Prohibido contar ovejas

Epizodai

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  Vodevil ovejil: Así nació el logotipo de The Beatles 02.10.2026 13min

  Un acuerdo por una batería Ludwig en 1963 propició la creación del famoso sello gráfico del cuarteto de Liverpool por apenas cinco libras. En esta nueva entrega de los espacios culturales de esRadio, los presentadores nos proponen un viaje en el tiempo para descubrir los entresijos de uno de los símbolos más icónicos de la historia de la música contemporánea: el logotipo de la célebre banda británica The Beatles. A través de una amena recreación dramatizada, el programa nos traslada al vibrante Londres de la década de los sesenta para desvelar cómo un encuentro fortuito en una tienda de música cambió para siempre la identidad visual del grupo de Liverpool. La acción nos sitúa concretamente en el mes de abril de 1963, un periodo en el que la joven formación musical comenzaba a saborear las mieles del éxito tras el arrollador impacto de su sencillo Please Please Me. Con la necesidad de renovar su equipo de cara a los exigentes compromisos que se avecinaban, el representante del grupo, Brian Epstein, acompañado por el carismático batería Ringo Starr, decidió visitar el popular establecimiento de instrumentos musicales Drum City, ubicado en la conocida calle Shaftesbury Avenue. El dueño del comercio, Ivor Arbiter, un especialista en percusión que había inaugurado su tienda a finales de los años cincuenta, recibió a los clientes sin imaginar que estaba a punto de participar en un hito histórico. Ringo Starr quedó de inmediato prendado de una batería de la marca Ludwig, modelo Downbeat, que destacaba por un elegante acabado en color perla oscuro. El precio del instrumento ascendía a la considerable cifra de 238 libras, lo que dio pie a una singular negociación económica liderada por el astuto mánager de la banda. Haciendo gala de su gran visión comercial, Brian Epstein argumentó que la popularidad de The Beatles estaba creciendo de forma desmesurada y que la exposición de la marca en sus actuaciones supondría una campaña de publicidad incalculable para el negocio. Aunque Arbiter se negó en redondo a regalar el instrumento de forma gratuita, propuso un ventajoso intercambio: se quedaría con la vieja batería Premier de Ringo como parte del pago, siempre y cuando el logotipo de la marca Ludwig permaneciera intacto y bien visible en el bombo de la nueva adquisición. Epstein aceptó de buen grado el trato, pero añadió una condición indispensable: el nombre del grupo también debía figurar de forma prominente en el parche del tambor principal. En aquel momento, la banda carecía de una seña de identidad gráfica definida, más allá de unos sencillos esbozos amateur realizados previamente por Paul McCartney. Por la módica cantidad de cinco libras, Arbiter se comprometió a diseñar un logotipo exclusivo que cumpliera con las expectativas del mánager, quien insistió especialmente en que se resaltara la palabra beat para hacer un juego de palabras con el ritmo musical. Fue así como nació el famoso diseño de la tipografía con la letra B sobredimensionada y la letra T alargada hacia abajo, conocido mundialmente como el estilo drop-T. El rótulo original fue plasmado a mano por el artista local Eddie Stokes en el bombo de la batería de Ringo Starr, debutando oficialmente en los escenarios poco después. A lo largo de la trayectoria en activo de la formación hasta su separación definitiva en el año 1970, el parche del bombo lució hasta siete variaciones diferentes de este diseño, adaptándose a las diferentes giras y necesidades de la banda. No fue hasta el año 1994, coincidiendo con el lanzamiento del recopilatorio Past Masters, cuando la compañía discográfica de la banda, Apple Corps, decidió unificar todas las versiones existentes en un único diseño definitivo, que es el que actualmente reconoce todo el mundo. De regreso al estudio de esRadio, los locutores comentaron con humor los detalles de esta dramatización histórica, alabando el excelente trabajo del equipo de actores de doblaje y compartiendo anécdotas sobre otras colaboraciones en las que la música y el entretenimiento se dan la mano.
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  Prohibido Contar Ovejas: Australia, Patria Querida 02.10.2026 1val 38min

  Música alternativa, teatro comprometido contra el suicidio y una recreación sobre The Beatles marcan la última entrega del espacio de esRadio. Una nueva entrega del espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas en esRadio, conducido por Felipe Couselo acompañado por su equipo habitual de colaboradores, arrancó con el particular tono desenfadado que caracteriza al programa, repasando anécdotas culturales, cinematográficas y del mundo del cómic. En esta ocasión, los contertulios bromearon sobre la ausencia de Juanma González y debatieron acerca de adaptaciones emblemáticas como las obras de Alan Moore, recordando películas de culto como Sin City o la controvertida traslación a la pantalla de Watchmen. En el apartado de novedades musicales alternativas, el espacio dedicó tiempo a descubrir y analizar proyectos internacionales y emergentes. Se destacó la propuesta descarnada y fronteriza de artistas como la australiana Spike Fuck y el dúo suizo-ecuatoriano Hermanos Gutiérrez, célebres por su atmósfera de western instrumental andino reflejada en su reciente producción Los Ojos del Cóndor. Asimismo, se presentó a la enérgica banda británica Adult DVD, exponente del llamado dance-punk, lo que derivó en una divertida apuesta entre los colaboradores sobre las cifras de reproducciones del grupo en plataformas digitales, aderezada con promesas culinarias de torreznos y focaccia. El repaso sonoro continuó con el contundente rock tejano de Blacktop Mojo y con la música electrónica de club y sintetizador. En este ámbito brillaron los sonidos del proyecto francés General Elektriks y la utilización del mítico sintetizador de bajos Roland TB-303 en la colaboración entre Axel Boman y Superpitcher. Además, hubo hueco para la producción interna con el nuevo tema del grupo Sweet Mapache, proyecto liderado por Víctor Hernández, técnico de sonido de la casa, que presentó su bailable sencillo Tus Iniciales. Por su parte, Alma Espinosa acercó la recomendación teatral de la semana poniendo el foco en la obra Ayer intenté suicidarme, una producción escrita por Diego Da Costa y Julio Viñuela que se representa en la sala Bululú de Madrid. El montaje aborda con sensibilidad y valentía el drama del suicidio, una realidad frecuentemente silenciada en el debate social. A través de cuatro monólogos entrelazados correspondientes a la víctima, su pareja, un familiar y una perspectiva comunitaria, la obra busca romper estigmas y servir como ejercicio de catarsis y reflexión sobre la salud mental. En el tramo central de la emisión, el programa conectó con David Salamanca, organizador del Galán Fest de Pedrajas de San Esteban (Valladolid), que celebra su décimo aniversario. Junto al periodista Roberto Martínez, repasaron el cartel del festival, que reúne a formaciones como Monóxido, Saragüe 84 o The Fix Trío, e hicieron un sentido homenaje a la memoria de Moll, histórico técnico de sonido y pieza indispensable en la trayectoria del certamen, recientemente fallecido. Para concluir la noche, el programa emitió una divertida dramatización radiofónica titulada Vaudeville of Hill, guiada por Alicia Parente, en la que se recreó el curioso origen del logotipo de The Beatles. La pieza relató cómo en abril de 1963 el mánager Brian Epstein y Ringo Starr acudieron a la tienda londinense Drum City de Ivor Arbiter para adquirir una batería Ludwig, momento en el que, para cerrar el trato comercial, se improvisó por apenas cinco libras el diseño de la célebre tipografía con la letra te alargada.
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  Décima edición del GalanFest en Pedrajas de San Esteban 02.10.2026 24min

  Con Roberto Martínez, entrevistamos a David Salamanca, responsable del Galanfest, festival que cumple 10 años y se celebra en Pedrajas de San Esteban Con la ayuda de Roberto Martínez, entrevistamos a David Salamanca, responsable del Galanfest, festival que cumple 10 años y se celebra en Pedrajas de San Esteban (Valladolid) el sábado 3 de Octubre. Line-up completo: The Fixed Trio Yo Somos Love Feroz Sarajevo’84 Zero Azúcar Monóxido Intronauta DJ
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  Notas (musicales) a pie de página: La curiosa historia de Sakamoto y el restaurante Kajitsu 01.10.2026 43min

  De John Cage a Aphex Twin: analizamos la lista de 47 temas que el genio nipón regaló a un local de Manhattan para mejorar su acústica. En esta nueva entrega de la sección de novedades musicales en esRadio, se presenta una curiosa historia que vincula al célebre y añorado compositor japonés Ryuichi Sakamoto con el hilo musical de un restaurante neoyorquino. El punto de partida de este viaje sonoro es el restaurante vegetariano Kajitsu, ubicado en Nueva York, un establecimiento que encandilaba al maestro nipón por la calidad de sus platos, pero que le horrorizaba por la selección musical que ambientaba el local -repleta de versiones pop y bossa nova de baja calidad-. Ante tal acústica desfavorable, Sakamoto decidió escribir una carta al dueño del local para proponerle, de manera totalmente gratuita, confeccionar una lista de reproducción a la altura de su cocina. La lista de reproducción resultante, que fue publicada en su día por el prestigioso diario estadounidense el New York Times, consta de cuarenta y siete canciones y tiene una duración aproximada de tres horas y veinte minutos. En el programa se analiza detalladamente una selección de doce temas pertenecientes a esta playlist de verano. El elemento aglutinador y absoluto protagonista de todas estas composiciones es el piano, el instrumento predilecto de Sakamoto -pese a sus inicios en la mítica Yellow Magic Orchestra-, aunque con una particularidad muy llamativa: el compositor japonés no incluyó ninguna pieza de producción propia en toda la selección. La andadura musical comienza con el tema titulado The Flat, del compositor islandés Jóhann Jóhannsson, una pieza etérea donde el piano comparte protagonismo con bases ambientales muy sutiles. Jóhannsson, célebre tanto por sus trabajos en solitario como por sus aclamadas bandas sonoras, introduce una de las constantes de esta selección: la delicadeza del teclado. A continuación, el programa se adentra en terrenos más experimentales con John Cage y su obra Four Walls: Act I. Cage, uno de los compositores y filósofos musicales más influyentes de la vanguardia estadounidense, es recordado aquí por su técnica del piano preparado, que buscaba alterar el sonido del instrumento introduciendo pequeños objetos entre las cuerdas. El recorrido continúa con la aportación del productor alemán Nils Frahm y su tema Some, perteneciente a su álbum Solo. Frahm es conocido por su maestría a la hora de fundir el piano acústico con la electrónica sutil, utilizando fieltros y texturas que capturan hasta el más mínimo roce del instrumento, haciéndolo respirar. La atmósfera se vuelve algo más oscura con el chileno-alemán Nicolas Jaar y su pieza Mistress. Aunque Jaar es ampliamente reconocido en el mundo de la música electrónica de baile por sus ritmos de club, en esta ocasión ofrece un tema pausado, minimalista y con tintes de house abstracto que encajaba perfectamente en la atmósfera íntima del local. El virtuosismo al piano corre a cargo del canadiense Chilly Gonzales con el tema Gentle Threat, extraído de su célebre trabajo Solo Piano. Gonzales, que ha colaborado con artistas de lo más variopinto -desde Drake hasta Daft Punk-, demuestra su capacidad para crear melodías de piano hipnóticas sin necesidad de artificios. Otra de las paradas obligadas de la playlist es Oneohtrix Point Never -proyecto del productor Daniel Lopatin- con la canción Replica, editada bajo el emblemático sello Warp Records. Esta pieza destaca por el contraste entre una base electrónica áspera y un piano limpio, generando una tensión de fondo muy característica. No podía faltar en una lista de estas características la figura de Richard D. James, artífice de Aphex Twin, con su bellísima composición Avril 14th, perteneciente al álbum Drukqs. Aunque el grueso de la discografía de Aphex Twin destaca por la electrónica más dura y experimental, este tema al piano es una de las melodías más versionadas y célebres de la historia de la música contemporánea. La playlist también rinde homenaje a la música popular brasileña a través de la inconfundible voz de Gal Costa en el bellísimo tema Até Quem Sabe, donde la cadencia melancólica del piano acompaña a la perfección la interpretación de la diva brasileña. En el tramo final del análisis se repasan piezas como Is That What Everybody Wants, de Cliff Martinez, perteneciente a la banda sonora de la película Solaris de Steven Soderbergh; y la pieza The Shade, una histórica colaboración de música electrónica y krautrock entre Brian Eno, Dieter Moebius y Hans-Joachim Roedelius -bajo el nombre de Cluster-. El broche de oro lo pone el jazz eterno de Thelonious Monk con su interpretación de I Don't Stand a Ghost of a Chance with You. Los presentadores cierran la sección bromeando sobre la genialidad de Sakamoto, quien prefirió destacar el talento ajeno antes que el propio para amenizar las veladas de su restaurante favorito.
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  Prohibido Contar Ovejas: Uno más uno (aquí) son dos 01.10.2026 1val 34min

  Descubrimos la playlist secreta de Ryūichi Sakamoto y los títulos más perturbadores del género de terror 'home invasion'. Una nueva entrega del programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido por Felipe Couselo, arranca con la habitual tertulia entre sus colaboradores. En esta ocasión, se destaca la ausencia de Juanma Rodríguez, quien se encuentra en Málaga asistiendo a la Comic-Con. El equipo bromea sobre la sección del ausente de la semana anterior, en la que supuestamente iba a hablar de cine pero terminó dedicando todo su espacio a hablar de los coches Mini Cooper debido a la película The Italian Job. La conversación deriva hacia los planes de viaje de algunos miembros del equipo hacia Marbella, lo que propicia la de idea de organizar un encuentro con el propio Juanma en tierras malagueñas. A continuación, Isaac toma las riendas del apartado musical rindiendo un especial homenaje al compositor japonés Ryūichi Sakamoto. Se relata la célebre anécdota de la relación del músico con el restaurante Kajitsu de Nueva York, un establecimiento de comida vegetariana que Sakamoto frecuentaba pero cuya música ambiental detestaba profundamente por tratarse de un pop brasileño de baja calidad. Ante esta situación, el compositor decidió escribir una carta al dueño del local para ofrecerle de manera totalmente gratuita una lista de reproducción personalizada que estuviera a la altura de su excelente gastronomía japonesa. La sección musical desgrana varias de las piezas seleccionadas para esa famosa lista del restaurante. El primer tema en sonar es "The Flat", del islandés Jóhann Jóhannsson, una composición etérea de corte ambiental donde el piano se erige como el instrumento vertebrador. El piano es, de hecho, una de las constantes absolutas de la selección musical de Sakamoto. Seguidamente, se introduce la música de Nils Frahm con su tema "Them", una pieza que destaca por la sutil mezcla del piano con texturas electrónicas y el uso de filtros para captar el roce de las cuerdas, haciendo "respirar" al instrumento. El repaso musical prosigue con la influencia de figuras vanguardistas como John Cage y su experimentación con el piano preparado, un invento que modificaba la sonoridad del instrumento mediante la inserción de objetos entre sus cuerdas. También suena el jazz de Ahmad Jamal, pianista muy respetado por Sakamoto que falleció poco después que él. Isaac sorprende además al pinchar al productor de música electrónica minimalista Nicolas Jaar con su tema "Mistress", una pieza que Felipe Couselo confiesa haber utilizado en numerosas ocasiones para ambientar editoriales de Dieter Brandau. Para cerrar la vertiente musical del programa, se escuchan otras de las joyas de la lista de Kajitsu, como la delicada "Avril 14th" del siempre controvertido Aphex Twin, la bossa nova de Gal Costa con "Até Quem Sabe", la electrónica experimental de Oneohtrix Point Never y el clásico jazzístico de Thelonious Monk. Toda esta amalgama de estilos demuestra la obsesión del maestro japonés por el piano y su rechazo absoluto a la música fácil o meramente comercial en los espacios públicos. Posteriormente, Dani presenta su sección cinematográfica dedicada en exclusiva al cine de terror, concretamente al subgénero de las invasiones domésticas o home invasion. Tras admitir que es el tipo de películas que peor cuerpo le dejan, arranca sus recomendaciones con el clásico de 1971 de Sam Peckinpah, Perros de Paja, protagonizada por Dustin Hoffman. Asimismo, destaca la angustiosa De Repente, Un Extraño, donde un genial Michael Keaton interpreta a un inquilino psicópata que destroza la vida de los propietarios de una casa en San Francisco. Dani continúa analizando grandes hitos de este subgénero como La Habitación del Pánico, una de las grandes obras de suspense de David Fincher protagonizada por Jodie Foster y una jovencísima Kristen Stewart. Tampoco se olvida de la perturbadora e incómoda Funny Games de Michael Haneke, una película concebida como una bofetada al espectador sobre el uso gratuito de la violencia en el cine, o la más comercial pero igualmente efectiva Los Extraños, protagonizada por Liv Tyler. Finalmente, el programa aborda la aportación del cine español a este género de terror doméstico mediante la película Secuestrados, dirigida por Miguel Ángel Vivas y rodada íntegramente en planos secuencia para aportar un realismo casi insoportable. Dani concluye su lista de recomendaciones con Tú Eres el Siguiente de Adam Wingard, una vuelta de tuerca donde las víctimas se rebelan, y la asfixiante No Respires, dirigida por el uruguayo Fede Álvarez, poniendo el broche de oro a una entrega de gran carga cultural.
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  Las cosas de Palacios: Home invasion 01.10.2026 37min

  Del suspense de 'La habitación del pánico' al horror de 'Los extraños': el cine que viola la seguridad de nuestro hogar En esta entrega se aborda un monográfico sobre el subgénero cinematográfico de las invasiones domésticas, comúnmente conocidas en la jerga anglosajona como home invasion. Tras una breve introducción sobre cómo este tipo de tramas genera una profunda incomodidad al violar el espacio de seguridad del hogar, los colaboradores de esRadio comienzan analizando la película Hostage, estrenada en el año 2005. Este largometraje, dirigido por el cineasta francés Florent Emilio Siri y protagonizado por Bruce Willis, sirve de punto de partida para explorar la tensión y la desesperación de unos personajes atrapados en su propia vivienda frente a unos delincuentes juveniles. Un clásico incontestable dentro de esta temática es Straw Dogs, la célebre cinta de 1971 dirigida por Sam Peckinpah. En ella, Dustin Hoffman interpreta a un refinado matemático norteamericano que se traslada junto a su esposa a una casa de campo en la campiña británica. Lo que comienza como una convivencia incómoda con los rudos obreros locales degenera progresivamente en un asedio brutal. Los analistas del programa destacan el dilema moral al que se enfrenta la pareja protagonista cuando deciden dar refugio a un desamparado del pueblo, lo que desata la ira irracional de los vecinos, quienes intentan asaltar la vivienda a toda costa. El repaso cinematográfico continúa con la vertiente del inquilino parásito que se introduce legalmente en la propiedad, ejemplificada a la perfección en Pacific Heights -De repente, un extraño-, un filme de 1990 dirigido por John Schlesinger. En esta ocasión, la amenaza no proviene de un asalto violento e inmediato, sino de la figura de un retorcido inquilino, interpretado de forma magistral por Michael Keaton, que convierte la vida de los propietarios en una auténtica pesadilla. Posteriormente, se analiza Panic Room -La habitación del pánico-, dirigida en 2002 por David Fincher. Esta película destaca por su atmósfera de claustrofobia y alta tecnología, donde unos asaltantes intentan forzar el búnker blindado en el que se esconden una madre -interpretada por Jodie Foster- y su hija pequeña. La violencia gratuita y carente de motivo lógico se analiza a través de Funny Games, la turbadora obra del director austríaco Michael Haneke de 1997. El programa detalla cómo dos jóvenes de aspecto impecable secuestran a una familia burguesa en su casa de vacaciones para someterla a sádicos juegos mentales y físicos, un ejercicio con el que el realizador buscaba reflexionar sobre la representación de la violencia en el cine. En una línea similar de terror inexplicable se sitúa The Strangers -Los extraños-, estrenada en 2008 y protagonizada por Liv Tyler, donde el pánico absoluto surge del hecho de que los asaltantes enmascarados no buscan ningún botín, sino que torturan a sus víctimas simplemente por el hecho de estar en casa. El cine francés más extremo tiene su representación con Inside -Al interior-, una sangrienta película de 2007 dirigida por Alexandre Bustillo y Julien Maury que relata el acoso a una mujer embarazada por parte de una misteriosa figura femenina durante la noche de Navidad. Cruzando la frontera hacia el cine español, se destaca Sleep Tight -Mientras duermes-, dirigida por Jaume Balagueró en 2011. La cinta está protagonizada por Luis Tosar, quien encarna a un conserje de edificio incapaz de ser feliz cuyo único propósito vital es amargar la existencia de los vecinos de la comunidad, ensañándose de manera enfermiza en un retorcido ejercicio de terror cotidiano. Otro referente patrio analizado es Secuestrados, película de 2010 dirigida por Miguel Ángel Vivas que destaca por su crudo realismo y su rodaje mediante planos secuencia muy largos, transmitiendo la angustia en tiempo real de una familia asaltada en su nueva residencia de lujo. Para aligerar el tono, los colaboradores comentan You're Next -Tú eres el siguiente-, un filme de 2011 que subvierte las reglas del género cuando los enmascarados se topan con una invitada con inesperadas habilidades de supervivencia. El monográfico concluye con la aplaudida Don't Breathe -No respires-, una producción de 2016 dirigida por Fede Álvarez en la que tres ladrones cometen el error de asaltar la casa de un veterano de guerra ciego, interpretado por Stephen Lang, quien resulta ser un implacable y letal adversario en la oscuridad.
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  Prohibido Contar Ovejas: Mares y océanos 30.09.2026 1val 29min

  De Bobby Darin a Pearl Jam, Felipe Couselo propone una travesía sonora por grandes temas inspirados en el gran azul y la libertad. El programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, presentado por Felipe Couselo, dedica su espacio a una selección musical inspirada en el mar y los océanos. Tras una entrega anterior centrada en los ríos como metáfora de la vida, el locutor amplía el horizonte geográfico para explorar cómo el inmenso azul ha fascinado a los artistas a lo largo de la historia de la música popular. A través de este viaje sonoro, Couselo analiza cómo el mar evoca nostalgia, aventura, calma o escape frente a las vicisitudes cotidianas. La velada musical comienza con el clásico "Beyond the Sea" interpretado por Bobby Darin, una conocida adaptación al inglés de la célebre canción francesa "La Mer". Felipe Couselo explica que, en esta versión con un marcado estilo swing, el mar representa un obstáculo temporal que separa al protagonista de su ser amado. No obstante, lejos de ser una barrera infranqueable, el océano se convierte en una promesa de reencuentro futuro y esperanza, un elemento que ha sido utilizado de manera recurrente en el cine y la televisión para transmitir optimismo. A continuación, el programa se detiene en "Sloop John B" de The Beach Boys, una versión de una canción tradicional caribeña que Brian Wilson transformó en uno de los pilares del legendario álbum Pet Sounds. El presentador detalla las complejas sesiones de grabación lideradas por Wilson, en las que participaron numerosos músicos de estudio para dar forma a una rica instrumentación. Detrás de su ritmo alegre, la letra narra las desventuras de un viaje en barco y el constante anhelo de los marineros por regresar a su hogar. El cuarteto de Liverpool también tiene su espacio con "Octopus's Garden", composición de Ringo Starr incluida en el álbum Abbey Road de The Beatles. Couselo relata la curiosa génesis del tema, inspirado en unas vacaciones del batería en Cerdeña a bordo del yate del actor Peter Sellers, donde el capitán le explicó que los pulpos recolectan piedras brillantes para construir jardines bajo el agua. Para el músico, este concepto simbolizaba el refugio de paz que tanto anhelaba en un momento de máxima tensión interna dentro de la banda británica. El viaje continúa hacia las costas británicas de Brighton con "Sea and Sand" de The Who, perteneciente a su célebre ópera rock Quadrophenia. En esta composición, la playa y el mar sirven de contrapunto a la asfixiante vida urbana del joven mod Jimmy, el protagonista de la historia. Felipe Couselo describe cómo el inmenso azul representa el único escenario donde el atormentado adolescente logra experimentar una transitoria sensación de pertenencia y sosiego, lejos de la alienación diaria. La nostalgia y la superación personal se entrelazan en "Southern Cross" de Crosby, Stills & Nash, una obra liderada por Stephen Stills. El presentador explica que la canción plasma un viaje de redención en velero por el Pacífico Sur tras un doloroso divorcio del músico. La Cruz del Sur, la constelación que guía a los navegantes en el hemisferio austral, funciona como metáfora del camino hacia la aceptación del dolor y la esperanza de un nuevo comienzo. Por su parte, Led Zeppelin aporta una perspectiva diferente con "The Ocean", tema de su trabajo Houses of the Holy. En este caso, el término "océano" no alude a una masa de agua, sino a la multitud de seguidores que abarrotaba los estadios en sus multitudinarios conciertos. Couselo destaca la potencia del ritmo de John Bonham y la evocadora imagen de ver a miles de personas botando al unísono, asemejándose a las bravas olas de un mar humano. El programa avanza en el tiempo con "I Sat by the Ocean" de Queens of the Stone Age, donde el líder Josh Homme utiliza el mar como testigo silencioso de la soledad de quien bebe para olvidar un desamor. Tras este tema de corte más desértico, suena "Oceans" de Pearl Jam, reflejo de la profunda obsesión de Eddie Vedder por el mar y el surf, donde la marea se presenta como una fuerza purificadora capaz de transportar al individuo hacia un estado de calma mental. La selección musical se completa con "Seven Seas" de los británicos Echo & the Bunnymen, una pieza que invita a dejarse llevar por las corrientes marinas, seguida de la mística "Into the Mystic" de Van Morrison, donde el mar garantiza la ansiada libertad del espíritu. Asimismo, el pop sofisticado de Suede se hace presente con "By the Sea", un tema que evoca el deseo de romper con la rutina urbana para iniciar una existencia más sencilla en una cabaña frente a la costa. En el tramo final, Couselo pincha "I Am the Ocean" de Neil Young en colaboración con Pearl Jam, una potente reflexión sobre la inmensidad e imprevisibilidad de la existencia humana. Para cerrar la emisión de esRadio, el programa se despide con la majestuosa y melancólica "Porcelina of the Vast Oceans" de The Smashing Pumpkins, una pieza que el presentador invita a escuchar con atención para sumergirse por completo en su atmósfera marina y dejarse arrastrar por la marea antes del descanso nocturno.
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  Prohibido Contar Ovejas: Reescribiendo finales con Juanma González 29.09.2026 1val 31min

  Imaginamos divertidas e irónicas alternativas para los desenlaces de películas míticas de Hollywood junto a Juanma González En esta nueva entrega del divertido programa de esRadio Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo y su colaborador habitual Juanma González se adentran en el apasionante ejercicio de reescribir finales de películas míticas de la historia del cine. A lo largo del podcast, ambos analizan con humor, ironía y altas dosis de cinefilia cómo habrían cambiado algunas de las producciones más famosas de Hollywood si se hubieran tomado decisiones distintas en el montaje o en el guion original. Antes de entrar en materia cinematográfica, los locutores reflexionan sobre lo complicado que es cerrar una historia, citando incluso la serie de televisión Supernatural para ilustrar cómo el destino de los personajes a veces se tuerce de manera inevitable durante el proceso de escritura. En el cine, esta dificultad se multiplica debido a las presiones de los productores y la necesidad de contentar al gran público, lo que a menudo da lugar a conclusiones excesivamente edulcoradas o incoherentes. El primer título sobre la mesa es el clásico de 1975 Tiburón. Tras recordar el desenlace original en el que el jefe Brody consigue hacer estallar al escualo disparando a una bombona de oxígeno, Juanma González propone una alternativa delirante basada en un meme de internet —la película al revés como la historia de un tiburón bondadoso que vomita personas y las salva de sus vidas tóxicas—. Por su parte, Felipe Couselo plantea una vía mucho más seria y poética, inspirada en la novela original de Peter Benchley, donde Hooper muere en la jaula y el carismático Quint, herido y enloquecido, obliga a Brody a huir en una balsa mientras él se queda solo esperando su trágico destino en el mar. El debate continúa con el universo de los superhéroes en Vengadores: Endgame. Los locutores de esRadio critican abiertamente la secuencia del clímax en la que se reúnen de forma artificial todos los personajes femeninos, calificándola como un guiño forzado y poco inteligente. Como alternativa para mejorar el final de la saga, sugieren que un personaje tan brillante como Tony Stark debería haber diseñado un deseo inteligente con el guantelete que le permitiera sobrevivir al chasquido, o bien que se hubiese mostrado detalladamente la compleja y absurda tarea de Capitán América devolviendo las gemas del infinito a sus respectivas líneas temporales. La mítica Casablanca tampoco se libra de la quema creativa de los colaboradores de Prohibido Contar Ovejas. Aunque reconocen que la despedida entre Rick e Ilsa es uno de los momentos cumbre del séptimo arte, Juanma y Felipe juegan a imaginar finales alternativos que van desde un desenlace cómico al estilo de Hot Shots 2 hasta una secuela en formato serie de detectives de los años cuarenta protagonizada por Rick y el prefecto Renault. La nota más absurda la pone la irrupción ficticia de un Albert Einstein desnudo que viaja en el tiempo de manera similar a Terminator. En la recta final del programa, analizan de manera muy original el clásico de ciencia ficción de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase y la aventura juvenil Los Goonies. Para la primera, proponen un giro más oscuro y cínico sobre la abducción del personaje de Richard Dreyfuss. Para la segunda, plantean una disparatada trama donde Sloth es separado de los niños por los servicios sociales, desatando una sangrienta venganza de sus amigos que convierte la película en un slasher de terror en el que los protagonistas terminan asaltando yates de turistas al más puro estilo de La colina tiene ojos.
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  Prohibido Contar Ovejas: M83, Brad Pitt y María Pagés 25.09.2026 1val 54min

  El espacio cultural de esRadio viaja del rock distorsionado de Royal Blood a la nostalgia de la danza autobiográfica y el cine familiar. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio reúne a Felipe Couselo junto a sus colaboradores habituales, entre ellos Juanma González, Daniel Palacios y Alma Espinosa. El programa arranca con el habitual tono desenfadado, bromeando sobre la serie Friends y la evolución del espacio televisivo, antes de dar paso a las secciones de música y artes escénicas que protagonizan esta edición. En el apartado musical, Daniel Palacios presenta las últimas novedades discográficas. Comienza con "Bitter Sun Sunrise", el último adelanto del nuevo trabajo de M83, titulado Fantasy, un proyecto muy esperado por los seguidores de la banda francesa. A continuación, suena "Shollow the Bomb", el potente sencillo de adelanto de Royal Blood para su próximo disco de estudio, titulado Back to the Water Below, demostrando la vigencia de su característico formato de dúo de rock con bajo distorsionado. La selección de Palacios continúa explorando sonidos más oscuros y pesados con "House by the Grave" de la banda británica de rock psicodélico y doom Uncle Acid and the Deadbeats, extraído de su álbum Nell's Grave. Para cerrar su tanda de novedades, introduce a la banda noruega de punk rock The Dogs con su enérgico tema "7:25", perteneciente a su trabajo Trauma Junkie, una propuesta que destaca por su sonido directo y garajero muy influenciado por el clásico estilo escandinavo. Por su parte, Isaac Vizcaíno nos acerca al jazz experimental con la propuesta del dúo suizo Ocušo y su tema "Frozen Flashes", en el que colabora el flautista y saxofonista británico Tenderlonious. Este corte, que combina bases electrónicas con jazz contemporáneo, sirve como ejemplo de la evolución que está experimentando el género en Europa. En la sección de artes escénicas, Alma Espinosa recomienda el espectáculo de danza flamenca Bilbao Square, creado por la célebre bailaora y coreógrafa María Pagés, que se representa en el centro cultural Matadero Madrid. La obra es un recorrido autobiográfico y poético que narra el viaje de la artista desde Sevilla hasta Madrid a los quince años, realizando el trayecto a bordo de un mítico Citroën Tiburón negro. El repaso cinematográfico de la semana se centra en tres producciones muy diferentes. Juanma González analiza la película de acción En el Corazón de la Bestia, protagonizada por Brad Pitt en el papel de un antiguo boina verde que trata de sobrevivir en la naturaleza salvaje de Alaska junto a su perro de combate, una propuesta que destaca por su sobriedad y aroma a cine clásico. La segunda propuesta es la cinta de animación de DreamWorks, La Isla Olvidada, que el equipo define de forma divertida como una curiosa mezcla entre Resacón en Las Vegas y Olvídate de Mí, ideal para disfrutar en familia pero con un humor inteligente que apela tanto a niños como a adultos. Por último, el programa destaca el estreno del largometraje español Te Estoy Amando Locamente, dirigido por Alejandro Marín. La cinta aborda los inicios del movimiento de liberación homosexual en la Sevilla de finales de los años setenta, logrando un equilibrio entre la denuncia de la represión histórica y una emotiva historia de amor y superación.
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  CineBeat consolida su éxito en Mérida: del rock castúo a la mítica Sala Canciller 25.09.2026 42min

  El certamen emeritense ofrece desde punk y skate bajo el puente Lusitania hasta proyecciones documentales de grupos como Oasis o Kora. En esta nueva edición del programa de esRadio, se presenta una entrevista en profundidad con Ángel Urízar, el director y principal responsable de Cinevit, el consolidado festival de cine y música que se celebra en la histórica ciudad de Mérida. Urízar comparte su entusiasmo al alcanzar el tercer año consecutivo de este certamen, que nació con un espíritu humilde y low-cost, pero que hoy en día se ha convertido en un auténtico referente cultural en Extremadura. Con una programación que incluye a 55 artistas y un total de 59 conciertos, el festival ha logrado expandir sus horizontes y su red de salas colaboradoras. Uno de los puntos fuertes de esta edición es la apuesta por la transversalidad de la cultura, conectando la música con otras disciplinas como la fotografía y las artes plásticas. Urízar destaca la espectacular exposición inaugurada a cargo del reconocido fotógrafo Juan Fajardo, famoso por retratar en la intimidad de su estudio a grandes leyendas de la música nacional e internacional, como Neil Young, Santana o Aitana. Lejos de ser meras fotografías de conciertos, la muestra ofrece una mirada única y personal que ha dejado maravillados a los primeros visitantes del festival. El cine documental de temática musical sigue siendo la columna vertebral de Cinevit. Entre las proyecciones más esperadas de este año se encuentra el documental sobre la mítica Sala Canciller de Madrid, un templo del rock de las décadas de los setenta y ochenta. Urízar aprovecha para reivindicar la importancia de las salas de conciertos de pequeño y mediano formato frente a la burbuja actual de los macrofestivales. La proyección contará con la presencia de los antiguos dueños de la sala y de Juan Luis, líder de la mítica banda de rock Asfalto. La programación del festival está diseñada para tender puentes intergeneracionales, ofreciendo actividades adaptadas a todo tipo de públicos. En la sección de cine y escuela, los adolescentes podrán disfrutar de cintas como Movida del 76, que cuenta con una banda sonora repleta de clásicos de los Rolling Stones, mientras que los más pequeños tendrán su espacio con la proyección de Canta 2. Asimismo, se proyectará un valioso trabajo sobre la historia del rock extremeño dirigido por Juanjo Pizarro y el aclamado documental sobre la banda británica Oasis. Para la jornada del sábado, el festival ha preparado una de sus actividades más dinámicas y urbanas en el skate park situado bajo el imponente puente Lusitania de Mérida. Este evento fusionará la música punk en directo con exhibiciones de monopatín y arte urbano a cargo de grafiteros locales. Toda la actividad será registrada por el realizador Kike Pastrana, quien se encargará de dar forma a un vídeo con la estética analógica de los videoclips de rock alternativo de la década de los noventa. El broche de oro de Cinevit llegará el domingo con una serie de actuaciones de primer nivel en el entorno monumental de la ciudad. El público podrá disfrutar de los directos de la banda madrileña Black Maracas, ganadores del certamen en la pasada edición, así como de los portugueses Cobra Puma. La clausura correrá a cargo de la emblemática formación extremeña Bucéfalo, pioneros del conocido como rock castúo, que fusiona el rock duro con letras que reivindican el habla tradicional de Extremadura y la poesía de Luis Chamizo. Finalmente, Ángel Urízar invita a todos los amantes de la cultura a visitar la página web oficial, cinevit.es, donde se detalla el programa completo y los horarios de cada uno de los eventos para que los asistentes puedan diseñar su propio itinerario personalizado. En esta edición también destaca la incorporación del grupo de pop gallego Kora, una muestra más del carácter abierto, integrador y en constante crecimiento de un festival que ya es una cita ineludible en el calendario cultural extremeño.
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  Telele: Jornada de puertas abirtas en los colegios e institutos de series 24.09.2026 30min

  Un viaje por la nostalgia televisiva que contrasta el lujo de Las Encinas con las carencias del centro público de Springfield en esRadio. Con la llegada de septiembre y la tradicional vuelta al cole, el equipo del programa analiza los colegios e institutos más famosos de la televisión. A través de un recorrido divertido y nostálgico, repasan cinco centros educativos de la ficción que a todos nos habrían gustado —o no— visitar. El primero de la lista es el exclusivo colegio Las Encinas de la conocida serie de televisión Élite, un centro privado donde, además de cursar los estudios tradicionales, los alumnos parecen verse envueltos constantemente en investigaciones criminales y dramas personales de gran intensidad. Las Encinas destaca por unas instalaciones de ensueño que ya quisieran para sí muchos centros reales: laboratorios de ciencias, biblioteca, gimnasio, piscina, auditorio, cafetería y múltiples pistas de tenis, fútbol, baloncesto y pádel. Sin embargo, la serie también refleja el choque de clases entre los alumnos de familias multimillonarias y los estudiantes becados, quienes suelen cargar con las culpas de todo lo malo que ocurre. Aunque los exteriores se grabaron en el campus de la Universidad Europea de Madrid en Villaviciosa de Odón, la vida disoluta de los protagonistas, llena de excesos y relaciones complejas, aleja a este instituto de cualquier realidad cotidiana. La segunda parada nos lleva directos a los años noventa con Bayside High, el mítico instituto americano de la serie Salvados por la Campana. Este centro se convirtió en el ideal para toda una generación gracias a sus icónicas taquillas de pasillo y a un ambiente mucho más inocente y cómico. Personajes imborrables como Zack Morris, Kelly Kapowski, Slater o el entrañable Screech daban vida a unas aulas donde el estudio quedaba en un plano muy secundario frente a las peripecias diarias y las charlas en la cafetería, cuyo encargado resultaba ser un divertido mago. Sin movernos de California, el resumen continúa con West Beverly High, el escenario principal de la mítica producción Sensación de Vivir. Aquí el lujo y el dinero de Beverly Hills marcan el día a día de personajes tan populares como Dylan, Kelly, Steve o los hermanos Brandon y Brenda Walsh, recién llegados de Minnesota. Las tramas de esta serie se centraban especialmente en la vida social de los alumnos, sus romances y los problemas de la alta sociedad, mostrando un modelo de instituto público norteamericano pero con un nivel adquisitivo altísimo que fascinó a los espectadores de la época. El viaje por las aulas de la ficción da un giro gótico al adentrarse en la Nevermore Academy (Academia Nunca Más) de la exitosa serie de Netflix Miércoles. Este centro funciona como un internado para excluidos y seres con capacidades sobrenaturales, tales como sirenas, hombres lobo o vampiros. La protagonista, Miércoles Addams, interpretada por Jenna Ortega, se desenvuelve en un ambiente oscuro y misterioso que contrasta fuertemente con la colorida personalidad de su compañera de habitación, ofreciendo una estética visual única que ha cautivado al público actual. Finalmente, el programa analiza la cara más humilde y desastrosa de la educación pública con la escuela primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson. El colegio de Bart y Lisa es el ejemplo perfecto de centro educativo precario y mal financiado, dirigido por el siempre estresado director Skinner. Desde la comida de dudosa procedencia de la cocinera Doris hasta los castigos de Bart frente a la pizarra, este colegio caricaturiza con un humor ácido el sistema escolar. Para cerrar la sección con broche de oro, el programa da paso a la música nacional con el tema "El viaje de Chihiro" del artista gallego Iván Ferreiro, poniendo un toque melancólico a esta particular vuelta a las aulas en esRadio.
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  Las cosas de Palacios: El lado country y más íntimo de James Hetfield 24.09.2026 27min

  A pesar de su histórica rigidez con los proyectos paralelos en Metallica, el vocalista siempre ha mostrado inquietudes hacia el blues o el folk. En una nueva entrega de la sección musical de esRadio, el colaborador Daniel reflexiona sobre la trayectoria de los grandes líderes de bandas de rock y metal que han decidido dar el paso para lanzar carreras en solitario. Tras mencionar a figuras icónicas como Chris Cornell o Mike Patton, Daniel se centra en un artista que, a su juicio, tiene una asignatura pendiente en este aspecto: James Hetfield, el carismático vocalista y guitarrista de la mítica banda Metallica. El colaborador analiza cómo la postura de Hetfield respecto a los proyectos paralelos de sus compañeros ha sido históricamente intransigente, llegando a ser tildada de 'talibán'. Este celo excesivo por la exclusividad de su banda principal fue el detonante del famoso conflicto con el bajista Jason Newsted, a quien se le dio un ultimátum que finalmente provocó su salida del grupo. A pesar de esta rigidez, el análisis musical de Daniel demuestra que el líder de Metallica siempre ha albergado inquietudes artísticas que van más allá del thrash metal tradicional. El recorrido sonoro comienza en 1991 con el célebre álbum homónimo de la banda, conocido popularmente como el Black Album. La balada Nothing Else Matters supuso un punto de inflexión radical en su carrera, mostrando por primera vez una faceta íntima y vulnerable del cantante que descolocó a muchos de sus seguidores habituales. Además, en este mismo trabajo, temas como The God That Failed sirvieron para que Hetfield canalizara traumas muy personales, como la muerte de su madre a causa de sus creencias religiosas, lo que marcó el inicio de unas letras mucho más terapéuticas y alejadas de la temática política de los años ochenta. Daniel rompe una lanza a favor de los controvertidos discos de mediados de los noventa, Load y Reload, defendiendo que es precisamente en esta etapa experimental donde Hetfield muestra su mejor registro vocal. En canciones como Bleeding Me y, sobre todo, la abiertamente country Mama Said, el músico estadounidense se despoja de las ataduras del metal pesado para abrazar el blues y el country, géneros que domina con maestría y que interpreta con una profunda carga emocional. La influencia de estos estilos norteamericanos tradicionales no solo se limitó a lo musical, sino que también afectó notablemente a la estética de Hetfield a finales de la década, quien adoptó un aspecto de vaquero moderno y comenzó a utilizar guitarras equipadas con dispositivos mecánicos como el B-Bender. Su interés por explorar nuevos horizontes musicales también quedó patente en el disco de versiones Garage Inc., donde interpretó de forma magistral clásicos de Bob Seger y demostró su enorme admiración por compositores de la talla de Nick Cave. Para concluir, el espacio radiofónico analiza rarezas como la versión acústica de All Within My Hands y, muy especialmente, la grabación de 2003 de una versión de Waylon Jennings. En esta última pieza, Hetfield grabó todos los instrumentos por sí mismo de la mano del productor Bob Rock, evidenciando que posee la capacidad técnica y creativa de firmar un álbum completamente autónomo. El programa concluye animando al vocalista a seguir los pasos de su compañero Kirk Hammett y a liberarse de sus antiguos prejuicios para regalarnos un esperado proyecto en solitario.
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  Prohibido Contar Ovejas: Susi, Susón y otras chicas del montón 24.09.2026 1val 30min

  De la magia de Studio Ghibli a las aulas de 'Salvados por la campana': el equipo de Felipe Couselo repasa la cultura pop en su última emisión. En esta nueva entrega del programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo, acompañado por sus colaboradores Alma Espinosa, Juanma González e Isaac, inicia la emisión con su habitual tono desenfadado. Entre bromas y comentarios sobre la marcha del programa, el equipo destaca el apoyo de sus oyentes, mencionando en particular a un fiel seguidor que ha escuchado todos los programas anteriores. Asimismo, rememoran momentos divertidos de series icónicas de la televisión, sirviendo de preludio para las diversas secciones culturales de la noche. La primera gran recomendación cultural de la noche corre a cargo de Felipe Couselo, quien presenta el libro Los Mundos de Hayao Miyazaki, escrito por Nicolas Rapold y publicado en España por la editorial Lunwerg. Esta obra analiza en profundidad la trayectoria del célebre director de animación de Studio Ghibli. El volumen destaca por su enfoque interdisciplinar, explorando cómo influyen la literatura, las costumbres y el folclore en la filmografía del creador japonés. El autor del libro detalla aspectos como la cuidada gastronomía en las películas de Miyazaki y su conexión conceptual con obras de la literatura universal como El Principito. Posteriormente, el programa se adentra en el terreno musical con un detallado monográfico sobre James Hetfield, el legendario líder de la banda de thrash metal Metallica. El colaborador Daniel analiza la faceta más oculta y personal del músico estadounidense, revelando su profunda admiración por géneros como el country y el blues. A lo largo de la sección, se debate sobre la estricta política de exclusividad que imperaba en la banda y que impidió a Hetfield emprender una carrera en solitario, un deseo que el cantante canalizó de manera sutil en algunas de las composiciones más melódicas y heterodoxas del grupo. El análisis musical repasa temas emblemáticos que marcaron un punto de inflexión en la trayectoria de la formación. Se destaca 'Nothing Else Matters', perteneciente al aclamado album de 1991, una balada íntima que supuso un cambio radical respecto a su sonido habitual. Asimismo, se profundiza en trabajos posteriores como Load y Reload, donde Hetfield dio rienda suelta a sus influencias sureñas en cortes como 'Bleeding Me', la profundamente personal 'Mama Said' —dedicada a la muerte de su madre— o 'Low Man's Lyric'. Daniel también menciona 'All Within My Hands' y la versión que Hetfield grabó en 2003 del clásico de Waylon Jennings, 'Don't You Think This Outlaw Bit's Done Got Out of Hand?', donde el vocalista tocó todos los instrumentos bajo la producción de Bob Rock. Por su parte, Isaac toma las riendas para ofrecer una lección de historia de la música funk y hip-hop. El colaborador se centra en el icónico tema 'Funky Drummer' de James Brown, publicado en 1970, prestando especial atención al legendario solo de batería ejecutado por Clyde Stubblefield. Este breve patrón de batería se ha convertido en el loop más sampleado de la historia de la música moderna, sirviendo de base rítmica para innumerables canciones de rap, pop y música de baile electrónica. A pesar de la inmensa popularidad de su ritmo, el baterista nunca recibió las regalías correspondientes por su autoría. Para finalizar, los micrófonos de esRadio acogen una divertida sección dedicada a los colegios e institutos más famosos de las series de televisión. Los colaboradores analizan las diferencias entre estos centros de ficción y la realidad de las aulas españolas. Comienzan analizando Las Encinas, el exclusivo y sombrío centro de la serie Élite, caracterizado por sus intrigas, excesos y crímenes. En contraste, recuerdan con nostalgia el Bayside High School de la mítica serie juvenil Salvados por la Campana, repasando las andanzas de personajes entrañables como Zack Morris, Kelly Kapowski y A.C. Slater —el eterno 'pimpollo'— bajo la constante vigilancia del director, el señor Belding. El repaso catódico continúa con otros colegios emblemáticos como el West Beverly High de Sensación de Vivir, donde las vidas de los hermanos Brandon y Brenda Walsh se cruzaban con las de Dylan, Kelly y Steve en un ambiente de lujo californiano. También se analiza la Academia Nunca Más de la reciente producción Miércoles, un internado de estética gótica para jóvenes excluidos y seres sobrenaturales que acoge a la hija de la familia Addams. Para terminar, no podía faltar la Escuela Primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson, el humilde y descuidado colegio público donde Bart y Lisa Simpson sufren las decisiones del atribulado director Seymour Skinner.
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  Notas (musicales) a pie de página: Historia del Funky Drummer, el ritmo más sampleado 24.09.2026 26min

  De N.W.A a Madonna, esRadio descubre cómo un solo improvisado de batería de 1970 acabó transformando la cultura de masas y la música popular. En esta nueva sección musical en esRadio, se realiza un apasionante recorrido por la historia de uno de los ritmos más influyentes y utilizados en la música contemporánea: el famoso patrón de batería de la canción Funky Drummer de James Brown. Grabada en el año 1970, este tema de larga duración incluía una sección improvisada en la que el mítico baterista Clyde Stubblefield ejecutó un solo de apenas veinte segundos. Aunque la canción original no gozó de un éxito comercial masivo de manera inmediata, ese pequeño fragmento de percusión estaba destinado a cambiar el rumbo de la música popular décadas después al convertirse en el ritmo más sampleado de la historia. Con la llegada de los años ochenta y el nacimiento de la cultura del hip-hop en los barrios de Nueva York, figuras pioneras como DJ Kool Herc descubrieron el potencial de estos fragmentos instrumentales, conocidos popularmente como breaks. Los pinchadiscos demandaban estas bases rítmicas para mantener a la gente bailando durante las fiestas callejeras. Para facilitarles el trabajo, el pinchadiscos Danny Krivit editó una versión especial titulada Funky Drummer Bonus Beat Reprise, que aislaba y repetía el bucle de batería de Clyde Stubblefield, entregando en bandeja de plata una herramienta indispensable para los productores de rap que buscaban ritmos potentes y contagiosos. A pesar del gigantesco impacto cultural de su creación, el batería Clyde Stubblefield nunca recibió regalías directas ni compensaciones económicas significativas por estos samples al no figurar en los créditos originales de autoría. No obstante, el respeto de la comunidad musical hacia su figura quedó patente cuando el legendario artista Prince, considerado un gran benefactor de la música negra, se hizo cargo de sus facturas médicas antes de fallecer en el año 2017. Para ilustrar la asombrosa versatilidad de este ritmo, los colaboradores de esRadio seleccionaron y comentaron una lista de canciones emblemáticas pertenecientes a géneros muy diversos que se construyeron sobre esta misma base de percusión. El primer gran ejemplo analizado pertenece al grupo californiano N.W.A con su histórico tema de 1988 titulado Straight Outta Compton. Esta canción, que definió el sonido del West Coast rap, utiliza el loop de batería acelerado y combinado con otros elementos para generar una atmósfera de gran tensión. Los presentadores recordaron con nostalgia la época en la que este tipo de cintas de casete llegaban a España a través de familiares o conocidos procedentes de Estados Unidos, abriendo el camino para la difusión de la cultura del hip-hop en nuestro país a principios de los años noventa, cuando todavía era un movimiento muy minoritario. La influencia de James Brown continuó expandiéndose en el género con éxitos como Mama Said Knock You Out de LL Cool J, donde la batería del Funky Drummer sirve de soporte para la agresiva interpretación vocal del rapero. El programa de esRadio continuó su andadura musical demostrando que este recurso no fue exclusivo del rap estadounidense, sino que dio el salto al pop de masas de la mano de superestrellas mundiales como Madonna en su sensual tema de 1990 Justify My Love, coproducido junto a Lenny Kravitz en una de las etapas más provocativas de la carrera de la ambición rubia. Otro de los momentos cumbres de la lista lo protagoniza George Michael con su himno generacional Freedom! '90. En esta producción, el característico bombo y la caja del tema original se encuentran integrados de forma mucho más sutil y matizada, restando protagonismo a la percusión para dar paso a las texturas de piano y gospel. Este tema supuso una declaración de intenciones por parte del artista británico, quien buscaba desmarcarse de su impuesta imagen de sex-symbol y de las estrictas exigencias de su compañía discográfica, en una época en la que incluso se negaba a aparecer en sus propios videoclips. La increíble adaptabilidad de la batería de Clyde Stubblefield se demuestra también al fusionarse con el folk irlandés gracias a la magnífica versión que Sinéad O'Connor realizó de la canción tradicional I Am Stretched on Your Grave. La cantante irlandesa superpuso su impresionante y melancólica voz casi a capela sobre el desnudo y repetitivo ritmo del Funky Drummer, demostrando que este loop de batería puede dotar de una fuerza dramática inusitada a composiciones aparentemente incompatibles con la música negra tradicional. En el Reino Unido, la escena independiente de Mánchester también cayó rendida ante los encantos de este sample. Agrupaciones míticas de la corriente conocida como Madchester, como los Stone Roses en su célebre tema instrumental Fools Gold o los Happy Mondays en Step On, recurrieron de forma literal a esta base rítmica para fusionar la energía del rock de guitarras con la naciente cultura de los clubes de baile y el acid house de principios de los noventa. Los colaboradores recordaron entre risas las divertidas anécdotas de estas bandas inglesas, famosas por su caótica ética de trabajo y sus constantes excesos durante las grabaciones. Para muchos, la cumbre artística en el uso de esta base rítmica la alcanzaron los pioneros del trip-hop Massive Attack en su obra maestra de 1991, Unfinished Sympathy. Grabado en la ciudad de Bristol, el tema combina el sample de percusión de manera magistral con arreglos orquestales de cuerda, sintetizadores y la desgarradora interpretación vocal de Shara Nelson, logrando una de las composiciones más aclamadas de la historia de la música británica. El programa cerró el repaso mostrando los usos más insólitos del sample, desde las cuestionadas incursiones en el smooth jazz de Kenny G con su tema G-Bop hasta los sonidos atmosféricos del proyecto New Age Enigma en Age of Loneliness, demostrando el eterno legado de James Brown en la cultura popular.
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  Prohibido Contar Ovejas: Libre como un pájaro 23.09.2026 1val 30min

  De Bob Marley a Lynyrd Skynyrd, el espacio de esRadio analiza grandes temas de la música que usaron la fauna alada como metáfora de superación. En esta edición de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio presentado por Felipe Couselo, la temática principal gira en torno a los pájaros como símbolo de libertad o de su ausencia en la historia de la música popular. A través de una cuidada selección musical, el locutor analiza cómo diferentes artistas han utilizado la figura de las aves para transmitir mensajes de paz, lucha social o superación personal. El recorrido musical comienza con Albatross, el célebre tema instrumental de Fleetwood Mac compuesto por Peter Green a finales de los sesenta e inspirado en un poema clásico. A continuación, suena el enérgico y divertido Surfin' Bird de The Trashmen, popularizado para las nuevas generaciones por la serie de televisión Padre de Familia, que fusiona dos temas originales de The Rivingtons. La calma llega de la mano de Bob Marley y su eterno Three Little Birds, lanzado en el álbum Exodus de 1977. Couselo explica que esta canción, que invita a no preocuparse por nada, fue compuesta en Jamaica tras sufrir un intento de asesinato, convirtiéndose en uno de los mayores himnos de optimismo de la música contemporánea. El programa continúa con Rockin' Robin de Bobby Day, un clásico del rock and roll de 1958 que más tarde versionaría un jovencísimo Michael Jackson. Este tema también cuenta con referencias literarias, como su aparición en la célebre novela It de Stephen King. Uno de los momentos cumbres del programa es el análisis de Blackbird, la obra maestra de The Beatles compuesta por Paul McCartney en 1968. Detrás de la aparente sencillez de este tema del White Album se esconde una metáfora de apoyo a la lucha por los derechos civiles de las mujeres negras en los Estados Unidos. La melancolía y el misterio se apoderan de las ondas con The Nightingale, interpretada por Julee Cruise con letra de David Lynch y música de Angelo Badalamenti, un tema que evoca la atmósfera de la mítica serie Twin Peaks. El director estadounidense suele recurrir a la simbología de las aves en sus producciones, utilizando al ruiseñor en este caso como un heraldo del amor frente a la tragedia. La relación entre la libertad y la pérdida se vuelve a hacer patente con Songbird, interpretada por Christine McVie en el legendario álbum Rumours de Fleetwood Mac, un trabajo marcado por las dolorosas rupturas internas de la banda. El vuelo de las aves también inspira la evolución en Fly Like an Eagle de Steve Miller Band, y la contracultura de San Francisco en Bluebird de Buffalo Springfield. Finalmente, el programa transita por el nacimiento del glam rock con Ride a White Swan de T. Rex y el pop de principios de los dos mil con I'm Like a Bird de Nelly Furtado. El broche de oro lo ponen The Alan Parsons Project con The Raven, inspirada en el célebre poema de Edgar Allan Poe, y el inmortal himno de rock sureño Free Bird de Lynyrd Skynyrd, un tributo al guitarrista Duane Allman que cierra la emisión.
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  Prohibido Contar Ovejas: La cosa en la niebla, con Martín Garabal, y otras historias de aviones 22.09.2026 1val 36min

  Repasamos la cinta de serie B, "La cosa en la niebla", de Cheday Reyes y analizamoa clásicos de acción y humor como 'Hot Shots!' o 'Air Force One'. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa de esRadio presentado por Felipe Couselo y Juanma González, la madrugada se viste de cine con un invitado muy especial. Los micrófonos del estudio reciben a Martín Garabal, reconocido actor, director y streamer argentino, quien se une a la charla para desgranar los detalles de su último proyecto cinematográfico y repasar una selección de películas míticas que se desarrollan en el interior de aviones. El núcleo de la conversación gira en torno a La cosa en la niebla, la ópera prima del director canario Cheday Reyes, escrita por Juanjo Ramírez Mascaró. Se trata de una desternillante comedia de terror que transcurre casi en su totalidad dentro de la cabina de un avión antiguo, lo que supuso un reto interpretativo mayúsculo para Garabal y su compañera de reparto, Elena de Lara, al tener que sostener la tensión dramática en un espacio sumamente claustrofóbico. Martín Garabal encarna a Ismael, un piloto de vuelta de todo que encaja en el arquetipo de macho alfa patético: un hombre que intenta aparentar una seguridad y una superioridad que en realidad no posee. Los colaboradores coinciden en alabar que la cinta huya del cinismo y de la ironía tan habituales en el cine contemporáneo, decidiéndose por abordar la comedia desde la seriedad de los personajes, lo que confiere a la historia un encanto clásico que recuerda a las producciones de serie B de los años ochenta y noventa. Durante la entrevista, el actor detalla cómo llegó al proyecto a través de un mensaje de Instagram de la productora Jugoplastika y bromea sobre las dificultades físicas del rodaje, señalando que su personaje no se levanta del asiento de la cabina hasta el minuto 41 debido a su imponente estatura de casi dos metros. Además, destaca el valor de utilizar efectos especiales tradicionales y maquetas, en un claro homenaje al cine de John Carpenter, frente al abuso de pantallas verdes del Hollywood actual. El segundo bloque del programa se centra en las películas de aviación más icónicas de la historia del cine. Los presentadores abren el repaso con la disparatada Hot Shots!, la célebre parodia de Top Gun protagonizada por Charlie Sheen. Felipe Couselo y Juanma González rememoran los gags más absurdos de esta comedia, que sigue siendo un referente indispensable del humor absurdo y de la que destacan el excelente trabajo de su reparto coral. A continuación, analizan el curioso fenómeno de Serpientes en el avión, el largometraje de acción y suspense encabezado por Samuel L. Jackson. Los locutores explican cómo la película se convirtió en un éxito viral en internet mucho antes de su estreno debido a lo delirante de su premisa, sirviendo hoy en día como un ejemplo clásico de la desconexión que a veces existe entre el ruido de las redes sociales y la taquilla real. La acción más pura llega de la mano de Con Air, el clásico de los noventa protagonizado por un carismático Nicolas Cage que se enfrenta a un peligroso grupo de convictos liderados por John Malkovich. Juanma González resalta el impresionante elenco de la cinta y su asombroso clímax en Las Vegas, comparándola con otras grandes producciones de la época como Pasajero 57, que encumbró a Wesley Snipes como héroe de acción. Finalmente, el programa rinde tributo a Air Force One, donde Harrison Ford encarna al presidente de los Estados Unidos definitivo, y a Decisión crítica, protagonizada por Kurt Russell. La velada concluye con la sintonía del tema Aeroplane de los Red Hot Chili Peppers, poniendo el broche de oro a una hora de radio dedicada a la comedia, el suspense y la pasión por el séptimo art.
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  Martín Garabal presenta 'La cosa en la niebla', un tributo a John Carpenter 22.09.2026 35min

  El intérprete argentino visita esRadio para detallar un largometraje de Chedey Reyes que homenajea con humor el cine de serie B de Carpenter. En esta nueva entrega del programa, los micrófonos de esRadio reciben al carismático actor, humorista y dibujante argentino Martín Garabal. El intérprete se encuentra en plena campaña de promoción de La Cosa en la Niebla, un largometraje dirigido por Chedey Reyes que rinde un cariñoso y divertido tributo al cine de aventuras de serie B y, de manera muy especial, a la icónica filmografía del director estadounidense John Carpenter. Durante la charla, Garabal desvela los entresijos de una producción tan peculiar y relata cómo la productora Marta Barrios se puso en contacto con él a través de un mensaje de Instagram tras quedar fascinada por su trabajo en la serie de internet Famoso. La trama de la película gira en torno a Ismael, encarnado por Garabal, un experimentado piloto de una aerolínea de dudosa reputación, y su joven copiloto Daniela, interpretada por la actriz Elena de Lara. Uno de los puntos más divertidos de la fase de preproducción fue el malentendido con la edad de Garabal; el equipo de dirección temía que fuera demasiado joven basándose en vídeos antiguos de 2010, pero al arrancar el rodaje de La Cosa en la Niebla en 2024, el actor contaba ya con la edad idónea para dar vida a este veterano aviador, consolidando una química actoral extraordinaria con su compañera de reparto. El rodaje supuso un auténtico desafío físico para el actor argentino, ya que el 98,5% de la acción transcurre en el interior de la cabina de un avión real. Con su imponente estatura de 1,96 metros de altura, Garabal tuvo serias dificultades para encajar en el reducido espacio y realizar movimientos mínimos sin desajustar el set. De hecho, bromea con que su personaje no se levanta del asiento hasta el minuto 41 de metraje —en una cinta que apenas dura 80 minutos— debido a lo sumamente complejo y ruidoso que resultaba maniobrar dentro de la cabina de vuelo. El personaje de Ismael se presenta como un curioso homenaje a los héroes carpenterianos: un tipo que presume de tipo duro y machista pero que resulta ser profundamente patético, entrañable y, en última instancia, redimible. Durante el vuelo, Ismael se dedica a beber cerveza y a comer cacahuetes de forma compulsiva, dejando toda la cabina sembrada de cáscaras, un detalle que los presentadores comparan humorísticamente con la adicción a los frutos secos de Fox Mulder en Expediente X. Este comportamiento desenfadado contrasta radicalmente con la actitud profesional y tensa de Daniela, lo que genera una gran comedia de situación. Lejos de caer en la parodia chabacana, la película apuesta por un humor muy particular donde los actores interpretan sus papeles con una seriedad absoluta. Garabal defiende firmemente que la comedia interpretada en serio, al más puro estilo de clásicos como Aterriza como puedas, es mucho más efectiva y orgánica. Este código actoral permite que el espectador se sumerja de lleno en la atmósfera de la película, empatizando con los personajes y transitando de manera natural entre el humor, la tensión del peligro y los momentos de genuina emoción. La acogida internacional de la película está siendo excelente, habiendo completado ya un exitoso recorrido por más de 26 festivales de cine de todo el mundo y cosechando hasta la fecha un total de 13 galardones en países como Brasil, México, Estados Unidos y los Países Bajos. El actor destaca la enorme calidez y el agradecimiento del público amante del cine fantástico y de terror de serie B, un sector de espectadores muy fiel que sabe valorar el enorme esfuerzo y el cariño depositado en producciones de presupuesto moderado. La conversación también deriva hacia una interesante reflexión sobre el estado actual de los efectos especiales en la industria cinematográfica. Garabal y los locutores critican el abuso sistemático de las pantallas verdes en las superproducciones de Hollywood, comparando la frialdad de los efectos modernos de Marvel con la maestría artesanal de películas como Jurassic Park (1993), donde la combinación de decorados reales, animatrónicos y CGI primitivo aportaba una veracidad inigualable que el espectador todavía hoy sigue percibiendo y agradeciendo. Finalmente, Garabal repasa sus proyectos más recientes en España, donde está cosechando un gran éxito gracias a la serie de Netflix Envidiosa. Además, el actor comparte su entusiasmo por su participación en Felicidades, la esperada nueva película dirigida por el aclamado cineasta español Álex de la Iglesia, cuyo estreno está previsto para el próximo mes de diciembre en la plataforma digital. Mientras tanto, La Cosa en la Niebla continuará su andadura con proyecciones especiales en Tenerife y diversas salas del territorio nacional.
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  Prohibido Contar Ovejas: Mero merezco 17.09.2026 1val 30min

  Felipe Couselo y su equipo analizan la música de Beck, Slipknot y la curiosa historia del cambio de nombre de Led Zeppelin entre muchas cosas En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, se respira el habitual ambiente de camaradería y humor. Acompañado por su equipo de colaboradores habituales —Miriam García, Juanma González, Alma Espinosa e Isaac Vizcaíno—, el presentador abre la noche debatiendo con ironía sobre la categoría de "elenco de campanillas" que ostenta el grupo y cómo afrontan la madrugada con energía. La conversación musical comienza analizando la televisión estadounidense, en concreto el conocido programa nocturno de Jimmy Fallon. El equipo comenta la reciente y sorprendente actuación de la banda de hardcore punk The Armed, que presentó un nuevo tema en directo caracterizado por su caos escénico, un juego de luces sincronizadas entre los instrumentos y una puesta en escena de lo más extravagante que dejó al público boquiabierto. A continuación, el programa se detiene en la figura del polifacético músico estadounidense Beck, destacando el lanzamiento de su sencillo más reciente, titulado Disappearing Act. Los colaboradores repasan su trayectoria desde sus inicios en los años noventa, cuando revolucionó la música alternativa con temas como Sexx Laws, y analizan cómo su madurez artística actual sigue ofreciendo composiciones introspectivas e interesantes, aunque alejadas del foco comercial de antaño. El metal extremo también tiene su hueco con el análisis del último y sorprendente lanzamiento de los estadounidenses Slipknot. Se debate sobre la convulsa situación interna de la banda tras la de Sid Wilson y el carisma incombustible de su líder vocal, Corey Taylor, cuya potente voz sigue marcando el estándar de la banda en sus arrolladores directos. Dando un giro radical hacia las raíces de la música americana, el equipo presenta a Pooky La Farge, nombre artístico del músico Andrew Heiser, y su tema My Baby Loves Me. La mesa redonda comenta la maestría con la que este artistica recupera géneros tradicionales como el blues, el country, el swing y el jazz, dotándolos de un aire fresco y contemporáneo. La energía más gamberra llega de la mano de The Meffs, un dúo británico de punk originario de Essex. Formado por la cantante y guitarrista Lily y el baterista Lewis, este grupo destaca por su actitud ruidosa y combativa, logrando un sonido en directo tan ensordecedor y potente que, según los colaboradores, supera con creces al de bandas con el doble de integrantes. El mundo de las artes escénicas se hace presente con la recomendación de La Familia Addams, el exitoso musical que se representa en el Teatro Calderón de Madrid. Con Natalia Millán en el papel estelar de Morticia, el equipo elogia la espectacular escenografía móvil de seis telones, el diseño de iluminación y la calidad interpretativa de todo el reparto, calificándolo como una opción perfecta tanto para adultos como para el público infantil. Finalmente, se produce el esperado debut de la sección de Alicia Parente, bautizada como Vodevil Overkill. La colaboradora narra una hilarante anécdota histórica acontecida en Copenhague en el año 1970, cuando la aristócrata Eva von Zeppelin, descendiente del inventor del dirigible, amenazó con demandar a la banda de rock Led Zeppelin por usurpar su apellido. Para evitar el litigio judicial, los músicos se vieron obligados a dar su concierto bajo el seudónimo de The Nobs.
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  Vodevil Ovejil: El día que Led Zeppelin tuvo que cambiar de nombre por la furia de una condesa 17.09.2026 17min

  Para evitar una demanda de una aristócrata, el grupo de Jimmy Page tuvo que dar un concierto en 1970 bajo el pseudónimo de 'The Nobs'. El programa de esRadio estrena una nueva sección itinerante de la mano de la colaboradora Alicia Parente, bautizada bajo el nombre de Bodevil Over Here. En este espacio, que promete llenar las madrugadas de anécdotas y humor, se propone un viaje por la historia de la música y del cine a través de dramatizaciones sonoras y un particular teatro improvisado. Para inaugurar esta andadura, la sección nos traslada a un insólito enfrentamiento acontecido en el norte de Europa a principios de la década de los setenta, donde se cruzaron los destinos de la aristocracia y una de las bandas más grandes de la historia del rock. La historia central se sitúa en la mañana del viernes 27 de febrero de 1970, en los estudios de la televisión pública de Dinamarca, en Copenhague. Allí se produjo el esperado cara a cara entre la condesa Eva von Zeppelin y los integrantes de la mítica formación británica de hard rock Led Zeppelin. La aristócrata, supuesta descendiente del famoso inventor del dirigible Ferdinand von Zeppelin, se encontraba profundamente disgustada por el uso que los músicos hacían de su ilustre apellido familiar, el cual consideraba que estaba siendo manoseado sin su consentimiento por un grupo de —según sus propias palabras— "monos chillones". Desde el cambio de nombre de la banda en 1968 —anteriormente conocidos como los New Yardbirds— la condesa había iniciado una cruzada telefónica constante contra las oficinas de la representación del grupo, la compañía RAC. Ante la persistencia de las protestas y el temor a que la situación pudiera derivar en problemas legales graves, el mánager del grupo, Peter Grant, instó a los miembros de la banda a buscar una solución amistosa para calmar los ánimos de la noble. Fue el guitarrista Jimmy Page, que por aquel entonces contaba con veintiséis años, quien propuso una idea para resolver el conflicto: invitar a la condesa a tomar el té con ellos para charlar amigablemente y convencerla de sus buenas intenciones. A pesar del escepticismo inicial del vocalista Robert Plant, quien no entendía la relevancia de las quejas de la mujer argumentando que la banda ya era famosa en todo el mundo, el grupo accedió a organizar el encuentro amistoso en la capital danesa. Durante la cita en los estudios de televisión, la tensión inicial en la sala era casi palpable, pero gracias a la diplomacia de Jimmy Page, que actuó como portavoz de la banda, la condesa comenzó a suavizar su postura. Eva von Zeppelin llegó incluso a mostrarse cordial con los músicos mientras disfrutaban de una taza de té, lo que hizo pensar a los presentes que el conflicto familiar estaba totalmente en vías de solución y que la demanda judicial quedaría en el olvido. Sin embargo, la paz duraría muy poco. Al término de la reunión, mientras el mánager Peter Grant mostraba las instalaciones a la invitada, un miembro del equipo tuvo la ocurrencia de enseñarle la portada del primer álbum de la banda. En dicha portada aparecía una ilustración del famoso dirigible Hindenburg devorado por las llamas durante su trágico accidente en 1937. Al ver la imagen de la catástrofe asociada a su apellido, la condesa entró en cólera de forma inmediata, insultando a los músicos y prometiendo llevarlos ante los tribunales. Para evitar una costosa demanda civil y poder realizar el concierto programado para el día siguiente, el sábado 28 de febrero de 1970 en Copenhague, los músicos se vieron obligados a tomar una decisión de urgencia: cambiar temporalmente el nombre del grupo. De este modo, Led Zeppelin se presentó ante el público danés bajo el seudónimo de The Nobs, ofreciendo un recital memorable que concluyó con una enérgica versión del clásico Long Tall Sally. Gracias a esta rápida maniobra de distracción, la banda logró eludir el conflicto legal y continuar con su exitosa gira europea. El divertido relato sirve de pretexto para que el equipo de esRadio comente, entre risas, los detalles de la grabación de las voces que han dado vida a los personajes de la condesa, sus ayudantes y los propios músicos de la banda. Los colaboradores bromean sobre la interpretación de los distintos papeles y celebran el éxito de esta primera entrega de la sección, la cual promete seguir trayendo a las ondas las historias más curiosas del panorama musical.
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  El Resplandior: Llega la Comic Con 17.09.2026 25min

  La cita malagueña de cultura popular reúne a los actores de Los Serrano, al director Kevin Smith y celebra el éxito de la serie One Piece. La segunda edición de la Málaga Comic Con se presenta como uno de los grandes acontecimientos de la temporada para los amantes de la cultura popular en España. Durante la tertulia en esRadio, los colaboradores comentan con humor la llegada de esta fusión de la prestigiosa marca estadounidense con la provincia andaluza. El certamen promete ampliar su oferta respecto al año anterior, reuniendo a una impresionante lista de autores, dibujantes de cómics y celebridades que atraerán a miles de aficionados durante las jornadas del evento. Uno de los contenidos más comentados del programa es el universo de la serie de Netflix One Piece. Tras el lanzamiento del tráiler de su segunda temporada en imagen real, los tertulianos elogian cómo la plataforma ha sabido trasladar con éxito el carismático espíritu del manga de Eiichiro Oda. En particular, se resalta la participación del actor con raíces españolas Taz Skylar, muy popular entre el público joven, y el excelente papel del mexicano Iñaki Godoy como Luffy, cuya expresividad corporal y simpatía logran recrear casi a la perfección al icónico protagonista animado. La nostalgia nacional tendrá un espacio fundamental en el festival gracias al reencuentro del elenco de Los Serrano. Esta emblemática serie de televisión, que marcó a toda una generación de espectadores en la década de los dos mil, contará con la participación de figuras de su reparto original como Antonio Resines y Fran Perea. Los colaboradores de esRadio rememoran con humor el enorme impacto social de la ficción y la enorme expectación que genera volver a ver juntos a los miembros de la familia televisiva más famosa de España. El cine independiente norteamericano también brillará con luz propia gracias a la reunión especial de la comedia de culto Mallrats. El propio director de la cinta, Kevin Smith, junto a los actores principales Jason Lee y Michael Rooker, desembarcará en el festival para conmemorar esta obra clave del panorama cinematográfico de los noventa. Los comentaristas reivindican la trascendencia de la comedia de Smith, conocida por sus agudos diálogos sobre cómics y relaciones sentimentales, la cual anticipó la actual era del fenómeno fan de masas. Para completar el menú nostálgico, el programa repasa la trayectoria de Christopher Lambert, célebre protagonista de la saga fantástica Los inmortales. Los colaboradores hacen un viaje por la filmografía de este carismático actor, rescatando títulos muy queridos de los videoclubs de los años ochenta y noventa como Presa de la secta o Jaque al asesino, antes de recordar cómo la historia de Connor MacLeod se convirtió en un fenómeno global imprescindible para comprender el cine de entretenimiento de la época. El cierre de esta sección cultural viene marcado por la icónica sintonía de MacGyver, la mítica serie de televisión de acción protagonizada por Richard Dean Anderson. Los locutores bromean sobre las ingeniosas habilidades del célebre héroe antes de despedir el programa con el clásico himno de la banda británica Oasis, Champagne Supernova, un broche final lleno de energía que resume el espíritu desenfadado y melómano de esta completa crónica sobre el panorama del entretenimiento contemporáneo.