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  Puro Jazz 04 de agosto, 2026 05.08.2026 59min

  Después de tanto oír las bandas de Ellington y Basie, vale la pena detenerse en otras grandes orquestas del swing que son menos conocidas aunque que hicieron aportes fundamentales al desarrollo del jazz. En esta sesión escucharemos tres excelentes big bands del Swing: Luis Russell, Erskine Hawkins y Cootie Williams.LUIS RUSSELL AND HIS ORCHESTRA: - New York, 1930 - Saratoga shout, Louisiana swing - Louis Metcalf (tp) J.C. Higginbotham (tb) Charlie Holmes (cl,as) Teddy Hill (ts) Luis Russell (p,dir) Will Johnson (bj,g) Bass Moore (tu) Paul Barbarin (d) Walter “Fats” Pichon (vcl) - New York September 30, 1930 - Panama - Henry “Red” Allen, Bill Coleman (tp) J.C. Higginbotham (tb,vcl) Albert Nicholas (cl,as) Charlie Holmes (as,sop) Teddy Hill (ts) Luis Russell (p,dir) Will Johnson (bj,g) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d) vocal trio (1) only (Henry - New York, August 8, 1934 - My blue heaven (sw vcl,*), Ghost of the freaks (tpb vcl), Hokus pokus, Primitive - Rex Stewart (cnt) Leonard Davis, Gus Aiken (tp) Nat Story, Jimmy Archey (tb) Henry Jones (as) Charlie Holmes (as,cl) Bingie Madison, Greely Walton (ts,cl) Luis Russell (p,dir) Lee Blair (g) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d,vib) Sonny Woods, The Palmer Brothers (vcl)Luis Russell ocupa un lugar singular en la historia del jazz. Nacido en Panamá, inició su carrera profesional en Nueva Orleans antes de establecerse en Chicago y, posteriormente, en Nueva York. Esa trayectoria le permitió reunir dos mundos: la espontaneidad del jazz de Nueva Orleans y el creciente refinamiento de las grandes orquestas. Aunque nunca alcanzó la popularidad de Duke Ellington o Count Basie, su conjunto fue uno de los primeros en anticipar el lenguaje del swing.El período más brillante de la orquesta se concentró entre 1929 y 1930. En esos años desarrolló un sonido poderoso, basado en secciones de metales cuidadosamente organizadas, una sólida base rítmica y arreglos que privilegiaban la fuerza del conjunto por encima del lucimiento individual. Al mismo tiempo, reunió a algunos de los mejores solistas de su generación, entre ellos Henry “Red” Allen, J. C. Higginbotham, Barney Bigard, Omer Simeon, Pops Foster y Paul Barbarin.Grabaciones como “Louisiana Swing” y “Saratoga Shout” muestran a una orquesta en plena madurez artística. En 1935, Louis Armstrong asumió el liderazgo de la agrupación, mientras Russell permanecía como director musical, poniendo fin a una de las etapas más innovadoras y menos reconocidas del jazz anterior a la era del swing.Los invito a suscribirse gratuitamente y diariamente recibirán nuestra circular con comentarios sobre el programa y un enlace directo a la música.ERSKINE HAWKINS AND HIS ORCHESTRA - New York, 6/29/1942 - Tuxedo Junction, Hawk’s boogie, Country boy, Lucky seven [Bill’s tune], Bicycle bounce - Erskine Hawkins (tp,vcl,arr) Sammy Lowe, Charlie Jones, Wilbur “Dud” Bascomb (tp) Ed Sims, Don Coles, David “Jelly” James, Norman Greene (tb) Bobby Smith (as) Jimmy Mitchell (as,vcl) Julian Dash, Paul Bascomb (ts) Haywood Henry (bar,cl) Gene Rodgers (p) Bill Johnson (g) Leemie Stanfield (b) Kelly Martin (d)Erskine Hawkins fue uno de los grandes arquitectos del swing que surgió en lugares no tradicionales del jazz. Formada originalmente en el Alabama State Teachers College bajo el nombre de “Bama State Collegians”, su orquesta llegó a Nueva York a finales de los años treinta y pronto se convirtió en una de las atracciones permanentes del Savoy Ballroom de Harlem. Allí desarrolló un estilo enérgico y profundamente bailable que la distinguió entre las grandes bandas de la época.El sonido de la orquesta se apoyaba en una poderosa sección de metales, una sólida base rítmica y arreglos que combinaban precisión con amplios espacios para la improvisación. Al frente, Hawkins impresionaba con el brillante registro agudo de su trompeta, una cualidad que le valió el apodo de “Gabriel del siglo XX” y que revelaba la profunda influencia de Louis Armstrong.Su mayor éxito fue “Tuxedo Junction”, composición inspirada en un popular punto de encuentro de la comunidad afro-estadounidense de Birmingham. Aunque la versión de Glenn Miller convirtió la melodía en un éxito internacional, la grabación original de Hawkins conserva toda la energía, el swing y el carácter bailable que hicieron famosa a la orquesta. Junto a títulos como “After Hours”, “Bear Mash Blues” y “King Porter Stomp”, constituye el mejor testimonio de una de las grandes bandas de la era del swing.COOTIE WILLIAMS AND HIS ORCHESTRA: - New York, 1942 - Is you is or is you ain’t my baby (ecv vcl), Somebody’s gotta go (ecv vcl), ‘Round midnight [Round about midnight] - Cootie Williams, E.V. Perry, George Treadwell, Lammar Wright, Tommy Stevenson (tp) Ed Burke, Bob Horton, Ed Glover (tb) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Frank Powell (as) Sam “The Man” Taylor, Lee Pope (ts) Eddie De Verteuil (bar) Bud Powell (p) Leroy Kirkland (g) Carl Pruitt (b) Sylvester “Vess” Payne (d) - New York, February 26, 1945 - I’m beginning to see the light (tw vcl) - Cootie Williams, Harold “Money” Johnson, E.V. Perry, George Treadwell (tp) Ed Burke, Bob Horton (tb) Charlie Parker, Frank Powell (as) Lee Pope, Sam “The Man” Taylor (ts) Eddie De Verteuil (bar) Arnold Jarvis (p) Leroy Kirkland (g) Carl Pruitt (b) Sylvester “Vess” Payne (d) Tony Warren (vcl) Rupert Cole (as) replaces Charlie Parker - New York, May 29, 1945 - Juice head baby (ecv vcl), Jitterbug serenade (cw ? vcl,*), Mood for Coot, When my baby left me , Everything but you - Cootie Williams, E.V. Perry, George Treadwell, Billy Ford, Gene Redd (tp) Ed Burke, Danny Logan, Bob Horton (tb) Rupert Cole (as) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Sam “The Man” Taylor, Lee Pope (ts) George Favors (bar) Arnold Jarvis (p) Carl Pruitt (b) Sylvester “Vess” Payne (d)Cuando Cootie Williams dejó la orquesta de Duke Ellington en 1940 para formar su propia big band, ya era reconocido como una de las voces más originales de la trompeta en el jazz. Su característico sonido gutural, obtenido mediante el uso del sopapo, había sido uno de los sellos distintivos del célebre “Jungle Style” de Ellington. Sin embargo, como líder, Williams prefirió mirar hacia el futuro antes que recrear el pasado.Su orquesta se convirtió rápidamente en uno de los conjuntos más innovadores de comienzos de los años cuarenta, al combinar un swing vigoroso, una profunda raíz blues y los primeros elementos del naciente bebop. Más importante aún, fue un verdadero semillero de jóvenes talentos, entre ellos Bud Powell, Eddie “Cleanhead” Vinson, Eddie “Lockjaw” Davis, Joe Guy e, incluso por un breve período, Charlie Parker.Williams también abrió sus puertas a nuevos compositores y arreglistas. En 1944 su orquesta realizó la primera grabación comercial de “’Round Midnight”, de Thelonious Monk, contribuyendo a dar a conocer una de las composiciones más importantes de la historia del jazz. Aunque nunca alcanzó el éxito comercial de las grandes orquestas del swing, desempeñó un papel decisivo en la transición hacia el jazz moderno. Grabaciones como “Blue Garden Blues”, “Epistrophy”, “House of Joy” y “Salt Lake City Bounce” muestran a una banda firmemente anclada en el swing, pero con la mirada puesta en el futuro.Con estas tres grandes orquestas de swing que, pese a su enorme calidad, nunca alcanzaron el reconocimiento de Ellington o Basie hemos concluido la sesión de esta noche: Luis Russell, el puente entre el jazz de Nueva Orleans y el nacimiento del swing; Erskine Hawkins, creador de una de las bandas más vibrantes y bailables de la época; y Cootie Williams, cuya orquesta abrió el camino hacia el bebop. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 03 de agosto, 2026 04.08.2026 59min

  NASHEET WAITS NEW YORK LOVE LETTER - New York Central Park May 2021 & “Hunter College”, March 2022 - The Summit, Snake hip waltz, Tough Love - Mark Turner (sax) Steve Nelson (vib) Rashaan Carter (b) Nasheet Waits (d)Conocido durante años como uno de los bateristas más creativos del jazz contemporáneo, Nasheet Waits confirma en *New York Love Letter* que también posee una voz muy personal como compositor y líder de grupo. Grabado en vivo junto al saxofonista Mark Turner, el vibrafonista Steve Nelson y el contrabajista Rashaan Carter, el álbum prescinde del piano para construir una sonoridad abierta, transparente y llena de matices.Las composiciones de Waits se distinguen por su sólida arquitectura y por un desarrollo melódico y armónico poco frecuente en el jazz actual. Sin buscar imitar a Thelonious Monk, algunas de ellas evocan su manera de construir temas con formas imprevisibles y gran personalidad. A ellas se suman versiones de Andrew Hill, Jason Moran y dos composiciones de John Coltrane, integradas con naturalidad al concepto del álbum.El cuarteto mantiene un equilibrio ejemplar entre escritura e improvisación. Mark Turner vuelve a demostrar por qué es uno de los grandes saxofonistas de su generación, mientras Steve Nelson y Rashaan Carter aportan sensibilidad y profundidad en cada intervención. Al frente de todo, Waits conduce el conjunto con una batería siempre musical, expresiva y al servicio de la obra colectiva. El resultado es uno de los trabajos más logrados de su carrera como líder.New York Love Letter (Bittersweet) is quite the ride for both performers and listeners. Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz” te invito a suscribirte gratis aquí: KALIA VANDEVER REGROWTH - Brooklyn, NY, c. 2021 - An unwelcome visit (1,2,3), More of the good stuff later (2,3), Pick it up (and drop it again) - Kalia Vandever (tbn) Immanuel Wilkins (sa) Paul Cornish (p) Lee Meadvin (g) Nick Dunston (b) Connor Parks (dr)Con *Regrowth*, la trombonista y compositora Kalia Vandever confirma el notable crecimiento que ya anunciaba su debut, *In Bloom*. Al frente de un quinteto integrado por Paul Cornish en piano, Lee Meadvin en guitarra, Nick Dunston en contrabajo y Connor Parks en batería, además de la participación especial del saxofonista Immanuel Wilkins, Vandever desarrolla una propuesta donde la composición ocupa un lugar tan importante como la improvisación.Sus obras nacen a menudo de pequeñas ideas descubiertas durante sus propias improvisaciones, que luego transforma en piezas de gran coherencia. A partir de motivos breves y repetitivos construye un lenguaje que combina la influencia del minimalismo con la libertad del jazz contemporáneo. En algunos momentos recuerda la intensidad espiritual de Pharoah Sanders; en otros, la economía de recursos de Steve Reich, siempre con una voz propia.El diálogo entre el trombón de Vandever y el saxofón de Wilkins constituye uno de los grandes atractivos del álbum, especialmente en piezas como *Soft* y *An Unwelcome Visit*. Sin buscar el virtuosismo por sí mismo, *Regrowth* privilegia el desarrollo colectivo, las texturas y la profundidad expresiva. Es un trabajo maduro que confirma a Kalia Vandever como una de las compositoras e instrumentistas más originales de la nueva generación del jazz estadounidense.STAN TRACEY JAZZ SUITE UNDER MILK WOOD - London, May 8, 1965 - Cockle row, Starless and bible black, No Good Boyo, Under Milk Wood - Bobby Wellins (ts) Stan Tracey (p) Jeff Clyne (b) Jackie Dougan (d)Considerada una de las obras fundamentales del jazz británico, la Jazz Suite de Stan Tracey inspirada en la obra Under Milk Wood de Dylan Thomas, marcó un punto de inflexión cuando apareció en 1965. Aunque nació inspirada en la célebre obra radiofónica del poeta galés Dylan Thomas, el álbum trasciende su origen literario para convertirse en una brillante afirmación del talento de Stan Tracey como compositor, pianista y líder de grupo.El cuarteto reúne a Bobby Wellins en saxo tenor, Jeff Clyne en contrabajo y Jackie Dougan en batería, un conjunto que logra un equilibrio excepcional entre lirismo, swing y modernidad. Wellins ofrece algunas de las interpretaciones más memorables de su carrera, especialmente en Starless and Bible Black y en la delicada pieza que da título al álbum. Mientras tanto, la sección rítmica sostiene cada movimiento con una flexibilidad admirable, permitiendo que el lenguaje pianístico de Tracey —de claras afinidades con Thelonious Monk, aunque profundamente personal— se despliegue con absoluta naturalidad.Más que una simple colección de temas, la suite posee una notable unidad musical. Cada episodio conduce al siguiente con una lógica narrativa poco habitual en este tipo de proyectos, culminando en el vibrante A.M. Mayhem. Se trata de un disco que no solo ocupa un lugar central en la historia del jazz británico, sino que sigue siendo, siete décadas después, una obra de extraordinaria frescura y creatividad.Esta publicación es pública, la puedes compartir: This is a public episode. 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  Puro Jazz 30 de julio, 2026 31.07.2026 58min

  ART TAYLOR TAYLOR’S TENORS - Hackensack, NJ, June 3, 1959 - Dacor, Fidel, Straight no chaser - Frank Foster, Charlie Rouse (ts) Walter Davis, Jr. (p) Sam Jones (b) Art Taylor (d)Aunque participó en innumerables sesiones fundamentales del jazz moderno, el baterista Art Taylor grabó relativamente pocos discos como líder. “Taylor’s Tenors”, su segundo, fue registrado en 1959 para Prestige y presenta una formación con dos destacados saxofonistas: los tenores Charlie Rouse y Frank Foster. Aunque ambos pertenecían al lenguaje del hard bop, sus estilos ofrecían un interesante contraste: Rouse, más seco, angular y contenido; Foster, de fraseo más expansivo y directamente ligado al swing de las grandes orquestas, en esa época, él todavía era integrante de la orquesta de Count Basie. Taylor, uno de los bateristas más solicitados del sello. Apreciado por su pulso firme, su imaginación rítmica y una forma de acompañar que impulsaba a los solistas sin imponerse sobre ellos. Además, integraba por esos años el quinteto de Thelonious Monk, de donde provenía también Rouse, quien pronto se convertiría en uno de los colaboradores más identificados con la música del pianista.El programa reúne piezas de Jackie McLean, de Rouse, Walter Davis Jr. y el propio Taylor; y dos clásicos de Monk. Más que una simple sesión de dos tenores, el disco documenta una conversación lúcida y estimulante entre dos voces muy diferentes, sostenidas por la autoridad rítmica de Art Taylor.¡Gracias por leer “Roberto Barahona Puro Jazz”! Suscríbete gratis para recibir nuevas publicaciones y apoyar mi trabajo.KEITH JARRETT TRIO LIVE “THE DEER HEAD INN”, Delaware Water Gap, PA, September 16, 1992 - Basin Street blues, Solar - Keith Jarrett (p) Gary Peacock (b) Paul Motian (d)“At The Deer Head Inn” registra una actuación en vivo realizada en 1992 en un pequeño club de jazz situado cerca de Allentown, Pensilvania. Para Keith Jarrett este no era un escenario cualquiera. Allí, con apenas 16 años, reemplazó al pianista residente Johnny Coates en lo que fue su primer trabajo como músico profesional. Regresar más de tres décadas después tenía, sin duda, un profundo significado personal.Lo acompañan Gary Peacock y Paul Motian, el inolvidable baterista que integró durante más de una década el célebre trío de Bill Evans. No resulta difícil encontrar aquí un eco de aquella concepción musical: un piano que dialoga de manera permanente con el contrabajo y la batería, donde los tres músicos participan en pie de igualdad, escuchándose y construyendo cada interpretación de forma colectiva.Esta edición reúne por primera vez la actuación completa de aquella noche. Además de su evidente interés histórico, el álbum adquiere hoy un valor aún mayor. Paul Motian y Gary Peacock ya no están entre nosotros, y Keith Jarrett debió retirarse de los escenarios tras los problemas de salud que marcaron el final de su carrera. Queda, entonces, el testimonio de tres músicos excepcionales en un ambiente íntimo y sin artificios, transformando estándares del jazz en una conversación espontánea, llena de imaginación, sensibilidad y un swing profundamente humano.LESTER BOWIE’S NEW YORK ORGAN ENSEMBLE THE ORGANIZER - Brooklyn, NY, January 14-16, 1991 - Sonala Nobala, The burglar - Lester Bowie (tp,flhrn) Steve Turre (tb) James Carter (ts) Amina Claudine Myers (org,vcl) Famoudou Don Moye (d,perc 2) Phillip Wilson (d 1) replacing Moye,En 1991, durante un receso de sus actividades con el Art Ensemble of Chicago y Lester Bowie’s Brass Fantasy, el trompetista Lester Bowie decidió regresar a las raíces musicales de su juventud en St. Louis. Antes de convertirse en una de las figuras más innovadoras del jazz de vanguardia, había crecido escuchando los populares conjuntos liderados por órgano Hammond, una tradición profundamente ligada al blues, el góspel y el soul.Para este proyecto reunió un grupo excepcional: la organista Amina Claudine Myers, el joven y explosivo saxofonista James Carter, el trombonista Steve Turre y dos bateristas estrechamente vinculados al Art Ensemble of Chicago, Phillip Wilson y Famoudou Don Moye. El resultado es una música que respeta la tradición de los grupos del órgano Hammond B3, pero la enriquece con la libertad creativa y la personalidad de cada uno de sus integrantes.El repertorio incluye tres composiciones de Bowie, además de obras de Myers y Turre, junto con una emotiva versión de “Angel Eyes”, en homenaje al gran Gene Ammons. Aunque James Carter y Amina Claudine Myers ocupan buena parte del espacio solista, Bowie reserva su intervención más extensa para la suite final, “Brooklyn Works”, cerrando un álbum que combina con naturalidad la calidez del soul jazz con el espíritu explorador que caracterizó toda su carrera. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 29 de julio, 2026 30.07.2026 59min

  FRANK FOSTER FEARLESS FRANK FOSTER - New York, December 2, 1965-Baby Ann, Jitterbug waltz - Virgil Jones (tp) Frank Foster (ts) Albert Dailey (p) Bob Cunningham (b) Alan Dawson (d)El disco Fearless Frank Foster -el valiente Frank Foster- representa un momento decisivo en la trayectoria de Foster. Cuando se retiró de la orquesta de Count Basie, el saxofonista tenor comenzó a desarrollar una voz más personal, dejando atrás el sonido más contenido de sus primeros años y acercándose a la intensidad y libertad expresiva que John Coltrane había llevado al primer plano del jazz moderno.Al frente de un sólido quinteto integrado por Virgil Jones en trompeta, Albert Dailey en piano, Bob Cunningham en contrabajo y Alan Dawson en batería, Foster construye un álbum en el que conviven el hard bop, el soul jazz y una energía rítmica contagiosa. La sección rítmica mantiene un impulso constante, mientras el diálogo entre el tenor de Foster y la trompeta de Jones aporta tensión y vitalidad a cada interpretación.El repertorio incluye cinco composiciones originales, entre ellas “Raunchy Rita”, “Disapproachment”, “Baby Ann” y “Janie Huk”, además de una inspirada versión del clásico de Fats Waller “Jitterbug Waltz”. Aunque algunas piezas incorporan elementos cercanos al funk, el lenguaje permanece firmemente arraigado en el hard bop.Más allá de su prestigiosa labor como arreglista y compositor para Count Basie, el álbum revela a Frank Foster como un improvisador de primera línea.¡Gracias por leer “Roberto Barahona Puro Jazz”! Suscríbete gratis para recibir nuevas publicaciones y apoyar mi trabajo.ROSINHA DE VALENÇA APRESENTANDO, Rio de Janeiro lanzamiento 1963 - Tristeza Em Mim, Tema Do Boneco De Palha, Ela É Carioca, Praça 11, Consolação, Estrada Do Nada - Rosinha De Valença (g,voz), Oscar Castro Neves (p/org/g) Jorginho da Flauta (fl) Sérgio de Oliveira (b) Dom Um Romão (dr)Rosinha de Valença irrumpió en la escena musical brasileña a comienzos de los años sesenta con un estilo que amplió el lenguaje de la bossa nova dándole un toque jazzístico, especialmente en sus improvisaciones, desde la guitarra. Nacida en Valença, Estado de Río de Janeiro, llevó a la sofisticada escena carioca una sensibilidad propia, profundamente ligada a las tradiciones musicales del interior de Brasil, pero perfectamente integrada al refinamiento armónico y rítmico que caracterizaba al nuevo movimiento.“Apresentando”, grabado en Río de Janeiro en 1963, fue su carta de presentación y reveló de inmediato una personalidad artística singular. Su sonido posee una resonancia cálida y una precisión rítmica extraordinaria, mientras su fraseo combina delicadeza, fluidez y una imaginación melódica que recuerda, por momentos, al gran Baden Powell, aunque siempre con una voz propia e inconfundible.Acompañada por un excelente grupo encabezado por Oscar Castro-Neves, junto al flautista “Jorginho”, el bajista Sergio de Oliveira y el baterista “Dom Um Romão” el Art Blakey de la Bossa, Rosinha interpreta clásicos de Antonio Carlos Jobim, Baden Powell, Noel Rosa y João Donato con una naturalidad que evita todo virtuosismo ostentoso. En praça 11 paricipa Nelson Martins do Santos “Nelsinho” en trombón.En piezas como “Consolação” o “Ela É Carioca”, cada nota parece surgir con absoluta espontaneidad, mientras que sus ocasionales intervenciones vocales añaden un encanto íntimo y muy personal.Con el paso de los años, Rosinha de Valença se consolidaría como una de las grandes guitarristas de la música brasileña. Sin embargo, este primer álbum ya contiene todos los elementos que definirían su arte: elegancia, lirismo, riqueza rítmica y una capacidad poco común para transformar melodías conocidas en interpretaciones profundamente originales. Es una de las joyas discretas de la primera generación de la bossa nova.ROLAND HANNA THE NEW YORK JAZZ QUARTET IN CHICAGO, July 27, 1981 - Wisteria, Raise a ruckus, You don’t know what love is - Frank Wess (ts,fl) Sir Roland Hanna (p) George Mraz (b) Ben Riley (d)El pianista Roland Hanna dejó la orquesta de Thad Jones y Mel Lewis para formar un cuarteto que reflejaba su visión de un jazz basado en la colaboración y el equilibrio entre sus integrantes. “The New York Jazz Quartet in Chicago”, grabado en 1981, es uno de los mejores testimonios de ese proyecto y muestra a un grupo que había desarrollado un lenguaje colectivo poco común.Junto a Hanna participan Frank Wess en saxo tenor y flauta, George Mraz en contrabajo y Ben Riley en batería, cuatro músicos de enorme experiencia que aportan composiciones al repertorio, otorgando al álbum una notable variedad de climas y enfoques.Desde la apertura con “Four the Hard Way”, construida sobre inesperadas pausas y arranques, queda claro que no se trata del habitual disco de solistas con sección rítmica. “Raise a Ruckus” ofrece un blues moderno de gran energía, mientras las composiciones de Thad Jones recuerdan la estrecha relación de Hanna con su antiguo director. El momento más emotivo llega con “You Don’t Know What Love Is”, donde Frank Wess ofrece una interpretación de extraordinaria sensibilidad, evocando la calidez de Lester Young, acompañado con exquisita sutileza por Hanna, Mraz y Riley.Con arreglos sobrios, un sonido transparente y una comunicación constante entre sus integrantes, este álbum demuestra que la verdadera sofisticación no depende de la complejidad, sino de la capacidad de cuatro grandes músicos para escucharse y construir un discurso común. Es una pequeña joya del jazz moderno que merece ser redescubierta. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 28 de julio, 2026 29.07.2026 58min

  BOBBY HACKETT “AND HIS DIXIELANDERS” - New York, June 22, 1948 Oh baby, On the sunny side of the street, My honey’s lovin’ arms Bobby Hackett (tp) Cutty Cutshall (tb) Peanuts Hucko (cl) Ernie Caceres (bar) Charlie Queener (p) Eddie Condon (g) Irv Manning (b) Morey Feld (d)Bobby Hackett nació en 1915 dejó el colegio a los 14 años para tocar guitarra y violín en un restaurante. Influenciado por Louis Armstrong decidió aprender corneta y trompeta. Tocó en varias bandas locales hasta que una buena crítica lo llevó a Nueva York en 1937. Aunque admiraba a Armstrong, se hizo conocido por su estilo cercano a Bix Beiderbecke, al punto que Benny Goodman lo invitó a recrear un solo en el concierto del Carnegie Hall en 1938.En las sesiones de V Disc realizadas en junio y octubre de 1948, grabadas en el Wor Guild Theater and Playhouse de Nueva York, la figura central es sin duda Hackett. Diez años antes se le consideraba un cornetista de sonido delicado y rango limitado, pero para entonces había estudiado a fondo su instrumento y alcanzado una potencia y seguridad notables. Eso se siente de inmediato en “Oh, Baby!”, donde su forma de tocar aparece firme, equilibrada y con un poder sonoro nuevo en él. Su trabajo en “Struttin’ with Some Barbecue” es igual de llamativo: en sus improvisaciones mezcla fraseos melódicos con ideas basadas en acordes que avanzan con naturalidad y elegancia. También destaca la energía de la banda con un un ritmo vertiginoso en “My Honey’s Lovin’ Arms”; el empuje del baterista Morey Feld, resulta en una versión arrolladora. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona Puro Jazz”! Suscríbete gratis para recibir nuevas publicaciones y apoyar mi trabajo.FATS WALLER “V DISC SESSION RCA VICTOR STUDIOS” - New York City, September 16, 1943 Ain’t misbehavin’, Two sleepy people, (Medley : Slightly less than wonderful (1,2)There’s a gal in my life), (Medley : This is so nice it must be illegal, Martinique) Waller jive, A birdie’s lamentFats Waller (p,vcl)Thomas “Fats” Waller es recordado sobre todo por su sentido del humor y su formidable personalidad, pero fue muchísimo más que eso. Fue uno de los grandes pianistas del estilo stride, el primer organista del jazz, un excelente cantante y un compositor notable. De su pluma salieron clásicos como Honeysuckle Rose, Ain’t Misbehavin’, Black and Blue (la primera canción en denunciar el racismo). SU vida fue una fiesta constante con comida, whisky, mujeres y música en cantidades industriales.En la sesión VDisc del 16 de septiembre de 1943, grabada en los estudios RCA Victor de Nueva York, Waller relajado y satisfecho, alimentado por generosas dosis de whisky Cutty Sark, abre con Ain’t Misbehavin’ y Two Sleepy People, mezclando éxitos y temas de su musical de Broadway Early to Bed. En There’s a Gal in My Life recuerda lo dulce que podía cantar, mientras que en This Is So Nice It Must Be Illegal -esto es tan agradable que debe se ilegal- el whisky claramente toma el control, aunque mantiene sólido control en el piano.PEANUTS HUCKO AND HIS MEN - New York, April 10, 1947 Sweet Georgia Brown, Blintzes bagel boogie Bobby Hackett (tp) Fred Ohms (tb) Peanuts Hucko (cl) Cliff Strickland (ts) Charlie Queener (p) Jack Lesberg (b) Morey Feld (d) - New York, May 14, 1947 Stealin’ apples Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d) - New York, June 6, 1947 Peanut butter, Someday sweetheart, Stolen peanuts Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d) Michael “Peanuts” Hucko fue un clarinetista que casi siempre sonó demasiado como Benny Goodman. Se movía con gran soltura tanto en el swing como en el dixieland. Al principio se concentró principalmente en el saxo tenor especialmente en las bandas de Jack Jenney, Will Bradley (1939–41), Joe Marsala, Charlie Spivak (1941–42) y Bob Chester.Su verdadera voz como clarinetista apareció cuando formó parte de la Glenn Miller Army Air Force Band (1943–45), donde era uno de los solistas principales. Después del ejército, trabajó con las orquestas de Goodman (volviendo al tenor en 1945–46) y Ray McKinley (1946–47), lideró sus propios grupos y colaboró con Eddie Condon.En la década de los años cincuenta, se dedicó más al trabajo de estudio, pero continuó haciendo giras, una europea en 1957 con Jack Teagarden y Earl Hines, y entre 1958 y 1960 fue parte de los AllStars de Louis Armstrong. Después, entre 1964 y 66, trabajó como músico freelance —incluyendo la banda de la casa del Condon’s Club. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 27 de julio, 2026 28.07.2026 57min

  En esta sesión concluimos la serie de cuatro programas dedicados al pianista y compositor Chick Corea. En los tres programas anteriores recorrimos las distintas etapas de su carrera desde sus comienzos en el jazz afro-caribeño, la revolución de la fusión, sus grandes grupos, los tría y su permanente capacidad de reinventarse. CHICK COREA “CHANGE” - Los Angeles, 1999 - Armando’s tango, Early afternoon blues - Steve Davis (tb) Steve Wilson (sop,as,fl,cl) Bob Sheppard (ts,b-cl,fl) Chick Corea (p,marimba) Avishai Cohen (b) Jeff Ballard (d)Al disolver la “Elektric Band”, Chick Corea volvió a orientar su atención hacia el jazz acústico. Mientras buscaba artistas para su recién creado sello Stretch Records, descubrió al notable joven contrabajista israelí Avishai Cohen y la extraordinaria química existente entre los músicos de su grupo, lo que lo llevó a Corea a formar el sexteto Origin. Con una formación de jazz acústico y una delantera de tres instrumentos de viento, el grupo presentó inicialmente su música durante una residencia de una semana en 1998 en el club Blue Note en Nueva York. Al año siguiente, el álbum “Change” demostró cuán rápidamente había evolucionado la banda. Con Steve Wilson y Bob Sheppard en saxofones y flautas, Steve Davis en trombón, Avishai Cohen en contrabajo y Jeff Ballard reemplazando a Adam Cruz en batería, el álbum realizado en el estudio de living de la casa de Chick en Los Angeles reveló un conjunto más cohesionado y seguro de sí mismo, sin perder el espíritu aventurero que había caracterizado sus actuaciones en vivo.El proyecto proporcionó un año extraordinario para Corea. En la encuesta anual de críticos de “DownBeat” de 1999, “Origin” fue elegido Grupo Acústico del Año, la colección grabada en el Blue Note recibió el premio al Álbum de Jazz del Año, y Chick Corea fue distinguido como Artista de Jazz del Año.Gracias por leer Roberto Barahona Puro Jazz! Subscríbete gratuitamente y recibirás nuestra newsletter diaria contedalles y acceso al programa.CHICK COREA FURTHER EXPLORATIONS - Live “The Blue Note”, New York, May 4-17, 2010 - Armando’s tango, Little Flamenco - Chick Corea With Eddie Gomez & Paul Motian : Chick Corea (p) Eddie Gomez (b) Paul Motian (d)Further Explorations, con Chick Corea en piano, Eddie Gomez en contrabajo y Paul Motian en batería, fue grabado en el Blue Note de Nueva York en mayo de 2010.Bill Evans fue uno de los pianistas más influyentes en la historia del jazz. Después de Kind of Blue, formó un legendario trío junto al baterista Paul Motian. Años más tarde, el contrabajista Eddie Gomez se convertiría en uno de sus colaboradores más importantes. Décadas después, ambos volverían a reunirse con Chick Corea en Further Explorations.Más que registrar un simple homenaje, Corea quiso dialogar con el legado de Evans junto a dos de los músicos que mejor conocían ese universo musical. El repertorio de Evans sirve aquí como punto de partida para nuevas interpretaciones, junto a composiciones de los propios integrantes del trío y una obra inédita de Evans, la hermosa “Song No. 1”, descubierta poco antes de esta grabación.El resultado es una interpretación inspirada: un trío que parece comunicarse por intuición, combinando una interacción casi telepática con una notable imaginación y una profunda sensibilidad musical.CHICK COREA / GARY BURTON HOT HOUSE - New York, Ca. 2011 - Eleanor Rigby, Time remembered - Gary Burton (vib) Chick Corea (p) Ilmar Gavilan, Melissa White (vln-1) Juan Miguel Hernandez (viola-1) Paul Wiancko (cello-1)Hot House, la séptima grabación del dúo integrado por Chick Corea y el vibrafonista Gary Burton, fue registrada en 2012 y representa uno de los momentos culminantes de una colaboración iniciada cuatro décadas antes con el célebre Crystal Silence, que escuchamos la semana pasada en esta serie. A esas alturas, ambos músicos habían desarrollado un lenguaje compartido de extraordinaria naturalidad, en el que la improvisación fluye con la misma espontaneidad que una conversación entre viejos amigos.En lugar de recurrir a los temas más conocidos del repertorio del jazz, Corea y Burton escogieron composiciones menos obvias de algunos de sus autores favoritos, entre ellos Art Tatum, Tadd Dameron y Thelonious Monk, junto a una refinada versión de “Eleanor Rigby” de Lennon y McCartney. Más que reinterpretar estas obras, el dúo las utiliza como punto de partida para explorar nuevas posibilidades melódicas y armónicas.El resultado es una grabación de gran elegancia y sutileza, donde el piano y el vibráfono dialogan con absoluta libertad, confirmando por qué Corea y Burton fueron una de las asociaciones más originales y perdurables del jazz moderno.CHICK COREA TRILOGY 3 - Live, various locations, 2020 - Trinkle tinkle, Scarlatti: Sonata in D minor K9, L413 allegro - Chick Corea (p) Christian McBride (b) Brian Blade (d)En la tradición de destacar en formato acústico la sección rítmica de una banda numerosa, como su Five Peace Band, Corea juntó al contrabajista Christian McBride y al baterista Brian Blade para formar un extraordinario trío de piano para registrar Trilogy, una ambiciosa grabación en vivo de tres discos que combina estándares del jazz con composiciones del propio Corea. Cinco años más tarde, el mismo trío volvió a tocar. Las actuaciones registradas durante su gira de febrero y marzo de 2020, interrumpida por la pandemia, dieron origen a Trilogy 3, el último documento en vivo publicado de Chick Corea. El repertorio reúne estándares, nuevas versiones de sus propias composiciones y la primera interpretación de su clásico “Windows” por esta formación.Más que un epílogo, Trilogy 3 constituye un testimonio del extraordinario nivel artístico que Corea mantuvo hasta el final de su vida: un músico que nunca dejó de escuchar, dialogar y reinventarse. ===================================================Cuando Chick Corea falleció el 9 de febrero de 2021, el jazz perdió a una de sus figuras más influyentes. A lo largo de más de seis décadas, Corea fue mucho más que un extraordinario pianista. Fue un compositor imaginativo, un improvisador excepcional y un explorador incansable que nunca dejó de buscar nuevos caminos. Desde el jazz acústico hasta la fusión, desde la música afro-latina hasta la tradición clásica, desarrolló un lenguaje profundamente personal, siempre abierto al diálogo y a la experimentación.Su música continúa viva en sus grabaciones, en el repertorio de innumerables intérpretes y en las nuevas generaciones de músicos que siguen encontrando inspiración en sus ideas. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 24 de julio, 2026 25.07.2026 58min

  RALPH ALESSI SUN THAT NEVER SETS - Mt. Vernon, NY, February, 2025 - Behind clouds, Duck face, Duck face - Ralph Alessi (tp) Joseph Alessi (tb) Matt Mitchell (p) John Hebert (b) Ches Smith (d,vib)Ralph Alessi se ha consolidado como una de las voces más personales de la trompeta contemporánea. Su música combina una escritura de gran refinamiento con amplios espacios para la improvisación, siempre en un delicado equilibrio entre estructura y libertad.En “For A Sun That Never Sets”, Alessi amplía el formato de cuarteto que había cultivado en sus últimos trabajos e incorpora un quinto músico: su hermano, el destacado trombonista “”Joseph Alessi”“, cuya presencia añade un nuevo color tímbrico y un estimulante diálogo con la trompeta. El quinteto se completa con el pianista Matt Mitchell, el contrabajista John Hébert y Ches Smith, alternando batería y vibráfono.Las once composiciones del álbum alternan pasajes de serena contemplación con estructuras angulares y rítmicamente complejas, ofreciendo a los músicos un terreno fértil para la exploración colectiva. La interacción entre las dos voces de metal, el enfoque armónico siempre impredecible de Mitchell y una sección rítmica flexible dan vida a una música exigente, pero de notable riqueza expresiva.Como en sus mejores trabajos, Alessi privilegia la conversación entre los integrantes del grupo por encima del lucimiento individual, construyendo un álbum donde cada detalle parece cuidadosamente pensado, aunque conserve la espontaneidad y el riesgo propios del mejor jazz contemporáneo.JAMES “BLOOD” ULMER ARE YOU GLAD TO BE IN AMERICA ? - New York, January 17, 1980 - Layout, Pressure, Jazz is the teacher (Funk is the preacher) (rs out,1), Seethrough, Revelation march - Olu Dara (tp) Oliver Lake (as) David Murray (ts) James “Blood” Ulmer (el-g,vcl) William “Spaceman” Patterson (el-g-1) Amin Ali (el-b) Ronald Shannon Jackson (d) and/or Grant Calvin Weston (d)El reciente fallecimiento del guitarrista, cantante y compositor James “Blood” Ulmer, a los 86 años, marca la desaparición de una de las figuras más originales del jazz de las últimas cinco décadas. Tras iniciarse en el circuito del rhythm & blues y el doowop, Ulmer encontró su verdadera voz a comienzos de los años setenta cuando se trasladó a Nueva York y comenzó a colaborar con Ornette Coleman. La teoría “harmolódica” de Coleman le abrió un camino que Ulmer llevó aún más lejos, desarrollando un estilo inconfundible que fusionó jazz de vanguardia, blues, funk y rock, siempre con una intensidad expresiva poco común.Grabado en 1980, “Are You Glad to Be in America?” es una de las obras fundamentales de esa etapa creativa. Sobre ritmos de funk incisivos, guitarras de sonido áspero y líneas melódicas que desafían cualquier convencionalismo, Ulmer construye una música de enorme energía que refleja, al mismo tiempo, una mirada crítica sobre la realidad estadounidense. Cuarenta y cinco años después de su aparición, el álbum conserva intacta su fuerza innovadora y sigue siendo una referencia obligada para comprender cómo el blues, el jazz y la improvisación libre pueden convivir en un lenguaje completamente personal.ELLERY ESKELIN VANISHING POINT - New York, December 16, 2000 Scatter brain, Horizon blue, Still life Ellery Eskelin (ts) Matt Moran (vib) Mat Maneri (viola) Erik Friedlander (cello) Mark Dresser (b)A lo largo de su carrera, el saxofonista Ellery Eskelin ha transitado con naturalidad entre la improvisación libre y la composición contemporánea. En “Vanishing Point” decidió dar un paso poco habitual: reunir un ensamble sin batería, dominado por cuerdas, y entrar al estudio sin partituras ni planes previos, confiando en la capacidad de escucha de sus músicos para construir la música en el momento.El resultado es sorprendente. Lejos de sonar disperso, el quinteto desarrolla un lenguaje de gran cohesión, donde el saxo tenor de Eskelin dialoga permanentemente con el violín de Mat Maneri, el violonchelo de Erik Friedlander, el contrabajo de Mark Dresser y el vibráfono de Matt Moran. Más que acompañar, las cuerdas prolongan, comentan y transforman las líneas del saxofón, creando una textura camerística de gran riqueza.Las composiciones avanzan con un pulso flexible y una atmósfera introspectiva, a ratos cercana al cine negro, donde el silencio tiene tanto peso como las notas. “Vanishing Point” demuestra que la improvisación no necesita renunciar a la forma para conservar toda su libertad. Es un álbum de gran sutileza, que invita a una escucha atenta y revela nuevos matices en cada regreso. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 23 de julio, 2026 24.07.2026 59min

  DAVID AMBROSIO CIVIL DISOBEDIENCE - Blue Frog Studios New York February 2, 2025 - For Duke P., Irina - Donny McCaslin (saxos), Ingrid Jensen (t) Bruce Barth (p) David Ambrosio (b) Victor Lewis (dr)El contrabajista David Ambrosio ha sido una presencia constante en la escena neoyorquina durante más de tres décadas, acompañando a músicos como Joe Lovano, Kenny Werner y Donny McCaslin. En Civil Disobedience, su primer álbum como líder, reunió un quinteto integrado por Donny McCaslin, Ingrid Jensen, Bruce Barth y Victor Lewis para rescatar cinco composiciones poco frecuentadas del catálogo de Blue Note de fines de los años sesenta.En lugar de recurrir a standards o a composiciones propias, Ambrosio vuelve la mirada hacia obras de Bobby Hutcherson, Joe Chambers, James Spaulding y Harold Land, escritas en una época marcada por los movimientos por los derechos civiles en Estados Unidos. El resultado no es un ejercicio de nostalgia, sino una re-interpretación vigorosa y contemporánea. Con un quinteto de primer nivel, el disco combina el impulso del hard bop, el lirismo modal y amplios espacios para la improvisación colectiva, demostrando que estas páginas, medio siglo después de haber sido escritas, mantienen intacta su fuerza musical y su capacidad de comunicación.DANIEL MIRANDA LA ESPERANZA” - Lanzamiento julio 2026 Thelonious, Lugar de Jazz, en Santiago. - Lejanía, Limítrofe, No sé si pueda - Daniel Miranda (g) Milton Russell (b) y Juan Pablo Jaramillo (bat).El guitarrista, compositor y docente chileno “”Daniel Miranda”“, oriundo de Vicuña, se ha convertido en una de las voces más interesantes de la nueva generación del jazz chileno. Formado en Projazz y en la Universidad de La Serena, donde impulsó la primera cátedra de guitarra eléctrica, ha desarrollado una carrera que combina el jazz contemporáneo con influencias de la música popular. Como líder ha publicado “Viaje Interior” (2018), “Fragmentos de un imaginario” (2024) y ahora “La esperanza” (2026), su tercer álbum, presentado recientemente en Thelonious, Lugar de Jazz, en Santiago. En esta ocasión encabeza un nuevo trío junto al contrabajista “”Milton Russell”“ y el baterista “”Juan Pablo Jaramillo”“, una formación que privilegia el diálogo, el espacio y la interacción, desarrollando un lenguaje donde la solidez del jazz moderno convive con melodías claras y una sensibilidad cercana a la canción.Me parece especialmente acertado cerrar con la idea del “”diálogo y la interacción”“, porque describe bien el formato de trío sin recurrir a expresiones muy usadas como “complicidad” o “conversación musical”. Además enlaza naturalmente con la música que el oyente escuchará.PERRY ROBINSON QUARTET FUNK DUMPLING - Newark, N.J., 1962 - Sprites delight, Wahayla, armer Alfalfa - Perry Robinson (cl) Kenny Barron (p) Henry Grimes (b) Paul Motian (d)A comienzos de los años sesenta, cuando la clarineta parecía haber perdido protagonismo en el jazz moderno, Perry Robinson abrió un camino completamente distinto. Formado en Nueva York e influido inicialmente por Buddy DeFranco y Tony Scott, muy pronto incorporó las ideas de Ornette Coleman y Don Cherry, convirtiéndose en uno de los primeros clarinetistas en explorar con decisión el lenguaje del free jazz.Su álbum Funk Dumpling, grabado para Savoy en 1962, es considerado una obra pionera en la historia de la clarinete moderno. Acompañado por un joven Kenny Barron al piano, Henry Grimes en contrabajo y Paul Motian en batería, Robinson reunió la libertad melódica de Coleman, la intensidad expresiva de Coltrane y una sensibilidad propia para demostrar que la clarineta podía ocupar un lugar central en el jazz de vanguardia. Más de seis décadas después, el disco conserva intacta su frescura y su carácter visionario. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 22 de julio, 2026 23.07.2026 58min

  STEVE SWALLOW WINTER SONGS - New York, September, 2024 - Three, Four, Seven, Eight - Mike Rodriguez (tp) Chris Cheek (ts) Gil Golstein (p) Steve Cardenas (g) Steve Swallow (b) Adam Nussbaum (d)Con 85 años, Steve Swallow conserva intacta la elegancia que ha distinguido su trayectoria como contrabajista eléctrico, compositor y acompañante. Su lenguaje, refinado y discreto, se formó en experiencias decisivas junto a Jimmy Giuffre, George Russell y Gary Burton, y alcanzó una de sus expresiones más personales en la larga asociación artística y vital con Carla Bley.“Winter Songs”, su primer disco como líder en una década, no busca abrir nuevos territorios, sino volver sobre un mundo musical que Swallow conoce profundamente. El álbum reúne nueve composiciones originales, identificadas solamente por números, interpretadas por un sexteto de músicos particularmente afines a su sensibilidad: Chris Cheek en saxo tenor, Mike Rodriguez en trompeta, Gil Goldstein al piano, Steve Cardenas en guitarra y Adam Nussbaum en batería.La música avanza con calma, claridad melódica y una economía expresiva. En la balada “Three”, , la guitarra de Cardenas enriquece sutilmente la armonía. “Four”, en cambio, tiene un aire ligeramente bohemio, sostenido por un swing elegante. Cheek improvisa antes de reunirse con Rodriguez al unísono seguidos por el solo de Goldstein. Un disco meditativo, sereno y profundamente fiel al universo de Steve Swallow, en breve, un álbum ECM.HAROLD MABERN WAILIN’ - New York, June 30, 1969 - Strozier’s mode, Blues for Phineas, A time for love (1) - Virgil Jones (tp,flhrn-1) George Coleman (ts) Harold Mabern (p,el-p-2) Buster Williams (b) Leo Morris (d) [aka Idris Muhammad (d) Harold Mabern fue uno de los grandes pianistas del hard bop. Nacido en Memphis en 1936, comenzó como baterista antes de descubrir el piano. Ya en su adolescencia tocaba junto a otros jóvenes talentos de la ciudad, entre ellos George Coleman, Charles Lloyd y Booker Little. Luego de un período de formación en Chicago, se estableció en Nueva York en 1959, donde muy pronto pasó a integrar el intenso ambiente del jazz de la época, participando en grabaciones con Jimmy Forrest, Johnny Griffin, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Hank Mobley y Wes Montgomery, entre muchos otros.Aunque fue un acompañante muy solicitado, también dejó una valiosa discografía como líder. “Wailin’”, grabado para Prestige, pertenece a esa primera etapa y lo muestra al frente de un sólido quinteto integrado por el trompetista Virgil Jones, el saxofonista tenor George Coleman, el contrabajista Buster Williams y el baterista Idris Muhammad. Mabern combina una técnica depurada con un fraseo lleno de imaginación, mientras que Coleman y Jones aportan una delantera de gran fuerza expresiva. PEPPER ADAMS & JIMMY KNEPPER - The Pepper-Knepper Quintet - New York, March 25, 1958 - Minor catastrophe, Riverside Drive, Primrose path - Jimmy Knepper (tb) Pepper Adams (bar,p-1) Wynton Kelly (p,p & org-1) Doug Watkins (b) Elvin Jones (d)Pepper Adams / Jimmy Knepper The Pepper-Knepper Quintet - New York, March 25, 1958 Minor catastrophe, Riverside Drive, Primrose path Jimmy Knepper (tb) Pepper Adams (bar,p-1) Wynton Kelly (p,p & org-1) Doug Watkins (b) Elvin Jones (d)Pocos saxofonistas barítonos dejaron una huella tan profunda en el hard bop como Pepper Adams. Dueño de un sonido poderoso y de una asombrosa agilidad, desarrolló un estilo dsitinguido por la energía cortante de sus improvisaciones. A lo largo de más de tres décadas fue un músico indispensable, tanto como líder como integrante de grupos de figuras como Charles Mingus, Thad Jones y Mel Lewis, además de acompañar a destacados cantantes de jazz y rhythm and blues.Grabado en Nueva York el 25 de marzo de 1958, “The Pepper-Knepper Quintet” lo reúne con otro gran solista de la época, el trombonista Jimmy Knepper. La combinación del barítono vigoroso de Adams con el fraseo lírico y anguloso de Knepper produce un contraste especialmente atractivo, respaldado por una sección rítmica de lujo: Wynton Kelly al piano, Doug Watkins en contrabajo y un joven Elvin Jones en batería.El repertorio incluye blues, standards y composiciones originales, ofreciendo amplio espacio para el diálogo entre los dos líderes. La solidez del quinteto, el impulso permanente de Jones y la creatividad de Adams convierten esta sesión en un estupendo ejemplo del hard bop de fines de los años cincuenta. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 21 de julio, 2026 22.07.2026 58min

  ¿Qué ocurrió cuando dos pequeños grupos nacidos el mismo año tomaron caminos completamente distintos?El contrabajista y director de orquesta John Kirby y el pianista y cantante Nat King Cole partieron el año 1937 en plena época del Swing, uno buscó la precisión de un conjunto de cámara; el otro, la libertad de una conversación entre tres músicos. Dos caminos distintos que ampliaron las posibilidades del pequeño grupo de jazz y dejaron una huella profunda en la historia del swing.”JOHN KIRBY “AND HIS ONYX CLUB BOYS - New York, October 28, 1938 - Pastel blue, Rehearsin’ for a nervous breakdown, Anitra’s dance, No Blues At All, Sweet Georgia Brown - Charlie Shavers (tp) Buster Bailey (cl) Russell Procope (as) Billy Kyle (p,arr) John Kirby (b) O’Neil Spencer (d)A fines de los años treinta, mientras las grandes orquestas dominaban la era del swing, el contrabajista John Kirby creó uno de los pequeños conjuntos más originales de la época. Su sexteto, formado en Nueva York en 1938, proponía una música de notable precisión, elegancia y equilibrio, muy distinta del estilo exuberante de las big bands.Después de algunos cambios iniciales de personal, el grupo encontró su identidad con el trompetista Charlie Shavers, el clarinetista Buster Bailey, el saxofonista Russell Procope, el pianista Billy Kyle y el baterista O’Neill Spencer. Sus arreglos, cuidadosamente elaborados, incorporaban recursos de la música de cámara sin perder el pulso del swing.El principal solista era Charlie Shavers. Su extraordinario dominio técnico, la brillantez de su sonido y la facilidad para alcanzar el registro agudo lo convirtieron en uno de los trompetistas más admirados de su generación. Buena parte de la personalidad del sexteto descansó en su talento.Lejos de buscar el impacto de las grandes orquestas, John Kirby apostó por la claridad, el detalle y la sutileza. El resultado fue un sonido inconfundible que abrió nuevas posibilidades para los pequeños conjuntos de jazz.JOHN KIRBY “V-DISC” - New York, c. early November 1943 - Do you savvy ?, Tunisian trail, 9:20 special - Charlie Shavers (tp) Buster Bailey (cl) George Johnson (as) Clyde Hart (p) John Kirby (b) Bill Beason (d)Cinco años después de las grabaciones que dieron fama al sexteto, esta sesión para V-Disc muestra a una formación parcialmente renovada. El estilo sigue siendo inconfundiblemente Kirby, aunque el sonido ya no es exactamente el mismo del grupo que revolucionó los pequeños conjuntos a fines de los años treinta.” Las V-Discs de 1943 tienen un enorme interés documental, pero representan a un John Kirby diferente. Para entonces ya no estaban dos figuras fundamentales del sonido clásico del sexteto: Billy Kyle, cuyo piano y arreglos eran decisivos, y Russell Procope, cuyo saxo alto contribuía de manera importante al color del grupo. En su lugar aparecen Clyde Hart y George Johnson, excelentes músicos, pero el equilibrio del conjunto había cambiado.NAT KING COLE TRIO Hollywood, CA, - November, 1938 - Blue Skies (trio vcl), Liza, Caravan (inst) - Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g,vcl) Wesley Prince (b,vcl) - November - December 6, 1940 - Love is my alibi, Pogo stick bounce, Watcha’ know, Joe? - Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g,vcl) Wesley Prince (b,vcl)En 1937, el pianista Nat King Cole formó un trío junto al guitarrista Oscar Moore y el contrabajista Wesley Prince. A diferencia del sexteto de John Kirby, el suyo era un conjunto construido sobre la espontaneidad, la conversación musical y el swing más natural.Durante varios años el trío fue admirado principalmente por músicos y aficionados. Su reconocimiento masivo llegó recién en 1944 con Straighten Up and Fly Right, cuando Nat King Cole comenzó también a consolidarse como cantante. Sin embargo, mucho antes de alcanzar esa popularidad, Cole ya era considerado uno de los pianistas más originales de su generación. Influido inicialmente por Earl Hines y más tarde por Teddy Wilson, desarrolló un lenguaje armónico sorprendentemente moderno para la época. Esa búsqueda encontraba un complemento ideal en la guitarra eléctrica de Oscar Moore, cuya elegancia y creatividad hicieron del trío una de las formaciones más influyentes del jazz de pequeños grupos.NAT KING COLE TRIO NBC Studios, Hollywood, CA, June & November, 1943 - Straighten up and fly right, F.S.T. [Fine, sweet & tasty]Got a penny, Let’s pretend - Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g) Johnny Miller (b)En 1943 el contrabajista Wesley Prince fue reemplazado por Johnny Miller, aunque no alteró radicalmente la identidad del trío, sí produjo algunas diferencias perceptibles. Wesley Prince fue uno de los fundadores del trío. Además de tocar el contrabajo, aportaba armonías vocales. Su forma de tocar era sencilla, muy sólida rítmicamente y orientada a sostener el diálogo entre el piano de Cole y la guitarra de Oscar Moore.Cuando Miller ingresó en 1943, el panorama era distinto. El éxito de “Straighten Up and Fly Right” convirtió a Nat King Cole en una figura nacional y el trío comenzó a orientarse cada vez más hacia un repertorio vocal.La fama mundial como cantante terminó eclipsando, en parte, al extraordinario pianista que había detrás de la voz. Pero basta escuchar estas, sus primeras grabaciones, para descubrir a un músico que ayudó a anticipar muchas de las ideas armónicas que pocos años después serían características del bebop. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 20 de julio, 2026 21.07.2026 58min

  A comienzos de los años setenta, Chick Corea ya era una de las figuras centrales del jazz contemporáneo. Tras sus experiencias con Miles Davis, Circle y los primeros años de Return to Forever, inició un período de extraordinaria diversidad creativa. Alternó el piano acústico y los teclados electrónicos, escribió algunas de sus composiciones más perdurables y formó conjuntos que ampliaron las posibilidades del jazz moderno sin perder de vista la tradición. El programa de hoy recorre esa etapa de madurez, desde el lirismo de Crystal Silence hasta el virtuosismo de la Elektric Band y el emotivo homenaje a Bud Powell, uno de los pianistas que más profundamente marcó su formación.GARY BURTON/CHICK COREA CRYSTAL SILENCE, Oslo, Norway, November 6, 1972 - Crystal Silence - Gary Burton (vib) Chick Corea (p)En noviembre de 1972, Chick Corea y el vibrafonista Gary Burton se reunieron en Oslo para grabar Crystal Silence, el primero de una serie de discos que daría origen a una de las asociaciones más duraderas del jazz moderno, con más de cuatro décadas de historia. Reunidos por el productor Manfred Eicher para el naciente sello ECM, ambos elevaron el formato del dúo a un nuevo nivel de refinamiento. Sin bajo ni batería, piano y vibráfono dialogan con una claridad casi camerística, apoyados en el espacio, el silencio y una profunda compenetración musical. El repertorio incluye varias composiciones de Corea que con el tiempo se convertirían en clásicos de su catálogo, en una grabación que marcó el inicio de una colaboración tan influyente como perdurable.RETURN TO FOREVER ROMANTIC WARRIOR - Caribou Ranch, Colorado, February, 1976 - Romantic Warrior - Chick Corea (p,el-p,clavinet,synt,mar,perc) Al Di Meola (el-g,g,soprano-g,hand-bells,slide-whistle) Stanley Clarke (el-b,piccolo-b,b,bell-tree,hand-bells) Lenny White (d,tymp,cga,timb,hand-bells,snare-d,alarm-clock,cymbals)En 1974, Chick Corea incorporó al guitarrista Al Di Meola, de apenas diecinueve años, para la nueva formación de Return to Forever. Con él, el grupo grabó tres álbumes fundamentales, culminando en Romantic Warrior, registrado en 1976. Fue el disco más exitoso de la banda y una de las obras emblemáticas de la fusión de los años setenta. Junto a Stanley Clarke en bajo y Lenny White en batería, el cuarteto alcanzó un notable equilibrio entre el virtuosismo individual y el trabajo de conjunto. Cada integrante aportó composiciones, dando forma a un repertorio variado pero sorprendentemente cohesionado. Más allá de su deslumbrante despliegue técnico, Romantic Warrior destaca por la solidez de sus ideas musicales y por la manera en que integra elementos del jazz, el rock y la música clásica en un lenguaje propio. Para muchos, representa el punto culminante de Return to Forever.CHICK COREA FRIENDS - Burbank, CA, January, 1978 - Friends - Joe Farrell (ts,fl) Chick Corea (p,el-p) Eddie Gomez (b) Steve Gadd (d)Tras varios años dedicados a la fusión, Chick Corea regresó en 1978 a un formato más cercano al jazz acústico con Friends, un álbum que obtuvo al año siguiente el premio Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz. Lo acompañan Joe Farrell en saxofón y flauta, Eddie Gómez en contrabajo y Steve Gadd en batería, cuatro músicos de amplia experiencia que privilegian la interacción y la improvisación por sobre los arreglos elaborados. Corea alterna el piano acústico y el Fender Rhodes en un repertorio que combina melodías de gran atractivo, ritmos de inspiración latina y un lenguaje moderno, siempre accesible y profundamente jazzístico. Friends confirma que, más allá de la fusión, Corea mantenía intacta su capacidad para crear música de gran lirismo y espontaneidad. Grabado en 1981, Three Quartets reúne a Chick Corea con Michael Brecker en saxo tenor, Eddie Gómez en contrabajo y Steve Gadd en batería, un cuarteto de excepción al servicio de una de las obras más ambiciosas del pianista. Inspirado inicialmente en la idea de escribir para un cuarteto de cuerdas, Corea trasladó ese concepto al jazz, creando una suite en la que los cuatro músicos participan como interlocutores en igualdad de condiciones. Dedicada a Duke Ellington y John Coltrane, la obra combina una escritura cuidadosamente estructurada con amplios espacios para la improvisación. El resultado es una música de gran intensidad rítmica y riqueza armónica, que confirma a Corea como uno de los compositores más imaginativos del jazz contemporáneo.Suscríbete gratis y recibirás esta circular diaria con comentarios sobre el programa y un enlace directo a la música. CHICK COREA ELEKTRIC BAND EYE OF THE BEHOLDER, Los Angeles, February 1988 - Eye Of The Beholder - Eric Marienthal (as) Chick Corea (keyboard) John Novello (synt-1) Frank Gambale (g) John Patitucci (b) Dave Weckl (d)En 1986, Chick Corea presentó la Elektric Band, un grupo que revitalizó la fusión al incorporar las nuevas posibilidades de los sintetizadores digitales sin renunciar a la complejidad del jazz. La formación original reunía a Frank Gambale en guitarra, John Patitucci en bajo y Dave Weckl en batería, músicos que pronto se convertirían en referentes de una nueva generación. El álbum debut sorprendió por su precisión técnica, la riqueza de sus composiciones y el equilibrio entre improvisación y escritura. Aunque el sonido refleja la tecnología de su tiempo, la música conserva una vitalidad y una sofisticación que trascienden la década en que fue creada. Con la Elektric Band, Corea volvió a demostrar su permanente interés por explorar nuevos lenguajes sin perder su identidad musical.CHICK COREA & FRIENDS REMEMBERING BUD POWELL - Los Angeles, 1997 - Bouncin’ With Bud - Wallace Roney (tp-1) Kenny Garrett (as-2) Joshua Redman (ts-3) Chick Corea (p) Christian McBride (b-4) Roy Haynes (d-5)En 1997, Chick Corea reunió a un destacado grupo de músicos —Joshua Redman, Kenny Garrett, Wallace Roney, Christian McBride y Roy Haynes— para rendir homenaje a Bud Powell, uno de los pianistas que más influyó en su formación. En lugar de recrear el bebop de los años cuarenta, el grupo utiliza las composiciones de Powell como punto de partida para improvisaciones de lenguaje contemporáneo. Junto a clásicos como Bouncing with Bud, Tempus Fugit y Celia, el álbum recupera otras obras menos frecuentadas de su catálogo, revelando la riqueza y vigencia de su música. El resultado es un homenaje respetuoso, pero también creativo, que confirma cómo Chick Corea supo mantener un diálogo permanente entre la tradición y la innovación a lo largo de toda su carreraEl tercer programa especial dedicado a Chick Corea. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 17 de julio, 2026 18.07.2026 59min

  JON IRABAGON FOCUS OUT - Brooklyn, NY, April 30, 2022 - Focus out, Evening star - Dave Ballou (tp) Jon Irabagon (sax) Donny McCaslin, Mark Shim (ts) Matt Mitchell (p) Miles Okazaki (g) Chris Lightcap (b) Dan Weiss (d) Kokayi (vcl)Jon Irabagon se ha convertido en una de las voces más inquietas del jazz contemporáneo. Saxofonista y compositor nacido en Chicago, su música recoge la tradición experimental de esa ciudad, pero la combina con una amplia variedad de lenguajes y una permanente voluntad de explorar.“Focus Out” es el tercer disco de un cuarteto formado en 2019, con Matt Mitchell en piano y Fender Rhodes, Chris Lightcap en bajo eléctrico y Dan Weiss en batería. Irabagon, que en los dos trabajos anteriores se concentró en el tenor y el soprano, toca aquí exclusivamente saxo alto.Las composiciones surgieron durante un período en que Irabagon intentaba conciliar su carrera con las responsabilidades de la paternidad. Son piezas complejas y de gran energía, donde conviven el jazz de vanguardia, el funk y ocasionales ecos del gospel.En varios temas el cuarteto se amplía con músicos como Dave Ballou, Miles Okazaki, Donny McCaslin y Mark Shim, además del vocalista Kokayi. “Evening Star”, con una nutrida sección de vientos, lleva la música hacia el “free funk”, mientras “Prayer (For Reomi)”, un delicado dúo de saxo y piano dedicado a la hija de Irabagon, ofrece un breve momento de calma.JASON MORAN SHARDS - Brooklyn, NY, October 19 & 20, 2024 - Shard I, Shard II, And the pieces are falling - Jason Moran (p) Marcus Gilmore (d) BlankFor.ms (electronics,tape loops,processing)La experimentación ha sido siempre parte del lenguaje del pianista Jason Moran. Ya a comienzos de siglo incorporaba a sus actuaciones grabaciones de voces —informes bursátiles o transmisiones deportivas— y comenzaba a improvisar sobre el ritmo de las palabras, hasta convertirlas en material musical.Esa misma curiosidad impulsa “Shards”, su nuevo disco, junto al artista electrónico BlankFor.ms —Tyler Gilmore, antiguo alumno de Moran— y el baterista Marcus Gilmore. El trío combina instrumentos acústicos y electrónica, utilizando incluso fragmentos de lo que los músicos acaban de tocar, que son transformados y devueltos a la improvisación.La colaboración comenzó con “Refract”, publicado en 2023, pero en “Shards” la integración es más natural y la música fluye con mayor libertad. La pieza que da título al álbum aparece en cinco versiones de caracteres muy distintos. En “Shard I”, piano y batería son gradualmente rodeados por loops y sonidos refractados; “Shard II”, en cambio, crea un paisaje austero, casi cinematográfico.ADAM LANE 4 CORNERS - “Salão Brazil”, Coimbra, Portugal, June 1-3, 2006 - Alfama (for Georges Braque), Spin with the earth - Magnus Broo (tp) Ken Vandermark (bar,cl,b-cl) Adam Lane (b) Paal Nilssen-Love (d)El contrabajista Adam Lane reunió en “4 Corners” a un cuarteto formidable: Ken Vandermark en saxofones y clarinete, Magnus Broo en trompeta y Paal Nilssen-Love en batería. Grabado en vivo durante un festival en Coimbra, Portugal.La música se mueve en el terreno del “free bop”, pero sus raíces son amplias. Hay ecos del rhythm and blues, de Mingus y de Ornette Coleman, junto a una energía que por momentos se acerca al rock y al funk. Lane sostiene al grupo con un contrabajo poderoso, en ocasiones procesado electrónicamente, mientras Nilssen-Love impulsa la música con su habitual intensidad.El diálogo entre Vandermark y Magnus Broo domina buena parte del primer plano. Las composiciones de Lane y Vandermark, conservan estructuras abiertas y amplios espacios para la improvisación, pero sin abandonar la melodía.“4 Corners” no intenta recrear el jazz de los años sesenta aunque se nutre de él como punto de partida para una música contemporánea, directa y de enorme energía, típica de una actuación en vivo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 16 de julio, 2026 17.07.2026 58min

  JACKIE MCLEAN LET FREEDOM RING - Englewood Cliffs, NJ, March 19, 1962 - I’ll keep loving you, Rene - Jackie McLean (as) Walter Davis, Jr. (p) Herbie Lewis (b) Billy Higgins (d)Jackie McLean comenzó a tocar el saxo alto a los quince años y su aprendizaje fue vertiginoso. Estudió con Bud Powell, tocó con Thelonious Monk y Charlie Parker y, antes de cumplir veinte años, ya trabajaba con Miles Davis en Birdland. Después vendrían Charles Mingus y los Jazz Messengers de Art Blakey, antes de consolidarse como una de las voces más personales y reconocibles del saxo alto.En 1962, McLean grabó “Let Freedom Ring”, un disco decisivo en su carrera y también en la evolución de Blue Note. Sin abandonar las estructuras del hard bop, comenzaba a incorporar algunas de las libertades que proponía la nueva vanguardia, especialmente la música de Ornette Coleman. Pero McLean no intentaba imitar a nadie. Su sonido seguía siendo inconfundible: áspero, incisivo y cargado de tensión, llevado aquí hasta esos gritos agudos y penetrantes.La importancia de “Let Freedom Ring” es que McLean demostró que era posible asimilar las ideas del jazz de vanguardia sin renunciar al lenguaje que había definido su música. Un puente entre el hard bop y el jazz moderno que comenzaba a transformar la década de los sesenta.ALLISON/CARDENAS/NASH TRIOLOGICAL - Maggies Farm, PA, June 28 & 29, 2025 - Puddle jumper, Burnt toast & avocado, Milton, Ida’s spoons - Ted Nash (ts) Steve Cardenas (g) Ben Allison (b)Los tríos sin batería tienen una larga historia en el jazz y, en las manos adecuadas y, en las manos adecuadas, no han perdido su capacidad de sorprender. Es el caso del trío formado por el contrabajista Ben Allison, el guitarrista Steve Cardenas y el saxofonista Ted Nash, tres músicos de amplia experiencia que llevan varios discos trabajando juntos.En “Triological”, el trío abandona el repertorio de compositores ajenos, como en sus grabaciones anteriores y se concentra en música original de ellos. La ausencia de batería no significa falta de impulso rítmico: el movimiento surge de la interacción entre el contrabajo de Allison, la guitarra de Cardenas y los distintos instrumentos de viento de Nash.Es difícil no recordar los históricos tríos de Jimmy Giuffre, especialmente el que formó con Jim Hall y Ralph Peña. Hay aquí una similar libertad para cambiar de dirección, dejar espacios y permitir que cada músico conserve su propia voz dentro del conjunto.ROY HAYNES QUARTET CYMBALISM - Englewood Cliffs, NJ, September 10, 1963 - Modette, I’m getting sentimental over you, Go ‘n’ git it - Frank Strozier (as,fl) Ronnie Mathews (p) Larry Ridley (b) Roy Haynes (d) A lo largo de una carrera que se extendió por más de siete décadas, Roy Haynes tocó con algunas de las grandes figuras del jazz, desde Charlie Parker y Lester Young hasta John Coltrane y Chick Corea. Pero sus grabaciones como líder permiten apreciar con mayor claridad una de las voces más originales de la batería moderna.En 1963 grabó “Cymbalism” acompañado por Frank Strozier en saxo alto y flauta, Ronnie Mathews en piano y Larry Ridley en contrabajo. La sesión, registrada por Rudy Van Gelder, se mueve entre el hard bop y un lenguaje post-bop más abierto, con ocasionales elementos de soul jazz.El título del disco juega, naturalmente, con la palabra “symbolism” y la extraordinaria manera en que Haynes utilizaba los platillos o Cymbals en Inglés. Roy nunca se limitó a marcar el tiempo: introducía acentos inesperados, desplazaba el pulso y empleaba los platillos casi como colores dentro de la música.Strozier, Mathews y Ridley responden con la misma agilidad. “Cymbalism” es un excelente ejemplo de la elegancia rítmica de Roy Haynes y de esa capacidad suya para impulsar a un grupo sin dominarlo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 15 de julio, 2026 16.07.2026 58min

  THE PHOENIX TRIO TOMORROW IS TODAY - Ornithology, Brooklyn, NY, March 23 & 24, 2025 - The fencer, 1946 -Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Marcus Gilmore (d)The Phoenix Trio es un nuevo grupo integrado por el saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe Martin y el baterista Marcus Gilmore. Su primer disco, Tomorrow Is Today, fue grabado en vivo en el club Ornithology de Brooklyn, en marzo del 2025.Aunque el trío es nuevo, sus integrantes se conocen bien y han coincidido en distintos proyectos a lo largo de los años. Esa familiaridad se percibe en una música que fluye como una conversación. Los ensayos fueron mínimos y las discusiones se limitaron prácticamente a la forma y al desarrollo de las piezas.La ausencia de piano deja amplios espacios y una gran libertad de movimiento. Muchos temas parten de breves motivos repetidos por Martin, que establecen el pulso mientras Gilmore agrega sutiles acentos rítmicos. Cuando entra Turner, con sus largas y ondulantes líneas melódicas, el contrabajo responde con contrapuntos, creando melodías paralelas. Gilmore completa ese diálogo con una batería extraordinariamente ligera. El resultado es un trío abierto, atento y profundamente interactivo.TOMMY FLANAGAN TRIO THE TOKYO RECITAL - Tokyo, Japan, February 15, 1975 - All day long, U.M.M.G. [Upper Manhattan Medical Group, Caravan - Tommy Flanagan (p) Keter Betts (b) Bobby Durham (d)Tommy Flanagan fue uno de los grandes pianistas surgidos de la fértil escena de Detroit durante los años cincuenta. Después de trasladarse a Nueva York en 1956, grabó con frecuencia como líder y acompañante, estableciendo rápidamente una sólida reputación entre sus colegas.Sin embargo, sus dos largas etapas como pianista de Ella Fitzgerald, entre 1963 y 1965 y nuevamente desde 1968 hasta 1978, contribuyeron paradójicamente a que su talento fuera subestimado. Durante doce años, entre 1962 y 1974, Flanagan no tuvo la oportunidad de grabar un disco a su nombre y fue conocido principalmente como un acompañante excepcional.The Tokyo Recital, de 1975, demuestra que aquellos años trabajando al servicio de otros músicos no habían disminuido en absoluto sus cualidades como solista. Acompañado por el contrabajista Keter Betts y el baterista Bobby Durham, Flanagan dedica el programa a composiciones asociadas con Duke Ellington y Billy Strayhorn.Su interpretación es elegante y precisa, pero nunca distante. Con un toque ligero, un impecable sentido del tiempo y una profunda comprensión de las melodías, Flanagan confirma aquí lo que durante demasiado tiempo había quedado en segundo plano: era uno de los grandes pianistas de su generación.ALVIN QUEEN JAMMIN’ UPTOWN - White Plains, NY, August 24 & 25, 1985 - Europia, Jammin’ Uptown, After Liberation - Terence Blanchard (tp) Robin Eubanks (tb) Manny Boyd (ts,as,sop) John Hicks (p) Ray Drummond (b) Alvin Queen (d)El baterista Alvin Queen conoció el jazz desde muy joven. Los sábados, su padre lo llevaba al Apollo Theater donde escuchó a figuras como John Coltrane, el quinteto de Cannonball Adderley con Nancy Wilson y la cantante Ruth Brown, quien años más tarde le daría uno de sus primeros trabajos profesionales.En 1969, Queen se incorporó al quinteto de Horace Silver y continuó tocando ocasionalmente con el pianista durante varios años. También trabajó con George Benson y Charles Tolliver, entre muchos otros, antes de radicarse en Europa durante los años ochenta.En Jammin’ Uptown, grabado en Nueva York en 1985, lidera un sexteto. A pesar de su título, no se trata simplemente de una jam session. La música está cuidadosamente organizada y cuenta con excelentes arreglos, aunque abre mucho espacio para la improvisación.Queen mantiene la música en constante movimiento con su estilo preciso y enérgico, pero curiosamente casi no toca solos. El sexteto incluye además a dos jóvenes músicos que comenzaban a destacarse en los años ochenta: el trompetista Terence Blanchard y el trombonista Robin Eubanks. En sus intervenciones ya se anticipa la importancia que ambos alcanzarían en el jazz contemporáneo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 14 de julio, 2026 15.07.2026 58min

  COUNT BASIE AND HIS ORCHESTRA - New York, August 22, 1938 - Jumpin’ at the Woodside, Stop beatin’ ‘round the mulberry bush (jr,ens vcl), Texas shuffle - Ed Lewis, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Herschel Evans, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr) - Panther Room”, Hotel Sherman, Chicago, IL, May 19, 1939 Every tub, Lady be good Ed Lewis, Shad Collins, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Buddy Tate, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)A mediados de los años treinta, la orquesta de Count Basie definía el sonido de Kansas City: una sección rítmica ligera y flexible, riffs, arreglos abiertos y amplio espacio para la improvisación. Una música construida con aparente sencillez, pero impulsada por un swing irresistible, como se escucha claramente en “Jumpin’ at the Woodside”.El tema fue grabado por la orquesta de Count Basie para Decca en 1938. Su título proviene del Woodside Hotel de Harlem, donde los músicos de Basie se alojaban y ensayaban, a menudo en el sótano.La grabación incluye solos de Earle Warren en saxo alto, Basie al piano, Buck Clayton en trompeta con sordina y Lester Young, cuyo fraseo relajado en el tenor parece flotar sobre la orquesta.La pieza es, además, un ejemplo clásico de los llamados head arrangements de la banda de Basie. En lugar de arreglos escritos, los músicos construían la música colectivamente durante los ensayos: cortas frases de los saxofones eran respondidas por los metales; las figuras se repetían, se modificaban y finalmente quedaban en la memoria de la orquesta. El arreglo estaba, literalmente, en la cabeza de los músicos.En poco más de tres minutos, “Jumpin’ at the Woodside” resume la esencia de la primera gran banda de Basie: ideas sencillas, desarrolladas colectivamente, y un swing increíble.TEDDY WILSON TRIO THE IMPECCABLE MR. WILSON - New York, September 13, 1956 - I want to be happy, Ain’t misbehavin’, Honeysuckle rose, Fine and dandy, Sweet Lorraine, Laura - Teddy Wilson (p) Al Lucas (b) Jo Jones (d)Teddy Wilson fue uno de los pianistas más elegantes de la era del swing. Influido por Earl Hines y Art Tatum, desarrolló un estilo de toque delicado, preciso y virtuoso, presente en grabaciones junto a figuras como Louis Armstrong, Benny Goodman, Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Su trabajo con Goodman lo convirtió, además, en uno de los primeros músicos negros en ocupar un lugar destacado en un conjunto integrado.En la sesión del 13 de septiembre de 1956, Wilson encabeza un trío con el contrabajista Al Lucas y el baterista Jo Jones. El repertorio son canciones especialmente apropiadas para el álbum titulado The Impeccable Mr. Wilson : melodías elegantes con progresiones armónicas ordenadas.“I Want to Be Happy” recibe aquí una interpretación particularmente fluida. Lucas, veterano de la banda de Illinois Jacquet y de la escena de la Calle 52, aporta un pulso preciso, buen gusto y un impecable sentido del tiempo, junto a Jo Jones forman una sección rítmica de extraordinaria ligereza y swing. ALBERT NICHOLAS QUARTET THE NEW ORLEANS-CHICAGO CONNECTION - Chicago, July 19, 1959 - Song Of The Wanderer, Anah’s blues, Etta, I’m coming, Virginia, Blues My Naughty Sweetie Gives To Me - Albert Nicholas (cl) Art Hodes (p) Earl Murphy (b) Freddie Kohlman (d)El clarinetista Albert Nicholas perteneció a la primera generación del jazz de Nueva Orleans. Discípulo de Lorenzo Tio, inició tocando con músicos como Buddy Petit, King Oliver y Manuel Perez, y más tarde en Nueva York se integró a la orquesta de Luis Russell, junto a Henry “Red” Allen, Charlie Holmes y J.C. Higginbotham. También trabajó con Chick Webb, Louis Armstrong y Jelly Roll Morton.El renacimiento del jazz tradicional a fines de los años cuarenta dio nuevo impulso a su carrera, pero en 1953 Nicholas siguió un camino similar al de Sidney Bechet y se radicó en Francia. Allí encontró un público más receptivo a la música de Nueva Orleans y permaneció en Europa hasta su muerte, en 1973. En 1959, en una de sus infrecuentes visitas a a Estados Unidos, Nicholas se reunió con el pianista Art Hodes, el contrabajista Earl Murphy y el baterista Freddie Kohlman para una sesión dedicada a standards y blues y grabaron “The New Orleans-Chicago Connection”, un disco sin complicaciones ni pretensiones renovadoras. El cuarteto vuelve a la esencia del jazz tradicional: melodía, improvisación colectiva y swing, encabezados por el sonido cálido y lírico del clarinete de Nicholas. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 13 de julio, 2026 14.07.2026 58min

  Durante los años sesenta, Chick Corea comenzó a hacerse un nombre junto a músicos de primer nivel mientras desarrollaba paralelamente su carrera como líder. El gran salto llegó en 1968 con la grabación de “Now He Sings, Now He Sobs”, el disco con el que cerramos nuestro primer programa dedicado a su trayectoria.MILES DAVIS - B*****S BREW LIVE - Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, July 5, 1969 - It’s About That Time - Miles Davis (tp) Chick Corea (el-p) Dave Holland (b) Jack DeJohnette (d)La siguiente gran etapa comenzó ese mismo año, cuando Miles Davis lo incorporó a su grupo. Davis se encontraba entonces en plena búsqueda de nuevas direcciones musicales, y Corea fue uno de los jóvenes músicos que lo acompañaron en esa aventura.La importancia de Corea durante este período fue enorme. Mientras muchos pianistas continuaban considerando el piano acústico como el centro de su actividad artística, él abrazó las posibilidades del Fender Rhodes y de los teclados eléctricos. Y no los utilizó simplemente como sustitutos del piano tradicional: desarrolló para ellos un lenguaje propio. Durante el período en la banda de Davis participó en grabaciones históricas como “In a Silent Way” y “B*****s Brew”, dos discos fundamentales en el nacimiento del jazz fusión.THE SONG OF SINGING - New York, April 7,8, 1970 - Toy room, Nefertiti - Chick Corea (p,perc) Dave Holland (b,perc) Barry Altschul (d)A comienzos de los años setenta, Corea y el contrabajista Dave Holland se retiraron del grupo de Miles Davis para iniciar su propio conjunto.Durante las actuaciones con Davis, y también en largas sesiones informales de improvisación, ambos habían desarrollado una estrecha afinidad musical. A ellos se sumó el baterista Barry Altschul, un músico igualmente interesado en la improvisación libre y en llevar el formato tradicional del trío de piano hacia territorios mucho más abstractos.El primer álbum de esta colaboración fue “The Song of Singing”, grabado en 1970. Aquí Corea regresó al piano acústico, pero no al lenguaje de sus primeros años. La música es abierta, espontánea y profundamente colectiva.PIANO IMPROVISATIONS VOL. 1 - Oslo, Norway, April 21 & 22, 1971 - Sometime ago - Chick Corea (p)Unos meses después, Chick Corea decidió disolver Circle y, una vez más, cambiar de dirección. Sus primeras grabaciones fueron dos discos dedicados exclusivamente al piano solo.El primero de ellos, “Piano Improvisations Vol. 1”, muestra a un Corea muy diferente al que acabamos de escuchar. La abstracción y la intensidad colectiva de Circle dan paso a una música íntima, melódica y profundamente personal. El disco incluye además la primera grabación de “Sometime Ago”, una composición que con el tiempo se convertiría en una de las obras más conocidas de su repertorio. RETURN TO FOREVER - New York, February 2 & 3, 1972 - Sometime ago / La fiesta - Joe Farrell (ts,sop,fl) Chick Corea (p,el-p) Stanley Clarke (b,el-b) Airto Moreira (d,perc) Flora Purim (vcl,perc)Después de sus grabaciones de piano solo, Chick Corea volvió a cambiar de dirección. En 1972 fundó Return to Forever, un grupo que combinaba el jazz con ritmos latinoamericanos, melodías de gran lirismo y el uso cada vez más importante de los instrumentos eléctricos.La primera formación, junto a Corea estaban el saxofonista y flautista Joe Farrell, el contrabajista Stanley Clarke, la cantante Flora Purim y el percusionista Airto Moreira. La voz de Purim y la presencia de la flauta y las percusiones brasileñas dan al grupo un carácter melódico, muy alejado de la abstracción de Circle.Junto a Weather Report, The Headhunters y la Mahavishnu Orchestra, Return to Forever se convertiría en uno de los grupos fundamentales del jazz fusión de los años setenta y serviría además como plataforma para músicos como Clarke, Flora Purim, Airto Moreira y, más tarde, el guitarrista Al Di Meola.Pero hoy escucharemos el comienzo de la historia: el primer Return to Forever. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 10 de julio, 2026 11.07.2026 58min

  TYSHAWN SOREY MEMBERS... DON’T! - Live “Jazz Gallery”, New York, c. 2025 - Equipoise (pt. 1), Libra - Adam O’Farrill (tp,electronics) Mark Shim (ts) Lex Korten (p) Tyrone Allen, II (b) Tyshawn Sorey (d,arr) Fay Victor (vcl)El baterista, compositor y director Tyshawn Sorey es una de las figuras más admiradas del jazz actual. En su más reciente trabajo, “Members… Don’t!”, rinde homenaje a un álbum fundamental de Max Roach, “Members, Don’t Git Weary”, publicado en 1968 en uno de los momentos más difíciles de la historia reciente de Estados Unidos. La música de Roach transmitía entonces un mensaje de resistencia y esperanza frente a las tensiones sociales y la lucha por los derechos civiles.En lugar de interpretar fielmente aquellas composiciones, Sorey las toma como punto de partida para crear una obra completamente nueva. Grabado en vivo en el club Jazz Gallery de Nueva York, el álbum se desarrolla como una sola interpretación continua en la que la improvisación ocupa un lugar central.Lo acompañan el trompetista Adam O’Farrill, el saxofonista Mark Shim, el pianista Lex Korten y el contrabajista Tyrone Allen. Juntos construyen una música intensa y expresiva, que mira al legado de Max Roach sin caer en la nostalgia y demuestra cómo esas ideas siguen teniendo plena vigencia en el jazz contemporáneo.CHRISTIAN DILLINGHAM AS IT RELATES TO NOW - Chicago, IL, May 30, 2025 - As it relates to now, Delusional grandeur, The divine current - Greg Ward (as) Christian Dillingham (b) Jeremy Cunningham (d)El contrabajista y compositor Christian Dillingham, ganador de un premio Grammy por su trabajo como intérprete, presenta “As It Relates To Now”, su tercer álbum como líder y el primero grabado en formato de trío. Lo acompañan dos destacados músicos de la escena de Chicago: el saxofonista alto Greg Ward y el baterista Jeremy Cunningham.Sin recurrir a un instrumento armónico como el piano o la guitarra, el trío desarrolla un sonido abierto y muy comunicativo, en el que cada músico tiene amplio espacio para proponer ideas y dialogar con los demás. Las composiciones de Dillingham nacen, en parte, de las tensiones sociales y políticas del mundo actual, aunque el mensaje se transmite siempre a través de la música.El álbum combina momentos de gran energía con pasajes más reflexivos. La estrecha compenetración entre el saxofón y el contrabajo, recuerda el vigor del hard bop clásico con un swing firme y contagioso. STEVE LEHMAN THE MUSIC OF ANTHONY BRAXTON - Live “ETA”, Los Angeles, c. 2024 - Composition 34a, L.A. genes, Composition 23c - Steve Lehman (as) Mark Turner (ts) Matt Brewer (b) Damion Reid (d)El saxofonista Steve Lehman dedica este nuevo álbum a la música de Anthony Braxton, uno de los compositores e improvisadores más influyentes del jazz contemporáneo y uno de sus primeros maestros. “The Music of Anthony Braxton”, grabado en vivo en el club ETA aquí en Los Ángeles, celebra los 80 años de Braxton con una lectura enérgica y profundamente personal de algunas de sus composiciones.Lehman se presenta junto a su consolidado trío, integrado por el contrabajista Matt Brewer y el baterista Damion Reid, al que se suma como invitado el destacado saxofonista tenor Mark Turner. Lejos de intentar reproducir las versiones originales, el cuarteto ofrece una interpretación propia, donde la improvisación, el swing y la interacción entre los músicos ocupan un lugar central.Cabe notar el contraste entre el sonido intenso y expresivo del saxofón alto de Lehman y el fraseo más sereno y elegante de Turner en tenor. Mientras tanto, Brewer y Reid forman una sección rítmica de extraordinaria compenetración. Es un concierto vibrante que no solo rinde homenaje al legado de Anthony Braxton, sino que también demuestra la permanente vigencia de su música en manos de una nueva generación de improvisadores. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 09 de julio, 2026 10.07.2026 59min

  FREDDIE HUBBARD READY FOR FREDDIE - Englewood Cliffs, NJ, August 21, 1961 - Arietis, Birdlike - Freddie Hubbard (tp) Bernard McKinney (euphonium) Wayne Shorter (ts) McCoy Tyner (p) Art Davis (b) Elvin Jones (d)Pocos trompetistas en la historia del jazz han reunido el virtuosismo, la imaginación y la influencia de Freddie Hubbard. Considerado uno de los grandes maestros de su instrumento, comenzó tocando el mellophone y luego la trompeta en la banda del colegio. Durante su adolescencia actuó junto a Wes y Monk Montgomery en Indianápolis y formó su propio grupo con el contrabajista Larry Ridley y el saxofonista James Spaulding.Cuando se estableció en Nueva York en 1958, Hubbard impresionó de inmediato por la madurez de su sonido y la seguridad de su técnica, colaborando con figuras como Philly Joe Jones, Sonny Rollins, Slide Hampton, J.J. Johnson y Eric Dolphy.En 1960, recomendado por Miles Davis, grabó su primer álbum como líder, “Open Sesame”, apenas unas semanas después de cumplir 22 años. En los diez meses siguientes registró “Goin’ Up” y “Hub Cap”, para luego alcanzar uno de los puntos culminantes de su primera etapa con “Ready for Freddie” (1961), considerado por muchos su obra maestra y el inicio de una memorable asociación con Wayne Shorter. Ese mismo año ingresó a los “Jazz Messengers” de Art Blakey, reemplazando a Lee Morgan. Para entonces, Hubbard ya había desarrollado una voz inconfundible y había sido distinguido por la revista “DownBeat” como la nueva gran figura de la trompeta.DENNY ZEITLIN / CHARLIE HADEN TIME REMEMBERS ONE TIME ONCE - “Keystone Korner”, San Francisco, CA, July, 1981 -Chairman Mao, Time remembers one time once, Satellite / How high the moon-Denny Zeitlin (p) Charlie Haden (b)Grabado en julio de 1981 en el legendario club “Keystone Korner” de San Francisco, “Time Remembers One Time Once” reúne a dos músicos de excepcional sensibilidad: el pianista Denny Zeitlin y el contrabajista Charlie Haden.Zeitlin ha sido siempre una figura singular en el jazz. Además de una brillante carrera musical, ha ejercido durante décadas como profesor de psiquiatría clínica, logrando mantener un notable equilibrio entre la medicina y la creación artística. Pianista de refinada técnica, lirismo, y una riqueza armónica con un profundo enfoque.Destacan “Chairman Mao”, de Haden, que comienza con un ostinato del contrabajo para que el piano exponga el tema de sutiles toques orientales, dando paso a un estupendo solo de contrabajo. La composición de Zeitlin que da título al álbum, parte como un vals para luego transformarse constantemente, sorprendiendo con cambios melódicos y armónicos tan naturales como impredecibles. El resultado es un diálogo de extraordinaria empatía, donde el silencio, el espacio y la escucha son tan importantes como las notas.SONNY RED QUINTET THE MODE - New York, December 14, 1961 - Super 20, Bye bye blues, The mode - Sonny Red (as) Barry Harris (p) Grant Green (g-1) George Tucker (b) Lex Humphries (d) Jimmy Cobb (d-2) replaces HumphriesAunque nunca alcanzó la fama de otros saxofonistas de su generación, Sonny Red fue uno de los más sólidos exponentes del alto surgidos del lenguaje de Charlie Parker. Formado en Detroit junto al pianista Barry Harris, inició su carrera profesional a comienzos de la década de 1950. Tras un breve paso por la orquesta de Frank Rosolino y una corta estadía con los Jazz Messengers de Art Blakey, se estableció en Nueva York en 1957.“The Mode”, grabado en 1961, refleja un momento de transición en el jazz. Sin abandonar el vigoroso bebop heredado de Charlie Parker, Sonny Red explora el lenguaje modal que comenzaba a expandirse tras la influencia de “Kind of Blue”. Red encuentra un equilibrio entre ambos mundos, alternando complejas progresiones armónicas con extensos pasajes modales. Lo acompañan el guitarrista Grant Green, los pianistas Barry Harris o Cedar Walton, el contrabajista George Tucker y el baterista Jimmy Cobb, un quinteto de primer nivel que se mueve con igual naturalidad entre la tradición del hard bop y las nuevas posibilidades del jazz modal. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 08 julio, 2026 09.07.2026 58min

  CHARLES LLOYD OF COURSE, OF COURSE - New York, March 4 & 8, 1965 - The things we did last summer (rc,tw out), Apex (gs out), Goin’ to Memphis - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d) - New York, October 15, 1965 - Sun dance - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d)Grabado en 1964, “Of Course, Of Course” fue el segundo álbum de Charles Lloyd como líder, aunque aún integraba el quinteto de Cannonball Adderley, Lloyd ya exhibía una personalidad musical claramente definida.Lo acompaña un estupendo cuarteto: el guitarrista húngaro Gábor Szabó, su antiguo compañero en el grupo de Chico Hamilton, Ron Carter en contrabajo y el joven baterista Tony Williams, quienes aportan una base rítmica de extraordinaria flexibilidad y creatividad.Siete de las nueve composiciones pertenecen a Lloyd y revelan un compositor interesado tanto en la melodía como en la exploración armónica. El estándar “The Things We Did Last Summer”, interpretado únicamente por Lloyd y Szabó, ofrece uno de los momentos más íntimos del álbum. En el extremo opuesto está “Apex”, un intenso trío con Carter y Williams donde, más que la influencia de John Coltrane, aflora la libertad melódica y el enfoque abierto de Ornette Coleman. El breve solo de Carter es una joya.DIANA KRALL - ALL FOR YOU - New York, October 3-8, 1995 - Frim fram sauce, A blossom fell - Diana Krall (p,vcl) Russell Malone (g) Paul Keller (b) - GLAD RAG DOLL - Los Angeles, January-February 2012 - Glad rag doll - Diana Krall (p,vcl) Marc Ribot (ac-g)Diana Krall alcanzó proyección internacional con “All for You” (1996), un homenaje a Nat King Cole, y consolidó su éxito con “When I Look in Your Eyes” (1999), álbum que obtuvo reconocimiento en los premios Grammy y contribuyó a devolver el jazz al primer plano del mercado discográfico.Su estilo combina estándares de jazz con influencias del pop, la bossa nova y el Gran Cancionero Estadounidense, logrando un equilibrio entre sofisticación y accesibilidad. Con una voz de íntima calidez y un elegante trabajo al piano, Krall ha conquistado una audiencia internacional sin apartarse de la tradición del jazz. Sus grabaciones y presentaciones continúan demostrando un profundo respeto por ese legado, acercando la elegancia del jazz vocal clásico a nuevas generaciones de oyentes.BLUE MOODS DIRECTIONS & EXPRESSIONS - Brooklyn, NY, September 13, 2025 - Boplicity, Stuff, Agitation, Lazy Susan/Half Nelson - Eli Howell (tb) Diego Rivera (ts,sop) Behn Gillece (vib) Art Hirahara (p) Boris Kozlov (b) Vinnie Sperrazza (d)“Charles Lloyd – “Of Course, Of Course” Con “Directions & Expressions”, el sello PosiTone continúa su serie “Blue Moods”, dedicada a reinterpretar la obra de algunos de los grandes compositores del jazz. En esta ocasión, el homenaje está centrado en Miles Davis, cuya música sirve como punto de partida para nuevas lecturas llenas de imaginación y personalidad.El sexteto reúne al saxofonista Diego Rivera, el trombonista Eli Howell, el pianista Art Hirahara, el vibrafonista Behn Gillece, el contrabajista Boris Kozlov y el baterista Vinnie Sperrazza. Más que reproducir los arreglos originales, el grupo explora el lirismo, la profundidad armónica y el espíritu aventurero que caracterizaron la obra de Davis, equilibrando atmósferas contemplativas con momentos de gran intensidad. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com
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  Puro Jazz 07 de julio, 2026 08.07.2026 58min

  IKE QUEBEC - QUINTET - New York, July 18, 1944 - Tiny’s excercise, She’s funny that way - Ike Quebec (ts) Ram Ramirez (p) Tiny Grimes (g) Milt Hinton (b) J.C. Heard (d) - SWINGTET - New York, September 25, 1944 - Hard tack, If I had you - Jonah Jones (tp) Tyree Glenn (tb) Ike Quebec (ts) Ram Ramirez (p) Tiny Grimes (g) Oscar Pettiford (b) J.C. Heard (dIke Quebec nació en Newark en 1918, comenzó como pianista y bailarín antes de descubrir el saxofón tenor. Influido por Coleman Hawkins y Ben Webster, desarrolló un sonido amplio, aterciopelado y profundamente expresivo. No fue un revolucionario, pero sí uno de los saxofonistas con el fraseo más cálido y seductor de su generación. En los años cuarenta trabajó como una especie de director artístico informal para el sello Blue Note Records y fue quien llamó la atención de Alfred Lion sobre jóvenes talentos como Thelonious Monk y Bud Powell, contribuyendo decisivamente al desarrollo del catálogo del sello. Quebec nunca buscó deslumbrar con velocidad ni con complejidad. Su mayor virtud fue hacer cantar al saxofón tenor con una calidez y una humanidad que hoy siguen siendo inconfundibles. Es uno de esos músicos cuya primera nota basta para reconocerlo.”JOE MARSALA - JAM SESSION - WNEW Studios, New York, December 7, 1938 - Hard tack, If I had you - Bobby Hackett (cnt) Joe Marsala (cl) Ernie Caceres (bar) Joe Bushkin (p) Carmen Mastren (g) Sam Shoobe (b) George Wettling (d) - AND HIS CHOSEN SEVEN - New York, July 6, 1942 - Chimes blues, Sweet mama (papa’s getting mad), Walkin’ the dog, Lazy daddy - Max Kaminsky (tp) George Brunies (tb) Joe Marsala (cl,as) Dick Cary (p) Carmen Mastren (g) Haig Stephens (b) Zutty Singleton (d)Joe Marsala es una de esas figuras discretas pero fundamentales del jazz tradicional. Aunque nunca alcanzó la fama de Benny Goodman o Artie Shaw, fue un músico muy respetado por sus colegas y un importante puente entre el jazz de Chicago y la escena neoyorquina de los años treinta y cuarenta.Nació en 1907 en Chicago, comenzó tocando saxofón, pero muy pronto el clarinete pasó a ser su instrumento principal. Sus primeras influencias fueron Frank Teschemacher y Jimmie Noone, dos de los grandes representantes del llamado “estilo Chicago”.En 1931 se trasladó a Nueva York, donde rápidamente encontró trabajo con músicos como Muggsy Spanier, Eddie Condon y Wingy Manone. Durante esos años se convirtió en una presencia habitual en los clubes de la calle 52, el corazón del jazz neoyorquino.Su estilo se caracterizaba por un sonido limpio y cálido, una improvisación elegante y un swing natural. No buscaba el virtuosismo deslumbrante; prefería construir solos melódicos, fluidos y perfectamente integrados al conjunto. Esa musicalidad hizo que fuera muy apreciado tanto en pequeños grupos como en sesiones de estudio.JOHN HARDEE - SWINGTET - New York, February 28, 1946 - Tired, Blue skies, Hardee’s partee - John Hardee (ts) Sammy Benskin (p) Tiny Grimes (g) John Simmons (b) Sidney Catlett (d) - SEXTET - New York, May 31, 1946 - River edge rock, Sweet and lovely - John Hardee (ts) Bill Bivens (vib) Sammy Benskin (p) Jimmy Shirley (g) Gene Ramey (b) Sidney Catlett (d)John Hardee nació en 1916 en Texas y comenzó tocando en bandas territoriales del suroeste de Estados Unidos antes de establecerse en Nueva York durante la década de 1940. Allí llamó la atención por un sonido poderoso y una gran fluidez técnica.Aunque inicialmente influenciado por Lester Young y Don Byas, desarrolló un lenguaje propio. Su fraseo tenía la elegancia y la ligereza de Young, aunque con un tono más robusto y una inclinación hacia las armonías modernas que anunciaban el bebop.Entre 1946 y 1949 realizó varias grabaciones como líder para el sello Savoy Records. En ellas aparece acompañado por excelentes músicos de la época y demuestra una capacidad notable para combinar el swing con un vocabulario armónico más avanzado. Sin romper con la tradición, su música ya miraba claramente hacia el jazz moderno.John Hardee pertenece a esa selecta lista de grandes talentos poco recordados. Su música refleja el instante en que el swing comenzaba a transformarse en jazz moderno, con un saxofón tenor que conservaba la elegancia de la tradición mientras abría la puerta a un nuevo lenguaje.Murió en 1963, con apenas 47 años. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com