ?, c. 2005 - Rewind That, So what, Rejection - Christian Scott (tp) Donald Harrison, Jr. (as) Walter Smith, III (ts) Zaccai Curtis (p,el-p) Matt Stevens (g) Luques Curtis (b) Thomas Pridgen (d)Christian Scott tenía apenas 22 años cuando grabó “Rewind That”, su primer disco para un sello importante. Desde el comienzo revela una clara influencia de Miles Davis, especialmente del período eléctrico: un sonido de trompeta oscuro y melancólico, frases breves y espaciosas, y melodías que avanzan sobre ritmos repetitivos cercanos al jazz-rock.Scott compuso nueve de los once temas y organizó la música alrededor de los fuertes patrones rítmicos del baterista Thomas Pridgen, el bajo de Luques Curtis y la guitarra eléctrica de Matt Stevens. Participan en el disco dos excelentes saxofonistas. Walter Smith III, quien aporta solos de gran claridad y sentido melódico, y Donald Harrison, antiguo maestro de Scott en Nueva Orleans, interviene con una nueva versión de “So What”, la célebre composición de Miles Davis. Zaccai Curtis completa el grupo en piano y teclado eléctrico.CHRIS TORDINI TRIO MIDNIGHT SUN - New York, May 9 & 10, 2016 - What Reason Could I give?, If I Should Lose You, My Funny Valentine, Everything Happens to Me, Peace - Greg Ruggiero (g) Chris Tordini (b) Becca Stevens (vcl)En “Midnight Sun”, el contrabajista Chris Tordini forma un trío poco habitual junto a la cantante Becca Stevens y el guitarrista Greg Ruggiero. El programa está dedicado principalmente a estándares, enmarcados al comienzo y al final por dos composiciones de Ornette Coleman.Los tres están vinculados a la escena neoyorquina y poseen una amplia experiencia en distintos terrenos. Tordini se mueve con igual soltura entre la improvisación libre, la fusión y el jazz tradicional; Ruggiero aporta una presencia discreta y segura; y Stevens combina el jazz con influencias del folk y la música popular, además de haber colaborado con artistas como David Crosby y Brad Mehldau.La instrumentación de “Midnight Sun” mantiene la música abierta y transparente. No hay batería ni piano, y los arreglos evitan adornos innecesarios: la guitarra de Ruggiero establece la armonía, el contrabajo de Tordini sostiene y comenta las líneas melódicas, mientras la voz de Stevens funciona como un tercer instrumento. Su canto es flexible y expresivo y, al mismo tiempo, aventurarse con naturalidad en la improvisación.LEW TABACKIN TRIO SOUNDSCAPES - New York, March 20, April 20, 2014 & April 20, 2015 - Afternoon in Paris, Yesterdays - Lew Tabackin (ts,fl) Boris Kozlov (b) Mark Taylor (d)Lew Tabackin es uno de los grandes saxofonistas tenores de su generación y, al mismo tiempo, una figura importante dentro de la tradición de la flauta en el jazz. En “Soundscapes”, publicado en 2015, dirige un trío sin piano junto al contrabajista Boris Kozlov y el baterista Mark Taylor. Son compañeros de larga trayectoria. Taylor forma parte del grupo desde 1982, mientras Kozlov, conocido por su trabajo con la Mingus Big Band, comenzó a tocar regularmente con Tabackin en 2000. Esa familiaridad permite que el trío se mueva con libertad y mantenga una conversación constante, sin necesidad de un instrumento armónico.En el saxo tenor, Tabackin conserva su sonido amplio, robusto y profundamente ligado al hard bop. En la flauta muestra otra personalidad: más ligera pero también utiliza vibratos intensos, notas ásperas y sonidos casi vocales.Durante tres décadas, Tabackin fue una figura central de la orquesta que codirigió con Toshiko Akiyoshi, con quien grabó más de veinte discos. También trabajó con la Thad Jones–Mel Lewis Orchestra, Freddie Hubbard y Clark Terry, entre muchos otros. “Soundscapes” confirma la fuerza y originalidad que mantiene tanto en el tenor como en la flauta. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 24 de septiembre, 2026 25.09.2026 58分

  ART PEPPER LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, July 28-30, 1977 - A night in Tunisia, My friend John - Art Pepper (as,ts-1,cl-2) George Cables (p) George Mraz (b) Elvin Jones (d)La actuación de Art Pepper en el Village Vanguard de Nueva York, en 1977, marcó uno de los momentos decisivos de su regreso. Aunque había vuelto a grabar algunos años antes, después de una larga lucha contra la adicción y varias temporadas en prisión, llevaba casi dos décadas sin presentarse en Nueva York. Su éxito en el Vanguard confirmó que no era solamente una figura importante del jazz de la Costa Oeste de los años cincuenta: seguía siendo un músico vital y plenamente contemporáneo.El público que recordaba el sonido lírico y elegante de “Art Pepper Meets the Rhythm Section” encontró aquí a un saxofonista diferente. Influenciado por John Coltrane y por sus propias experiencias, Pepper tocaba ahora con una intensidad mucho mayor: su sonido era áspero, urgente y profundamente emocional, aunque sin perder su extraordinario sentido melódico.También fue fundamental la sección rítmica, integrada por George Cables en piano, George Mraz en contrabajo y Elvin Jones en batería. La fuerza polirrítmica de Jones empujó a Pepper hacia algunos de sus solos más apasionados. Estas grabaciones no sólo documentaron un regreso triunfal: mostraron que Art Pepper había transformado su lenguaje y encontrado una nueva voz.NOVAS TRIO BORDERFALL - Brooklyn, NY, February 21, 2012 - Atari blues, KSR (1), Epikouros - Carlos Vera-Larrucea (vib) Jeff Miles (g) Rodrigo Recabarren (d) guest: Timo Vollbrecht (ts-1)Novas Trio reúne a los chileno Carlos Vera-Larrucea en vibráfono y al baterista Rodrigo Recabarren, y el guitarrista estadounidense Jeff Miles. La ausencia de contrabajo es una de las características centrales del grupo: deja más espacio entre los instrumentos y permite que el vibráfono y la guitarra compartan tanto la función melódica como el apoyo armónico.El proyecto comenzó en 2011, cuando Vera-Larrucea y Recabarren decidieron explorar las posibilidades de esta formación poco habitual. Miles se incorporó al año siguiente, poco antes de la grabación de “Borderfall”, realizada en Brooklyn el 21 de febrero de 2012.El repertorio está formado por ocho composiciones originales y en “KSR” participa como invitado el saxofonista tenor alemán Timo Vollbrecht.La instrumentación le da al disco una sonoridad abierta y transparente. El vibráfono aporta color y movimiento; la guitarra amplía las posibilidades armónicas, mientras la batería sostiene y estimula el diálogo sin que se eche de menos un bajo permanente. “Borderfall” fue incluido por el sitio CriticalJazz.com entre sus cien mejores discos de 2012 y presentó a Novas Trio como una formación original, flexible y de identidad propia.ERIC REVIS SLIPKNOTS THROUGH A LOOKING GLASS - New York, July, 2019 Earl & the three-fifths solution (ct out,1), Slipknots through a looking glass (part 1), (part 3), Shutter, When I become nothing Darius Jones (as) Bill McHenry (ts) Kris Davis (p) Eric Revis (b) Chad Taylor (d) Justin Faulkner (d-1)El contrabajista, compositor y director Eric Revis es conocido especialmente por su trabajo en el cuarteto de Branford Marsalis, al que pertenece desde 1997. Pero su carrera también incluye colaboraciones con músicos tan diferentes como Betty Carter, Andrew Cyrille, Jason Moran y Kurt Rosenwinkel, además de numerosos proyectos propios.“Slipknots Through a Looking Glass”, su octavo disco como líder, reúne distintas vertientes de su trayectoria. Lo acompañan Darius Jones en saxo alto, Bill McHenry en tenor, Kris Davis en piano y Chad Taylor en batería. En “Baby Renfro” y “Earl & the Three-Fifths Solution”, la batería está a cargo de Justin Faulkner.Parte del material nació durante una residencia artística realizada en 2017 en Kykuit, la histórica propiedad de la familia Rockefeller en el estado de Nueva York. Revis llevó a la sesión composiciones abiertas, pensadas para que cada músico pudiera intervenir activamente en su desarrollo.El resultado es una música inquieta y cambiante, que alterna pasajes de gran intensidad con otros más espaciosos y reflexivos. Los dos saxofones crean contrastes de timbre y carácter, mientras Davis, Revis y los bateristas mantienen la música en permanente movimiento. La pieza que da título al álbum, dividida en tres partes, funciona como el eje de una grabación aventurada, colectiva y difícil de encasillar. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 23 de septiembre, 2026 24.09.2026 59分

  JAMES DAVIS’ BEVELED “ARC AND EDGE” - Chicago, IL on October 3-4, 2024 - Long Road Home, Open Door, Pamplemousse - James Davis, Chad McCullough (flhrn) Michael Salter, Anna Najoom (b-cl) Daniel Thatcher (b) Juan Pastor (d)El trompetista James Davis participa en distintos rincones de la escena musical de Chicago. En “Arc and Edge” reúne esas experiencias al frente de Beveled, un grupo de instrumentación poco habitual: dos fliscornos, dos clarinetes bajos, contrabajo y batería. La combinación le permite trabajar con sonidos cálidos y delicados, pero también con ritmos cambiantes y momentos de improvisación intensa.Beveled comenzó a tocar en 2013, publicó su primer disco al año siguiente y luego pasó por varias pausas. Para este regreso, Davis compuso once piezas nuevas que muestran cuánto puede hacer con esos seis instrumentos. En “Long Road Home”, el fliscorno del líder abre paso a una trama de líneas melódicas que se cruzan. “Rothko Sketches”, inspirada en las pinturas de Mark Rothko, avanza lentamente antes de cobrar impulso. “Balancing Act” deja espacio para los ritmos superpuestos del baterista Juan Pastor.Davis reconoce entre sus influencias a los compositores impresionistas franceses y a sus colegas de Chicago. El resultado une jazz, música de cámara e improvisación con una identidad propia, atenta tanto al conjunto como a cada solista.FELIPE DUHART “UNA LUZ” - Lanzamiento diciembre, 2024 - Nómadas, Una Luz, Diz Mood - Sebastián Jordán (t) Agustín Moya (st) Serge Frasunkiewicz (p/tcl) Felipe Duhart (g/voz) Milton Russell (b) Juan Pablo Jaramillo (dr) Shangó Dely (perc)Felipe Duhart es un guitarrista y compositor chileno que fusiona jazz, rock y raíces latinoamericanas con una voz propia en su instrumento. Formado en Santiago y Nueva York, ha tocado en varios países de Latinoamérica. Con dos discos a su nombre y numerosas colaboraciones, ha compuesto más de 40 canciones y ha impulsado festivales de jazz y músicas del mundo.El 2016 Duhart formó el proyecto “Colectivo Sur” un grupo enfocado en crear música instrumental hay cuyo nucleo son tres diversos músicos con distintas raíces: además de Duhart están el pianista brasileño Serge Frasunkiewicz y el percusionista colombiano Shangó Dely.Tiempo después, se sumaron los músicos Milton Russell (contrabajo), Juan Pablo Jaramillo (batería)El último trabajo del Colectivo Sur se titula “Una Luz”, fue grabado en Chile el 2024 durante la sesión, se unieron el trompetista Sebastián Jordán Agustín Moya en saxofón.RODNEY WHITAKER “OASIS” - Ann Arbor, MI, October 29 & 30, 2021 - Betty’s tune, Puppets, Minorabilia - Terell Stafford (tp,flhrn) Tim Warfield (ts,sop) Bruce Barth (p) Rodney Whitaker (b) Dana Hall (d) Rockelle Fortin (vcl) Gregg Hill (compDos aspectos destacan en el disco OASIS: THE MUSIC OF GREGG HILL: el repertorio y la banda. Diez de los once temas fueron compuestos por Gregg Hill. El quinteto, liderado aquí por el contrabajista Rodney Whitaker, es un verdadero grupo de trabajo: músicos que se reúnen con frecuencia para tocar y grabar, rotando el liderazgo según el proyecto. Lo completan Terell Stafford (trompeta/fliscorno), Tim Warfield (saxo tenor y soprano), Bruce Barth (piano) y Dana Hall (batería).Esa experiencia conjunta se nota en la conexión y el juego sutil entre los músicos. Stafford y Warfield se acompañan en los solos, ya sea con líneas paralelas u ofreciendo la melodía de fondo, como en “Puppets”, donde dialogan con trompeta con sordina y saxo soprano. La banda brilla en diferentes estilos: desde el hard bop en tono menor de “Minorabilia”, el swing relajado de “Fan O Gram”. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 22 de septiembre, 2026 23.09.2026 59分

  CAMILA MEZA “CHILEAN JAZZ SERIES” Blues Alley, Washington, DC, 20 September, 2026 - Kallfu (Camila Meza), Deja la vida volar (Víctor Jara), Coraçao Vagabundo (Caetano Veloso), Caricia (Gabriela mistral/Camila Meza), The nurturer (Camila Meza), Milonga gris (Carlos Aguirre) - Camila Meza - Vocals/Electric Guitar, Gabriel Chakarji - Piano/Keyboard/Bass Synth, Keita Ogawa - DrumsCamila Meza es una de las figuras chilenas de mayor proyección en el jazz internacional. Cantante, guitarrista y compositora radicada en Nueva York, ha desarrollado un lenguaje propio en el que conviven jazz contemporáneo, ritmos sudamericanos, música brasileña, folk y pop. Su guitarra no es un simple acompañamiento, sino una segunda voz con la que dialoga e improvisa.Formada en The New School for Jazz and Contemporary Music, ha colaborado con Paquito D’Rivera, Aaron Goldberg, Ryan Keberle y Fabian Almazan. En 2018, Pat Metheny la escogió para actuar y asumir la dirección musical de su ceremonia como NEA Jazz Master. En 2022 fue elegida número uno en la categoría “Rising Star–Female Vocalist” de la encuesta de críticos de “DownBeat”.Con “Ámbar” y The Nectar Orchestra amplió su propuesta mediante arreglos de cuerdas y una sonoridad cinematográfica. El trabajo obtuvo en 2020 el Premio Pulsar al Mejor Artista de Jazz Fusión. “Portal”, publicado en 2025 por GroundUP Music, es su sexto álbum y el primero compuesto completamente por material original.Camila Meza cerró el domingo la cuarta “Chilean Jazz Series” en Blues Alley, Washington, D.C., sesiones organizadas por la Embajada de Chile en Estados Unidos. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 21 de septiembre, 2026 22.09.2026 58分

  SEBASTIÁN FUENTES “CHILEAN JAZZ SERIES” Blues Alley, Washington, DC, 17 September, 2026 - Abstract Sea, 38-58, Cycles, Constant Parallelism, Quintus, Jazz Sonata No 1. - Sebastián Fuentes (g) Gabriel Nieves (st) José Soto (p) Daniel Meyer (b) Leo Fish (dr)Del 14 al 20 de septiembre de 2026, el histórico club Blues Alley de Washington D.C. fue escenario de la cuarta edición de la “Chilean Jazz Series”, organizada por la Embajada de Chile en Estados Unidos con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores. El jueves 17 se presentó el quinteto del guitarrista y compositor Sebastián Fuentes. Nacido en Santiago y radicado en Boston, Fuentes desarrolla una música que combina el lenguaje del jazz contemporáneo con elementos vinculados a la identidad chilena, una búsqueda reflejada en su álbum “Abstract Sea”, publicado en 2022.Se formó inicialmente en la Escuela Moderna de Música de Chile y posteriormente en Berklee College of Music y el Berklee Global Jazz Institute. Allí estudió con músicos como Tim Miller y Mick Goodrick, y trabajó bajo la orientación de Danilo Pérez, Joe Lovano, John Patitucci y Terri Lyne Carrington, entre otros. Como guitarrista reconoce especialmente las influencias de Tim Miller y Adam Rogers, mientras que en sus composiciones se advierte el interés por el lenguaje orquestal de Maria Schneider y Bob Brookmeyer. Actualmente continúa sus estudios doctorales en el New England Conservatory y desarrolla también una activa labor docente en Boston. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 18 de septiembre, 2026 19.09.2026 1時間 1分

  Esta semana, la Embajada de Chile en Estados Unidos presenta la cuarta edición del “Chilean Jazz Series”, con actuaciones de músicos chilenos en Blues Alley, emblemático club de jazz de Washington D. C. La iniciativa cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile y busca promover internacionalmente la cultura y la creación artística del país.BRIAN URRA – “CHILEAN JAZZ SERIES”“Blues Alley”, Washington D. C., 16 de septiembre de 2026Repertorio: Altiplano, Te abrazo abuelita, Mi pequeño, Prelude, Se te quedaron tus plantitas, The Infinity” y “Blanca”.Músicos: Brian Urra, violín y composiciones; José Soto, piano; Sebastián Fuentes, guitarra eléctrica; Ben Fig, batería; y Louis Stringer, bajo.Brian Urra es un violinista, compositor y arreglista chileno cuya trayectoria reúne jazz, música clásica, improvisación, lenguajes contemporáneos y tradiciones irlandesas. Con más de 27 años de experiencia como intérprete y educador, se ha presentado en escenarios como Carnegie Hall, Lincoln Center, Dizzy’s Jazz Club, Newport Folk Festival y Boston Symphony Hall.Completó con distinción una maestría en el Berklee Global Jazz Institute, donde profundizó su trabajo junto a figuras como Danilo Pérez y John Patitucci. También ha estudiado composición con músicos como Billy Childs y Kris Davis. En 2023 recibió el premio de composición Ravinia Bridges, reconocimiento que le permitió trabajar durante una semana con Childs, Rufus Reid y Steve Wilson.En Blues Alley presentó música de “Blanca”, su próximo álbum de composiciones originales. El proyecto está inspirado en los afectos y la memoria familiar, el amor y el paso del tiempo, y tiene como eje narrativo la historia de su abuela. Su propuesta combina la expresividad del violín con una escritura de carácter íntimo, en la que la experiencia personal se transforma en relato musical. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 17 de septiembre, 2026 18.09.2026 1時間

  Durante las Fiestas Patrias, la Embajada de Chile en Estados Unidos, presentó su cuarta edición del Chilean Jazz Series con actuaciones de músicos chilenos en el club Blues Alley, un escenario emblemático de Washington D.C. El programa cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile, que busca impulsar la difusión internacional de la cultura y la creación artística chilenas.MARIO WELLMANN TRÍO “CHILEAN JAZZ SERIES” Blues Alley, Washington, DC, 15 September, 2026 - Let’s Cool One (Monk), Bass Interlude (Lopez), Osorno (Wellmann), If You Never Come To Me (Jobim), Saltos Del Laja (Wellmann), Drum Set Interlude (Dufour), Panguipulli (Wellmann), Isfahan (Ellington and Straihorn), Consolidation (Wellmann), Yardbird Suite (Parker) - Mario Wellmann (Guitarra) Guillermo López (Bajo) y Daniel Dufour (Batería)Mario Wellmann es un guitarrista, compositor e investigador chileno radicado entre Nueva York y Austin. Su propuesta reúne la tradición del jazz con sonoridades contemporáneas y elementos rítmicos y melódicos procedentes de Chile y América Latina. En su música destacan el lirismo, el sentido narrativo y una concepción moderna de las texturas de la guitarra.A lo largo de su trayectoria se ha presentado en Estados Unidos, Sudamérica y Europa, y ha compartido escenario con figuras como Kurt Elling, Sinne Eeg y Allison Wedding. En 2022 recibió dos “DownBeat Student Music Awards”, uno de ellos junto a The West Mulberry Trio, conjunto que codirige.En esta presentación ofrecerá música de “Ecos del Sur”, su primer álbum como líder, cuya publicación está prevista para fines de 2026. El proyecto, apoyado por el Fondo de la Música de Chile, fue grabado en Nueva York con el ingeniero y productor Joseph Branciforte, y busca expresar una mirada personal en la que convergen su formación jazzística y su identidad cultural.Wellmann es graduado en Jazz Studies por la University of North Texas y posee, además, estudios en Fonoaudiología y una maestría en Neurociencia. Actualmente desarrolla estudios doctorales en música en Columbia University. Esta combinación de creación artística e investigación académica aporta una dimensión singular a su trabajo dentro del jazz chileno contemporáneo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 16 de septiembre, 2026 18.09.2026 1時間 2分

  CLAUDIO RUBIO QUINTETO “CHILEAN JAZZ SERIES” Blues Alley, Washington, DC, 14 September, 2026 - La familia, Sala de espera, La memoria de los trenes, Descansa en paz, Un día más (Tengo todo preparado), Ella lleva el fuego (El fin del camino) - Claudio Rubio, saxo tenor; que incluye a Yago Vázquez, piano; Cristóbal Menares, guitarra eléctrica; Pablo Menares, contrabajo; y Rodrigo Recabarren, batería.Entre el 14 y el 20 de septiembre de 2026, la Embajada de Chile en Estados Unidos presentó en el club Blues Alley de Washington D.C. la cuarta edición de la “Chilean Jazz Series”, iniciativa destinada a promover el talento y la creación musical de Chile y fortalecer la presencia internacional del jazz nacional. El programa cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile, como parte de sus esfuerzos por difundir internacionalmente la cultura y la creación artística chilenas.Buenos días, Roberto. Esta versión tiene mayor continuidad y evita que el Premio Pulsar aparezca como una frase aislada:Claudio Rubio es saxofonista, compositor, arreglista y educador chileno, y una de las voces más reconocibles del jazz nacional contemporáneo. Tras iniciar su formación en Chile, cursó estudios de jazz en William Paterson University, en Estados Unidos, donde tuvo como maestros a destacados músicos como Rich Perry, Jim McNeely y Dave Liebman.A lo largo de su carrera ha colaborado con figuras y proyectos fundamentales de la escena chilena, entre ellos Cristián Gálvez, Camila Meza, Nicolás Vera, Francesca Ancarola y Ensamble Quintessence. Su actividad artística lo ha llevado, además, a presentarse en escenarios de Europa, Asia y América.Como líder ha desarrollado una obra marcada por la búsqueda de un lenguaje propio, plasmada en los álbumes Tristano!(2011), Hijo (2017), Música para ascensores (2019) y Ella lleva el fuego (2025). Este último trabajo, dedicado a su madre, combina la tradición jazzística con la composición contemporánea y una concepción abierta de la improvisación. El álbum recibió el Premio Pulsar 2026 en la categoría Mejor Artista Jazz, reconocimiento que confirmó el lugar destacado que Rubio ocupa en la música chilena actual.Por su labor como intérprete, compositor y formador de nuevas generaciones, Claudio Rubio representa un importante vínculo entre la tradición y las expresiones más recientes del jazz chileno. Con su quinteto, fue el encargado de abrir la semana dedicada a Chile en el histórico club Blues Alley de Washington D.C. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 15 de septiembre, 2026 16.09.2026 58分

  WALTER SMITH III TWIO, VOL. 2, 13 y 14 de enero de 2025, Brooklyn, Nueva York - I should Care, Fall, Isfahan - Walter Smith III (st) Joe Sanders (b) Kendrick Scott (dr) El saxofonista tenor Walter Smith III, tiene un sonido poderoso y un lenguaje que parte del post bop pero incorpora una mirada claramente contemporánea. En “Twio, Vol. 2” vuelve al formato que ya había explorado en “Twio”, de 2018: el trío de saxo, contrabajo y batería, sin piano.Esta vez lo acompañan Joe Sanders en contrabajo y Kendrick Scott en batería, dos músicos con quienes Smith mantiene una relación de muchos años. A ellos se suman dos invitados de lujo: Ron Carter, que participa en cinco de los diez temas, y Branford Marsalis, presente en dos.En el tema “Fall”, de Wayne Shorter, participa Ron Carter, quien había grabado la composición casi sesenta años antes con Miles Davis en “Nefertiti”. El trío ofrece una versión espaciosa y delicada que demuestra las posibilidades de este formato sin instrumento armónico. “Isfahan” es un dúo de Smith y Carter. BARRY HARRIS TRIO BREAKIN’ IT UP - Chicago, July 31, 1958 - All the things you are, Ornithology, Bluesy, Allen’s Alley [Wee] - Barry Harris (p) William Austin (b) Frank Gant (d)El pianista Barry Harris fue una de las figuras que mantuvieron vivo el lenguaje del bebop durante décadas. Nacido en Detroit, comenzó a tocar profesionalmente en los años cuarenta y se convirtió en una presencia importante de la escena local, tanto como músico como profesor. Fue pianista habitual del Blue Bird Inn, donde acompañó a muchos de los grandes jazzistas que pasaban por la ciudad. Su estilo estuvo profundamente ligado a Bud Powell, aunque también recibió la influencia de Thelonious Monk y, especialmente, de la música de Tadd Dameron.Para “Breakin’ It Up”, grabado en Chicago en 1958, su primer álbum como líder, Harris formó un trío con William Austin en contrabajo y Frank Gant en batería. El disco muestra a un pianista que ya había definido buena parte de su lenguaje. En su estilo, Harris evita adornos innecesarios y se concentra en la melodía, el ritmo y la improvisación. Su toque es ligero pero firme, y las líneas tienen la fluidez y claridad características del bebop.“Breakin’ It Up” es un excelente retrato del joven Barry Harris y del profundo vínculo que mantendría siempre con la tradición del bebop.STEVE TURRE SANYAS - LIVE “SMOKE JAZZ CLUB”, New York, c. 2023 - Sanyas, These foolish things - Nicholas Payton (tp) Steve Turre (tb) Ron Blake (saxes) Isaiah J. Thompson (p) Buster Williams (b) Lenny White (d)Steve Turre tenía poco más de veinte años cuando comenzó a hacerse conocer en el conjunto del trompetista Woody Shaw. En 1974 participó en “The Moontrane”, un disco fundamental de Shaw, que incluía “Sanyas”, una composición del propio Turre.Cincuenta años después, el trombonista vuelve a ese tema para abrir “Sanyas”, su primer disco en vivo como líder, grabado en el Smoke Jazz Club de Nueva York.Turre reunió para la ocasión una banda extraordinaria: Nicholas Payton en trompeta, Ron Blake en saxos, Isaiah J. Thompson en piano, Buster Williams en contrabajo y Lenny White en batería. Es un grupo con mucha experiencia, pero también con una energía que se siente desde los primeros minutos.El repertorio mezcla composiciones vinculadas a la historia de Turre. Turre se mantiene en el centro con su sonido fuerte y expresivo, sin necesidad de dominar la música. “Sanyas” mira hacia sus comienzos junto a Woody Shaw, pero suena como un disco hecho plenamente en el presente.Después de una trayectoria de mas de 5 décadas, “Sanyas” muestra a Steve Turre todavía profundamente ligado a sus raíces, pero tocando con la vitalidad y libertad de una banda plenamente contemporánea. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 14 de septiembre, 2026 15.09.2026 58分

  GREG ABATE IN THE MOMENT - c. 2025 - All or nothin’, Black Sea, In the moment - Greg Abate (as,ts,sop,fl) Bill O’Connell (p) Harvie S (b) Steve Johns (d)El saxofonista y flautista Greg Abate presenta en “In the Moment” composiciones de distintos períodos, algunos inspirados por recuerdos personales y familiares. Lo acompaña un cuarteto integrado por Bill O’Connell en piano, Harvie S en contrabajo y Steve Johns en batería.Varias temas nacieron durante la pandemia, entre ellas “All or Nothin’” y el tema que da título al álbum. Pero, pese a ese origen, la música está lejos de ser sombría. “In the Moment” muestra a Abate como un músico de sonido cálido y seguro, acompañado por un grupo que toca con naturalidad, experiencia y un fuerte sentido de conjunto.JOHN PATITUCCI TRIO IRMAOS DE FE - New York, September 8 & 9, 2016 - Samba do grande amor, Irmao de fe, Olha Maria, Sinha - Yotam Silberstein (g) John Patitucci (b,el-b) Rogerio Boccato (d,perc)El contrabajista John Patitucci junta al guitarrista Yotam Silberstein y al percusionista Rogério Boccato en “Irmãos de Fé”, un disco dedicado a la música brasileña, con composiciones de autores como Milton Nascimento, Antônio Carlos Jobim, Chico Buarque, Egberto Gismonti y João Bosco. Patitucci ha trabajado con Milton Nascimento, al igual que Boccato, y esa familiaridad se percibe en “Irmãos de Fé”, una de las dos composiciones de Nascimento incluidas en el álbum. En “Olha Maria”, de Jobim, Vinicius de Moraes y Chico Buarque, Patitucci interpreta la melodía con arco, acompañado por la guitarra de Silberstein y la sutil percusión de Boccato. Es una interpretación contenida, donde los tres músicos parecen escuchar tanto como tocar.El álbum concluye con “Sinhá”, de João Bosco y Chico Buarque, una composición que aborda la historia de la esclavitud en Brasil. A lo largo del disco, Patitucci, Silberstein y Boccato improvisan con libertad, pero sin imponerse sobre las canciones. Aquí, la técnica individual está siempre al servicio de la música.MATT WILSON QUARTET + JOHN MEDESKI GATHERING CALL - Maggie’s Farm, Pipersville, Bucks County, PA, January 29, 2013 - Get over, get off and get on, If I were a boy, Pumpkin’s delight - Kirk Knuffke (cnt) Jeff Lederer (sop,ts,cl) John Medeski (p) Chris Lightcap (b) Matt Wilson (d)El baterista Matt Wilson grabó “Gathering Call” con su cuarteto habitual y un invitado especial, el pianista John Medeski. Completan el grupo sus acompañantes habituales: Kirk Knuffke en corneta, Jeff Lederer en saxos y Chris Lightcap en contrabajo. Wilson aporta seis de las trece composiciones, pero una de las características más atractivas del disco es la variedad del repertorio. “Get Over, Get Off and Get On”, escrita por el pianista Hugh Lawson y grabada originalmente por Yusef Lateef a fines de los años sesenta, permite escuchar el lado más cercano al soul jazz del grupo y una destacada participación de Medeski.Duke Ellington aparece representado por dos piezas muy diferentes: “Main Stem”, procedente de su gran orquesta de comienzos de los años cuarenta, y la menos conocida “You Dirty Dog”, donde Lederer ocupa un lugar central con su saxo tenor. El grupo incluso transforma “If I Were a Boy”, popularizada por Beyoncé. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 11 de septiembre, 2026 12.09.2026 58分

  NASHEET WAITS BETWEEN NOTHINGNESS AND INFINITY - Solignac, France, May, 2016 - Story line, Between nothingness and infinity, Unity - Darius Jones (ts) Aruan Ortiz (p) Mark Helias (b) Nasheet Waits (d)Nasheet Waits es uno de los bateristas más destacados de su generación y un músico que ha llevado el papel de la batería mucho más allá del acompañamiento tradicional. Waits creó el grupo Equality en 2007, inicialmente con el saxofonista Logan Richardson, el pianista Jason Moran y el contrabajista Tarus Mateen, estos dos últimos compañeros suyos en The Bandwagon, el trío de Moran. Con el tiempo, el proyecto fue cambiando de integrantes, pero mantuvo la misma idea: reunir músicos capaces de moverse libremente entre estructuras definidas y espacios abiertos a la improvisación.En “Between Nothingness and Infinity”, grabado en Francia en mayo de 2016, Waits aparece con una formación especialmente interesante: Darius Jones en saxo alto, Aruán Ortiz en piano y Mark Helias en contrabajo.La batería de Waits no se limita a sostener el ritmo. Comenta, provoca y modifica continuamente la dirección de la música. Hay una clara conexión con la tradición, pero también una voluntad de llevarla hacia otros terrenos. Esa combinación entre pasado y presente ha sido una constante en toda su trayectoria.SULLIVAN FORTNER SOUTHERN NIGHTS, New York, July, 2023 - Southern nights, 9 bar tune, Tres palabras, Organ grinder - Sullivan Fortner (p,org,comp) Tyrone Allen, II (b) Kayvon Gordon (d,bata d)En julio de 2023, el pianista Sullivan Fortner realizó una residencia de una semana en el Village Vanguard de Nueva York junto al contrabajista Peter Washington y el baterista Marcus Gilmore. Ambos habían trabajado anteriormente con Fortner, pero nunca habían tocado juntos. La conexión fue inmediata y, antes de terminar la semana, el pianista decidió llevar el trío al estudio. El sábado, antes de la actuación nocturna en el Vanguard, grabaron estas sesiones en Sear Sound, en Manhattan.El espíritu de Nueva Orleans, ciudad natal de Fortner, está muy presente desde “Southern Nights”, composición de Allen Toussaint. La interpretación conserva algo del carácter relajado del original, pero pronto Washington y Gilmore impulsan la música hacia un terreno más jazzístico, con un ritmo flexible y referencias al *second line* de Nueva Orleans. En el piano de Fortner también se reconoce una tradición que pasa por Professor Longhair, Dr. John y James Booker.El ambiente cambia con “I Love You”, de Cole Porter. Fortner comienza solo, explorando la melodía con armonías inesperadas, antes de la entrada del contrabajo y la batería. A partir de allí, el trío muestra la complicidad que había surgido durante aquellas noches en el Village Vanguard.IMMANUEL WILKINS THE 7TH HAND - New York, c. 2021 - Emanation, Fugitive ritual, Shadow - Elena Pinderhughes (fl) Immanuel Wilkins (as) Micah Thomas (p) Daryl Johns (b) Kweku Sumbry (d) + Farafina Kan Percussion Ensemble : Kweku Sumbry, Agyei Keita Edwards (djembe) Adrian Somerville, Jr. (sangban) Jamal Dickerson (doundunba) Yao Akoto (kenkeni)El saxofonista Immanuel Wilkins llamó la atención con “Omega”, su primer álbum como líder, publicado en 2020. Allí presentó también el cuarteto que mantiene en “The 7th Hand”: Micah Thomas en piano, Daryl Johns en contrabajo y Kweku Sumbry en batería.Wilkins, nacido en Filadelfia y establecido en Nueva York, concibió “The 7th Hand” como una suite de siete movimientos que se suceden a lo largo de casi una hora. Cada uno puede escucharse como una pieza independiente, pero existen ideas musicales que reaparecen y establecen una continuidad entre ellas.El título alude a una pregunta que Wilkins se planteó al escribir esta música: hasta dónde puede llegar un grupo cuando los músicos dejan de intentar controlar cada detalle y permiten que la improvisación determine el rumbo.“Emanation” muestra muy bien esa idea. Wilkins presenta el tema con una sonoridad firme y expresiva, pero muy pronto la música se convierte en una conversación entre los cuatro integrantes. El pianista Micah Thomas adquiere particular protagonismo, mientras contrabajo y batería modifican continuamente el movimiento de la pieza. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 10 de septiembre, 2026 11.09.2026 58分

  CHRISTOPHER DAMMANN DEAD WORDS - Chicago, IL, June 24, 2025 - Montrose B, This is an unraveling - James Davis (tp,electronics) Jon Irabagon (stritch,effects) Jim Baker (p,synt) Christopher Dammann (b,comp) Mike Reed (d)El contrabajista y compositor Christopher Dammann, radicado en Chicago, tiene una discografía relativamente reducida como líder. En “Dead Words” presenta un quinteto notable, con Jon Irabagon en stritch -un instrumento de la familia del saxofón, popularizado por el multi-instrumentista Rahsaan Roland Kirk- James Davis en trompeta, Jim Baker en piano y sintetizador, y Mike Reed en batería. El repertorio incluye cinco “spirituals” que Dammann transforma y utiliza como punto de partida para la improvisación.“Montrose B” abre el disco con un lenguaje cercano al post bop. Después de una introducción del contrabajo, Irabagon y Davis presentan el tema y se suceden los solos, sostenidos por una sección rítmica flexible y muy activa. Irabagon aporta su sonido incisivo, mientras Baker y Davis ofrecen intervenciones más contenidas.El grupo se desplaza hacia terrenos más libres en “Untitled” y “Two Themes for Improvisation”. Allí cobra especial importancia el sintetizador ARP 2600 de Baker, que introduce sonidos electrónicos y texturas abstractas, mientras Dammann utiliza también el arco y Reed responde con gran atención a los cambios de dirección.“White Gladis”, inspirada por el contrabajista Paul Chambers, recupera un carácter más melódico y cercano al blues. “Dead Words” encuentra así un atractivo equilibrio entre composición e improvisación, entre el jazz de tradición post-bop y la larga historia experimental de Chicago.GARRY DIAL TRIO NEVER IS NOW - New York, December 3 4, 1984 & August 10 11, 1986 - I dig your do, The place for you is here, Patience, Never is now - Garry Dial (p) Jay Anderson (b) Joey Baron (d)El pianista Garry Dial comenzó a destacarse a fines de los años setenta como integrante del quinteto de Red Rodney e Ira Sullivan, un grupo que buscaba ampliar el lenguaje del bebop incorporando nuevas composiciones y formas más abiertas. Dial había estudiado en Berklee y, anteriormente, recibido importantes lecciones de Mary Lou Williams. Ya instalado en Nueva York, Dial trabajó con la familia de Duke Ellington revisando y grabando su archivo, antes de iniciar su asociación con Rodney y Sullivan.Never Is Now fue grabado durante ese período, aunque permaneció inédito hasta su publicación en 1991. Junto a Dial aparecen dos músicos que tendrían carreras muy destacadas: Jay Anderson en contrabajo y Joey Baron en batería.El repertorio está formado casi enteramente por composiciones de Dial —doce en total— más “Around the Block with Willy”, de Anderson. Es una buena muestra del pianista en una etapa relativamente temprana de su carrera. La música conserva una clara relación con el jazz moderno y el swing, pero evita caminos demasiado previsibles, tanto en las composiciones como en la interacción del trío. La grabación anticipa además algunos rasgos que Dial desarrollaría posteriormente junto al saxofonista Dick Oatts en “Dial & Oatts”: con sus composiciones elaborada y una libertad rítmica.OSSIE JOHNSON OSIE’S OASIS New York, February 1955: - Osie’s oasis (1), Cokernut tree - Abdul Salaam (tp) [ William “Chieftie” Scott (tp) ] Thad Jones (tp) Henry Coker (tb) Ernie Wilkins (as) Frank Wess (ts,fl) Charlie Fowlkes (bar) Wendell Marshall (b) Osie Johnson (d) - Catwalk - Thad Jones (tp) Bill Hughes (tb) Frank Wess (ts,fl) Dick Katz (p) Milt Hinton (b) Osie Johnson (d,vcl) - Blues for the camels - Benny Powell (tb) Frank Wess (ts,fl) Dick Katz (p) Eddie Jones (b) Osie Johnson (d)El baterista Osie Johnson participó en innumerables grabaciones durante los años cincuenta y sesenta, pero muy pocas veces tuvo la oportunidad de entrar al estudio como líder. “Osie’s Oasis” reúne dos sesiones realizadas en febrero de 1955 para el sello Period, cuando Johnson formaba parte de la orquesta de Count Basie.Buena parte de los músicos provenía precisamente de esa formación. Están Thad Jones en trompeta y Frank Wess en saxo tenor y flauta, pero uno de los atractivos del disco es escuchar con mayor espacio a instrumentistas que dentro de la gran orquesta tenían menos oportunidades como solistas. Entre ellos aparecen los saxofonistas Charlie Fowlkes y Ernie Wilkins y los trombonistas Henry Coker y Bill Hughes. El pianista Dick Katz es uno de los pocos músicos que no pertenecían entonces a la banda de Basie.Johnson compuso y arregló buena parte del repertorio y, aunque dirige la sesión desde la batería, reserva para sus compañeros la mayor parte de los solos. **Incluso canta en su composición “Don’t Bug Me, Hug Me”.“Osie’s Oasis” conserva mucho del espíritu de Basie: swing, precisión y una aparente facilidad para hacer que todo fluya. Pero en un conjunto más pequeño permite apreciar individualmente a músicos que habitualmente escuchamos formando parte de una de las grandes orquestas del jazz. This is a public episode. 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  Puro Jazz 09 de septiembre, 2026 10.09.2026 58分

  SARAH HANAHAN AMONG GIANTS - New York, June 8 & 9, 2023 - Resonance, On the trail - Sarah Hanahan (as) Marc Cary (p) Nat Reeves (b) Jeff “Tain” Watts (d) Bobby Allende (perc1)Sarah Hanahan, la saxofonista alto y compositora, pertenece a una nueva generación de músicos estrechamente vinculados con la tradición del bebop. Aunque inicialmente se acercó a la música a través de la batería —instrumento que tocaba su padre—, lleva casi dos décadas dedicada al saxofón.Un momento decisivo llegó alrededor de los 16 años, cuando descubrió la música de Jackie McLean. Utilizando un libro de transcripciones de sus solos, aprendió nota por nota el de “Bird Lives”. Ese interés tendría consecuencias importantes: años después ingresó al Jackie McLean Institute of Jazz de la Hartt School of Music, en Connecticut, donde estudió dentro de la tradición que había despertado su vocación.Su álbum debut, Among Giants, refleja claramente esa formación. Hanahan se presenta acompañada por tres músicos de enorme experiencia: Marc Cary en piano, Nat Reeves en contrabajo y Jeff “Tain” Watts en batería. Más que simples acompañantes, forman un poderoso trío rítmico frente al cual la joven saxofonista debe afirmar su propia personalidad.Ese equilibrio entre tradición y búsqueda personal es precisamente el centro del disco. Hanahan reconoce abiertamente su deuda con el bebop y con sus maestros, pero no pretende reproducir el pasado. Among Giants plantea más bien una continuidad: aprender ese lenguaje, hacerlo propio y encontrar desde allí una voz que pueda aportar algo nuevo.LINDA MAY HAN OH/MELISSA ALDANA BENEATH LIFTED SKIES - Acton, MA, February 4 & 5, 2026 - Duke Ellington’s sound of love, The sorcerer, Dance cadaverous, I’ll be seeing you, Shoulder to shoulder - Melissa Aldana (ts) Linda May Han Oh (b)La contrabajista Linda May Han Oh y la saxofonista tenor Melissa Aldana se reúnen en Beneath Lifted Skies, un álbum en dúo publicado en agosto de 2026. Es un formato exigente: sin piano ni batería, las dos deben encargarse prácticamente de todo —melodía, armonía, ritmo y, sobre todo, del diálogo que mantiene viva la música.El repertorio incluye principalmente estándares y temas vinculados al bebop, junto con algunas composiciones originales e improvisaciones. Pero Oh y Aldana no utilizan ese material para recrear el jazz de otra época. Las melodías conocidas funcionan como puntos de partida que pueden conservarse, fragmentarse o abrirse hacia terrenos más libres.La combinación resulta especialmente atractiva por el contraste entre los instrumentos. El contrabajo de Han Oh puede establecer el pulso y sostener la armonía, pero también asumir un papel melódico y responder directamente al saxo. Aldana, por su parte, aprovecha el espacio disponible para desarrollar sus líneas sin las restricciones de una sección rítmica convencional.Ambas conocen profundamente la tradición del jazz, aunque llegaron a ella desde lugares muy distintos: Han Oh nació en Malasia y creció en Australia; Aldana nació en Santiago de Chile. Beneath Lifted Skies muestra cómo esa tradición puede servir no como un conjunto de reglas, sino como un lenguaje común desde el cual dos músicos pueden conversar con absoluta libertad.THE BILL HOLMAN BAND A VIEW FROM THE SIDE - Hollywood, CA, April 24 & 25, 1995 - I didn’t ask (1), Petaluma Lu (1), The peacocks - Carl Saunders, Frank Szabo, Ron Stout, Bob Summers (tp,flhrn) Jack Redmond, Andy Martin (tb) Bob Enevoldsen (vtb) Kenny Shroyer (btb) Lanny Morgan (as,fl) Bill Perkins (as,sop,fl) Pete Christlieb (ts,fl) Ray Herrmann (ts,sop) Bob Efford (bar,bcl) Rich Eames (p) Doug MacDonald (elg1) Dave Carpenter (b) Bob Leatherbarrow (d) Bill Holman (arr,ldr)Bill Holman fue uno de los grandes arreglistas del jazz moderno y una figura especialmente importante en la historia de las grandes orquestas de la Costa Oeste. Se dio a conocer durante los años cincuenta escribiendo para Stan Kenton, contribuyendo decisivamente a transformar el sonido de su orquesta. Aunque era también un excelente saxofonista tenor, desarrolló una personalidad inconfundible como compositor y arreglista.A lo largo de su carrera escribió para músicos y orquestas tan diferentes como Woody Herman, Count Basie, Gerry Mulligan, Maynard Ferguson y Buddy Rich. Durante los años sesenta trabajó intensamente en los estudios de Los Ángeles, pero nunca abandonó la escritura para big band. Su propia orquesta continuó ensayando regularmente y presentándose ocasionalmente en el área de Los Ángeles. Holman permaneció activo hasta poco antes de su muerte, en 2024.A View from the Side, grabado con su orquesta de mediados de los noventa, reúne a destacados músicos de la escena angelina. Los arreglos pueden ser densos y complejos, pero conservan siempre el impulso rítmico y el swing. Una característica fundamental de Holman es que sus piezas evolucionan continuamente: las ideas aparecen, se modifican y conducen a otras nuevas, en lugar de limitarse a repetir una estructura.Temas como “No Joy in Mudville”, con Pete Christlieb en saxo tenor y Bob Efford en clarinete bajo, muestran esa combinación de precisión, riqueza orquestal y energía que distingue la escritura de Bill Holman.Instalado durante décadas en Los Ángeles, Holman formó parte de una extraordinaria comunidad de músicos vinculados tanto al jazz como al trabajo de estudio, y mantuvo allí su propia big band hasta sus últimos años.Durante muchos años con cierta frecuencia se comentó que músicos establecidos en la Costa Oeste no habían recibido el reconocimiento que merecían, en parte por encontrarse alejados de Nueva York, supuesto centro de la actividad y la cultura jazzística. Quizás esa percepción tuvo alguna validez en determinados momentos, pero no describía lo que vi en julio del 2019 en el Kirk Douglas Theater aquí en Los Angeles.Holman subió al escenario frente a una sala llena para dirigir su excelente big band y escuchar en vivo sus arreglos. Grabé en video uno de los temas completos de aquella actuación, lo compartiré en rbarahona.substack.com. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 08 de septiembre, 2026 09.09.2026 58分

  BENNY GOODMAN & PEGGY LEEA mediados de 1941, Benny Goodman incorporó a su orquesta a Peggy Lee, una cantante prácticamente desconocida. Tenía 21 años cuando reemplazó a Helen Forrest, cantante de tres de las grandes bandas más populares de la Era del Swing, además de Goodman, Artie Shaw y Harry James), ganándose así una reputación como “la voz de las bandas de nombre”. Lee no tenía una voz potente ni espectacular, pero justamente allí estaba su atractivo: cantaba con naturalidad, control y una intimidad poco habitual entre las vocalistas de las grandes bandas.Las grabaciones de noviembre y diciembre de 1941 muestran cómo esa personalidad comienza a definirse. Goodman le ofrece un marco particularmente favorable, con una excelente orquesta y sus excelentes arreglos. En “Somebody Else Is Taking My Place”, “How Long Has This Been Going On?” o “Not Mine”, su fraseo es relajado, las palabras parecen surgir de una conversación y, aun frente a toda una big band, conserva una notable sensación de cercanía.La sesión del 24 de diciembre resulta especialmente interesante porque reduce el conjunto y deja todavía más espacio a la cantante. En “Blues in the Night”, “Where or When” y “On the Sunny Side of the Street”, la voz puede integrarse a un ambiente más íntimo, casi de pequeño grupo.Peggy Lee permanecería con Goodman hasta 1943. Fue una etapa relativamente breve, pero decisiva: fue cuando comenzó a desarrollarse la cantante sutil, económica y extraordinariamente personal que pronto se convertiría en una de las voces más reconocibles de la música popular estado-unidense.BENNY GOODMAN BAND W/ PEGGY LEE - Benny Goodman And His Orchestra / sextet - New York, November 13, 1941 - Somebody else is taking my place (pl vcl,mp arr) - Billy Butterfield, Jimmy Maxwell, Al “Slim” Davis (tp) Lou McGarity, Cutty Cutshall (tb) Benny Goodman (cl) Julie Schwartz, Clint Neagley (as) Vido Musso, George Berg (ts) Chuck Gentry (bar) Mel Powell (p,arr) Tom Morgan (g) Sid Weiss (b) Ralph Collier (d) Peggy Lee (vcl) - New York, November 27, 1941 - Winter weather, Ev’rything I love, Not mine - Joe Ferrante o Bernie Privin (tp) Sol Kane (as) replace Billy Butterfield, Julie Schwartz, Art Lund (vcl) added, [aka Art London (vcl) - New York, December 24, 1941 - Blues in the night (pl,lm vcl,1), On the sunny side of the street (pl vcl) - Benny Goodman (cl) Lou McGarity (tb,vcl) Cutty Cutshall (tb-1) Mel Powell (p,celeste-2) Tom Morgan (g) Sid Weiss (b) Ralph Collier (d) Peggy Lee (vcl)GENE KRUPA EN HOLLYWOOD, 1946El baterista y director de orquesta Gene Krupa, había alcanzado enorme popularidad como baterista de Benny Goodman antes de formar su propia orquesta. Su espectacularidad seguía siendo parte importante de su personalidad, pero estas grabaciones permiten escuchar algo más: un director atento a los nuevos sonidos que comenzaban a abrirse paso dentro de las grandes bandas.En 1946 llevó su orquesta a los estudios de Capitol en Hollywood para una serie de grabaciones que muestran a una big band en plena transición. Krupa seguía siendo una de las grandes figuras surgidas de la era del swing, pero su orquesta ya comenzaba a incorporar algunos de los cambios que estaban transformando al jazz de posguerra.La banda tenía excelentes solistas. Charlie Ventura ocupaba uno de los puestos de saxo tenor, mientras el joven Red Rodney formaba parte de la sección de trompetas. Junto a ellos aparece un nombre particularmente interesante: Gerry Mulligan, entonces con apenas 18 años, entre los arreglistas. Estas sesiones conservan el impulso y la claridad rítmica del swing, pero deja entrar armonías, arreglos y voces instrumentales más modernas. En 1946 la era de las grandes orquestas todavía estaba viva, aunque el jazz ya comenzaba a mirar en otra dirección.THE GENE KRUPA ORCHESTRA CAPITOL TRANSCRIPTION SESSION, Hollywood, CA, April 1,2, 1946 - I’ll never be the same, Lover, Some day soon, And then I looked at you (bs vcl), Porter stomp, Blue Lou - Red Rodney, Joe Triscari, Ray Triscari, Jimmy Milazzo (tp) Bob Ascher, Dick Taylor, Nick Gaglio, Tasso Harris (tb) Harry Terrill, Charlie Kennedy (as) Charlie Ventura, Buddy Wise (ts) Joe Koch (bar) Teddy Napoleon (p) Mike Triscari (g) Irving Lang (b) Gene Krupa, Joe Dale (d) Carolyn Grey, Buddy Stewart (vcl) Gerry Mulligan, George Williams, Eddie Finckel, Budd Johnson, Ray “Remo” Biondi (arr)WOODY HERMAN - FIRST HERDEntre 1936 y 1944, la orquesta de Woody Herman fue una banda difícil de encasillar. Conocida inicialmente como “The Band That Plays the Blues”, interpretaba también baladas, música de baile e instrumentales cercanos al dixieland. Esa variedad le daba amplitud, aunque al mismo tiempo impedía que desarrollara una identidad musical claramente definida.El cambio hacia la orquesta que sorprendería al mundo del jazz en 1945 —el célebre “First Herd”— fue gradual. Ya en 1941 algunas grabaciones mostraban una banda capaz de competir, en energía y swing, con las mejores orquestas de Benny Goodman, Artie Shaw o Charlie Barnet.La transformación se aceleró entre 1943 y 1944 con la llegada de músicos decisivos. El baterista Dave Tough fortaleció la sección rítmica; Bill Harris y Flip Phillips, trombón y saxo tenor, aportaron dos voces solistas de enorme personalidad, mientras los arreglos de Ralph Burns y Neal Hefti acercaron decididamente la banda al nuevo lenguaje del bebop.También fue fundamental el contrabajista Chubby Jackson, menos por su virtuosismo que por su extraordinaria energía y capacidad para impulsar al conjunto. “Apple Honey”, “Caldonia” y “Northwest Passage” muestran finalmente una orquesta con sonido propio: poderosa, moderna y extraordinariamente excitante.WOODY HERMAN AND HIS ORCHESTRA “THE THUNDERING HERDS” - New York, February. March & August 19, 1945 - Apple honey, Caldonia, Goosey gander, Northwest passage, Bijou - Sonny Berman, Charles Frankhauser, Ray Wetzel, Pete Candoli, Carl Warwick (tp) Ralph Pfeffner, Bill Harris, Ed Kiefer (tb) Woody Herman (cl,as,vcl) Sam Marowitz, John LaPorta (cl,as) Flip Phillips, Pete Mondello (ts) Skippy DeSair (bar) Marjorie Hyams (vibes) Ralph Burns (p,arr) Billy Bauer (g) Chubby Jackson (b) Dave Tough (d) Frances Wayne (vcl) Roger Segure, Jiggs Noble, Neal Hefti (arr) This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 07 de septiembre, 2026 08.09.2026 59分

  La vida de Bud Powell es una de las historias sobresalientes y también más dolorosas del jazz. Su importancia no reside solamente en su virtuosismo: Powell estableció buena parte del lenguaje con que el bebop llegaría a tocarse en el piano.Nacido Earl Rudolph Powell en Harlem, en 1924, comenzó a estudiar piano clásico desde niño. Art Tatum fue una influencia temprana, pero la figura decisiva fue Thelonious Monk, quien lo alentó, lo acercó a los músicos que estaban desarrollando el bebop y más tarde escribió “In Walked Bud” en su honor.Powell transformó profundamente el papel del piano en el jazz moderno. Liberó la mano izquierda de los patrones regulares del stride, utilizándola de manera más selectiva para acordes y acentos rítmicos, mientras la derecha podía moverse con la velocidad y libertad melódica asociadas a Charlie Parker. Así demostró que el complejo lenguaje del bebop podía pertenecer al piano con la misma naturalidad que a los instrumentos de viento.BUD POWELL Y COOTIE WILLIAMS ORCHESTRA Su primera experiencia profesional importante llegó en 1943, con la orquesta de Cootie Williams. Dos años después, Powell fue golpeado por policías ferroviarios tras un incidente en Filadelfia. La relación exacta entre aquella agresión y sus posteriores problemas psiquiátricos sigue siendo incierta. Sorprendentemente, en medio de estas dificultades produjo parte de su mejor música. Su período más extraordinario se extiende aproximadamente entre 1947 y 1953.Es una grabación muy útil para mostrar a “Bud Powell antes de convertirse plenamente en la figura fundamental del piano bebop”. Su participación es relativamente discreta, pero la grabación tiene un importante valor histórico: permite escucharlo al comienzo de su carrera profesional, integrado a una orquesta popular, mientras en Nueva York comenzaba a tomar forma el nuevo lenguaje del bebop que muy pronto lo tendría como uno de sus protagonistas fundamentales.BUD POWELL Y COOTIE WILLIAMS ORCHESTRA “ECHOES OF HARLEM”, New York, January 4, 1944 - Floogie boo (cw,ecv vcl) - Cootie Williams (tp,vcl) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Eddie “Lockjaw” Davis (ts) Bud Powell (p) Norman Keenan (b) Sylvester “Vess” Payne (d)-------------------THE BUD POWELL TRIO“Tempus Fugit” and “Celia,” son dos de muchas excelentes composiciones de Powell, estas se grabaron con Ray Brown y Max Roach en 1949.Lo que es notable de las sesiones del sello Clef, es que gran parte del enfoque único de Powell se expresa decisivamente en esas piezas; gran parte del piano moderno, tal como ha evolucionado en los últimos setenta y cinco años, proviene de ellas. Cada selección es magistral y de una manera diferente y da testimonio de la originalidad de Powell como compositor y pianista. En su economía y poder de late, así como en su impecable articulación, el “Tempus Fugit” de 155 segundos (también conocido como “Tempus Fuguit”) representa un punto de demarcación para el piano de jazz y para el jazz en sí.THE BUD POWELL TRIO New York, February 23, 1949 - Tempus Fugit, Celia - Bud Powell (p) Ray Brown (b) Max Roach (d)-----------------------BUD POWELL’S MODERNISTSEn agosto de 1949, Bud Powell reunió para Blue Note un quinteto extraordinario bajo el nombre de “Bud Powell’s Modernists”. Lo acompañan Fats Navarro en trompeta, un jovencísimo Sonny Rollins en saxo tenor, Tommy Potter en contrabajo y Roy Haynes en batería.De esas sesiones surgieron varias composiciones de Powell que se convertirían en clásicos del bebop, entre ellas “Bouncing with Bud”, “Wail” y “Dance of the Infidels”. Son grabaciones que permiten apreciar no solamente al formidable pianista, sino también a un compositor que ya dominaba plenamente el nuevo lenguaje y sabía cómo escribir para un pequeño conjunto.Dos años después encontramos a Powell completamente solo en “Parisian Thoroughfare”. Es una pieza breve, rápida y llena de movimiento, inspirada en el ambiente de París, una ciudad que ya ejercía una fuerte atracción sobre los músicos de jazz estadounidenses. Con el tiempo se convertiría en una de las composiciones más conocidas y características de Bud Powell.BUD POWELL BUD POWELL’S MODERNISTS - New York, August 8, 1949 - Bouncing with Bud, Wail, Dance of the Infidels - Fats Navarro (tp) Sonny Rollins (ts) Bud Powell (p) Tommy Potter (b) Roy Haynes (d)-------------------THE BUD POWELL TRIO La sesión del 1 de mayo de 1951, con Curly Russell en contrabajo y Max Roach en batería, produjo una de las composiciones más extraordinarias de Powell: ““Un Poco Loco””. La pieza incorpora un aire afrocubano, pero lo lleva a un terreno muy personal, con una estructura rítmica insistente sobre la cual Powell construye líneas angulares, desplazamientos y acentos inesperados.Las tres tomas muestran muy bien algo esencial en Powell: una composición podía ser al mismo tiempo una estructura cuidadosamente concebida y un punto de partida para la invención espontánea. THE BUD POWELL TRIO - New York, May 1, 1951 - Un poco loco - Bud Powell (p) Curly Russell (b) Max Roach (d)------------------------------“INNER FIRES: THE GENIUS OF BUD POWELL” Recoge una actuación del 5 de abril de 1953 en el Club Kavakos de Washington D.C.”, con Charles Mingus en contrabajo y Roy Haynes en batería. La grabación tiene especial interés porque permite escuchar a Powell fuera del ambiente controlado del estudio, frente al público y con una sección rítmica de enorme personalidad. “Inner Fires permite escuchar de cerca la intensidad, imaginación y espontaneidad que Bud Powell podía alcanzar en una noche de club”, y recuerda que su música adquiría una dimensión diferente cuando tenía libertad para extenderse frente a una audiencia.BUD POWELL TRIO INNER FIRES - THE GENIUS OF BUD POWELL - Live “Club Kavakos”, Washington, D.C., April 5, 1953 Song song song Bud Powell (p) Charles Mingus (b) Roy Haynes (d)------------------BUD POWELL TRIO CONCERT “MASSEY HALL”, Jazz at Massey Hall, grabado en Toronto el 15 de mayo de 1953, reunió a cinco figuras fundamentales del bebop: Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Charles Mingus y Max Roach. Pero además de la célebre actuación del quinteto, el concierto reservó un espacio importante para Powell al frente de su propio trío. Acompañado por Mingus y Roach, Powell se encontraba esa noche en excelente forma. Su interpretación es enérgica, clara y muy concentrada, con esa combinación de velocidad, precisión y sentido rítmico que había convertido su manera de tocar en una referencia para toda una generación de pianistas. Mingus y Roach, dos músicos de enorme personalidad, responden constantemente a sus ideas y le dan al trío una gran libertad.El repertorio combina standards con composiciones de Powell y permite escucharlo más allá del contexto del famoso encuentro entre Parker y Gillespie. Este segmento de Jazz at Massey Hall merece ser considerado por sí mismo: es un excelente retrato de Bud Powell y de su extraordinario dominio del formato de trío.BUD POWELL TRIO CONCERT “MASSEY HALL”, Toronto, Canada, May 15, 1953 Song song song Bud Powell (p) Charles Mingus (b) Max Roach (d)----------------------------------TRIO AT BIRDLAND “GLASS ENCLOSURE”“Glass Enclosure”, grabada en 1953 con George Duvivier en contrabajo y Art Taylor en batería, es una de las composiciones más singulares de Bud Powell. A diferencia de muchas piezas de bebop, aquí no encontramos un tema seguido por una serie de improvisaciones.En poco más de dos minutos, la música pasa por varias secciones de carácter muy diferente. Hay momentos tensos e inquietos que repentinamente dan paso a otros más tranquilos y reflexivos, antes de volver nuevamente a esa sensación de inestabilidad. Duvivier y Taylor tampoco funcionan solamente como acompañantes: forman parte de esos continuos cambios de ambiente.“Glass Enclosure” muestra una faceta de Powell que a veces queda en segundo plano frente a su extraordinaria capacidad como pianista. Aquí sobresale especialmente el compositor, capaz de construir una pieza breve pero llena de contrastes, cambios inesperados y una permanente sensación de tensión. El título invita a relacionarla con las difíciles circunstancias de su vida, aunque no necesitamos convertirla en una descripción autobiográfica para apreciar la fuerza de la música.BUD POWELL TRIO BROADCAST “BIRDLAND”, New York, September 5, 1953 Glass Enclosure Bud Powell (p) George Duvivier (b) Art Taylor (d)V------------------------A PORTRAIT OF THELONIOUSEn 1959 Bud Powell se instaló en París, donde encontró un ambiente más acogedor y comenzó a trabajar regularmente con dos excelentes músicos: el contrabajista francés Pierre Michelot y el baterista estadounidense Kenny Clarke. El trío llegó a ser anunciado como ““The Three Bosses””.Con ellos grabó en diciembre de 1961 A Portrait of Thelonious, un homenaje a Thelonious Monk, figura fundamental en la vida de Powell. Monk lo había apoyado desde muy joven, lo acercó a los músicos que estaban creando el bebop y mantuvo con él una relación de amistad y admiración mutua.Lo interesante del disco es que Powell no intenta tocar como Monk. Toma composiciones como “Ruby, My Dear”, “Off Minor” y “Monk’s Mood” y las lleva a su propio terreno. Las melodías y armonías tan características de Monk permanecen claramente reconocibles, pero Powell les imprime la fluidez, el impulso rítmico y las largas líneas melódicas propias de su manera de tocar.De alguna manera, A Portrait of Thelonious completa un círculo: aquel músico que había ayudado al joven Powell aparece ahora homenajeado por un pianista que ya había dejado su propia huella profunda en la historia del jazz.BUD POWELL TRIO A PORTRAIT OF THELONIOUS - Paris, France, December 17, 1961 - Off minor - Bud Powell (p) Pierre Michelot (b) Kenny Clarke (d)La vida de Bud Powell estuvo marcada por enormes dificultades, pero su lugar en la historia del jazz no depende de ellas. Lo verdaderamente importante es la música que dejó y la transformación que produjo en la manera de tocar el piano.Powell encontró una forma de trasladar al teclado la libertad melódica, la velocidad y la complejidad rítmica del bebop, y con ello abrió un camino que seguirían prácticamente todos los pianistas modernos. Desde los años cuarenta, su influencia puede escucharse en generaciones muy distintas, incluso entre músicos que desarrollaron lenguajes bastante alejados del suyo.Pero Powell fue mucho más que un virtuoso o un modelo para otros pianistas. Fue también un compositor original y un improvisador capaz de combinar una enorme intensidad con momentos de sorprendente delicadeza.Bud Powell no solamente fue uno de los grandes pianistas del bebop. Ayudó a definir lo que podía ser el piano en el jazz moderno. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 04 e septiembre, 2026 05.09.2026 58分

  FAB TRIO TRANSFORMING THE SPACE - Rossie, NY, February 17 & 18, 2003 - Tales from da Bronx, Be out s’cool - Billy Bang (vln) Joe Fonda (b) Barry Altschul (d)“Transforming the Space” —Transformando el espacio— reúne a tres músicos de larga trayectoria en el jazz de vanguardia: el violinista Billy Bang, el contrabajista Joe Fonda y el baterista Barry Altschul. Grabado en febrero de 2003 para el sello CIMP, en Rossie, Nueva York, el disco presenta una formación poco habitual: violín, contrabajo y batería, sin piano ni instrumentos de viento, lo que deja mucho espacio para que los tres músicos interactúen.Cada uno aporta una personalidad muy definida. Billy Bang desarrolló un sonido inconfundible en el violín, lleno de energía, lirismo y con una fuerte conexión con el blues. Joe Fonda no se limita a sostener la música desde el contrabajo, sino que participa constantemente en la conversación. Y Barry Altschul, veterano de los grupos de Paul Bley, Anthony Braxton y Sam Rivers, utiliza la batería para impulsar la música, pero también para darle color y crear distintos ambientes.El resultado es una música libre, pero siempre atenta al trabajo de conjunto. Hay momentos de gran intensidad y otros más tranquilos, en los que los músicos se dan tiempo para escucharse y responder. El título, “Transforming the Space”, resulta muy apropiado: aquí, lo que ocurre entre una nota y otra es casi tan importante como las notas mismas.CHARLES TYLER VOYAGE FROM JERICHO - New York, July, 1974 - Voyage from Jericho (1), Return to the East - Earl Cross (tp) Charles Tyler (as,bar) Arthur Blythe (as-1) Ronnie Boykins (b) Steve Reid (d)El saxofonista Charles Tyler inició su carrera a mediados de los años sesenta jnto a Albert Ayler, participando en sus importantes grabaciones *Bells* y *Spirits*. Poco después inició su carrera como líder grabando *Charles Tyler Ensemble* y *Eastern Man Alone*, dos discos que mostraban una voz propia dentro del free jazz, aunque su obra quedó algo eclipsada por figuras como el propio Ayler y Ornette Coleman.En 1974 Tyler publicó *Voyage from Jericho* en su pequeño sello AK-BA Records, la limitada distribución impidió que el álbum tuviera mayor difusión, pero con el tiempo ha llegado a ser considerado uno de sus trabajos fundamentales. Aquí Tyler toca saxos alto y barítono y es acompañado por el trompetista Earl Cross, el contrabajista Ronnie Boykins, el baterista Steve Reid y, en dos temas, el saxofonista Arthur Blythe.La pieza que da título al álbum comienza con un tema de aire marcial y rápidamente aumenta la intensidad. El poderoso barítono de Tyler contrasta con el sonido más cortante y vibrante de Blythe. En “Return to the East”, Tyler vuelve al alto y aparece con un sonido más ligero y delicado. En todo el disco se percibe además su interés por sonoridades de inspiración oriental, dentro de una música libre, intensa y muy personal.EVAN PARKER & MATTHEW SHIPP REX, WRECKS & XXX, London October 22, 2013 - Rex 2, 3, Wrecks 2, Rex 6 - Evan Parker (st) Matthew Shipp (p)“Rex, Wrecks & XXX”, grabado en Londres en 2012, reúne al saxofonista británico Evan Parker y al pianista estadounidense Matthew Shipp, dos músicos con una larga experiencia en el terreno de la improvisación. Vienen de ambientes musicales bastante diferentes, y quizás por eso resulta tan interesante escucharlos juntos.El disco combina una sesión de estudio, con piezas relativamente breves, y una larga improvisación en vivo grabada en el Vortex de Londres. En ambos casos, lo más interesante es escuchar cómo Parker y Shipp reaccionan a lo que hace el otro. Aquí no hay realmente un solista y un acompañante: cualquiera de los dos puede proponer una idea y el otro recogerla, modificarla o llevarla en otra dirección.Shipp cambia constantemente de carácter, pasando de acordes fuertes y densos a líneas rápidas o momentos mucho más tranquilos. Parker responde con su lenguaje tan personal en el saxofón tenor, a veces entrecortado e imprevisible, pero también capaz de producir momentos de sorprendente calidez.En la improvisación en vivo disponen de más tiempo para desarrollar sus ideas. Hay momentos tranquilos y otros de gran intensidad, pero la música mantiene siempre el sentido de una conversación. En el fondo, eso es lo que escuchamos: dos músicos atentos el uno al otro, creando la música a medida que avanza. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com