Civilcinema

ตอน

• 
  #582 Fellini Satyricon (1969), de Federico Fellini 01.09.2026 1ชม. 27นาที

  En retrospectiva, todo lo extraño que nos pueda resultar el Satyricon de Fellini —porque vaya que lo es— acaba por hacer sentido al observar las dos líneas maestras de su filmografía. Por un lado, la lenta progresión hacia retratos cada vez más acabados y complejos de la condición humana; por el otro, la exploración de su terreno natural, la ciudad de Roma entendida como crisol de occidente, capaz de contener lo sublime y lo abyecto, lo perenne y lo fugaz, lo serio y lo ridículo. Al centro de este diseño, deliberadamente abstracto y ajeno (subrayando así nuestra imposibilidad de conectar con ese pasado distante) se encuentra la estructura fragmentaria episódica del propio argumento del filme. No podía ser de otra manera: el Satiricón de Petronio —escrito durante los años de Nerón— sólo se conserva a pedazos, trozos desconectados que sin embargo poseen como hilo conductor las aventuras de Encolpio y Ascilto, dos pícaros que transitan por los más diversos escenarios durante días críticos del imperio; dos personajes que en realidad son uno solo, capaces de moverse entre nobles, comerciantes, amantes y esclavos, circular tanto "arriba" como "abajo" en un mundo que apenas lo atrapan se aleja, fuera de su alcance. En su intento de dialogar con Pasolini —otro interesado en esta Roma inmortal y perecible— Fellini creó un filme de inmensa influencia sobre sus contemporáneos, una obra que los contiene y los expande. Sobre eso y más se habla en este podcast.
• 
  #581 Stromboli (1950), de Roberto Rossellini 01.09.2026 1ชม. 1นาที

  A fines de los años 40, Rossellini tenía clara conciencia de dos cosas : que su cine estaba superando los confines del paradigma neorrealista y que hacía sentido la idea de realizar un filme en idioma inglés. A dos océanos de distancia, Ingrid Bergman —por entonces, la actriz más famosa y celebrada del mundo— sentía superada su etapa como actriz de Hollywood y decidía escribir una carta... a Rossellini. Fruto de esa coincidencia emerge una colaboración artística única en la historia del cine, un romance tempestuoso y un escándalo mediático. Dando por conocidos los dos últimos, siempre será importante relevar lo primero: sin tener total claridad de lo que estaban consiguiendo frente a las cámaras, al narrar la historia de Karen —mujer que sale del campo de refugiados donde ha estado retenida desde el final de la guerra, sólo para ir a encerrarse recién casada a una minúscula isla volcánica que se convierte en otra cárcel más—, Rossellini y Bergman están sentando las bases de lo que hoy conocemos como cine moderno. Un cine centrado en la sicología de sus personajes, donde el conflicto es interior y el trauma se corporeíza, se vuelve material, a través del entorno, las cosas y las relaciones. Prodigiosa como es, Stromboli también es el punto de origen del cine de Ingmar Bergman, Antonioni, Godard, Wenders, Kiarostami y enorme estirpe de realizadores que se extiende hasta hoy. Sobre ese inmenso legado y algo más se habla en este podcast .
• 
  #580 The Backrooms (2022-2025), de Kane Parsons 03.08.2026 1ชม. 12นาที

  #580 The Backrooms (2022-2025), de Kane Parsons by Civilcinema
• 
  #579 La Odisea (2026), de Christopher Nolan 30.07.2026 2ชม. 2นาที

  Concebida como filme espectáculo, superproducción y aventura definitiva, La Odisea de Nolan es también algo más: una película realizada casi totalmente con recursos analógicos —material en fílmico, efectos ópticos y prácticos, escenografía construida a mano— en una era donde gran parte del proceso cinematográfico se ha vuelto plenamente digital. Más allá de la sorpresa que ello pueda causar a espectadores de siglo XXI (que han incorporado la artificialidad como parte natural de la experiencia fílmica), la pregunta es si acaso esta tremenda combinación de gigantismo, ambición y artesanía es capaz de decirnos algo acerca de la condición humana, el complejo y salvaje legado de la civilización occidental y la forma en que lidiamos con las consecuencias de nuestros actos, porque independiente de lo recaudado en taquilla, de lo debatido en las redes y de las opiniones de toda clase de expertos, eso es lo que parecen estar persiguiendo los cineastas con su filme. En ese sentido, La Odisea viene a ser el complemento lógico de Oppenheimer, ambas parte de un díptico que intenta enlazar presente y pasado, acercar algo que parece distante y ponerlo frente a nuestros ojos. De eso y más se discute en este podcast.
• 
  #578 Europa '51 (1952), de Roberto Rossellini 23.06.2026 1ชม. 15นาที

  A comienzos de la década del 50, el binomio artístico-sentimental de Ingrid Bergman y Roberto Rossellini estaba plenamente consolidado. Pese al escándalo en Hollywood, a la mala prensa en Italia y la excomunión del Vaticano a ambos, el dúo se lanzó a explorar un terreno totalmente nuevo en la historia del audiovisual: el drama sicólogico existencial. Hijo directo de la inmensa crisis social y personal gatillada tras la posguerra, este nuevo tipo de filme indagaba en el trayecto social y espiritual de personajes sometidos a tensiones imposibles. Se trataba, en esencia, de un viaje interior que bebía de raíces melodramáticas, pero que superaba con mucho las convenciones del cine de género. En cierta forma, se trataba del origen de lo que alguna vez se conoció como cine arte, cine de autor o cine ensayo. La primera muestra de algo que más tarde desarrollarían multitud de cineastas, artistas como Bresson, Bergman, Fellini, Antonioni, Erice, Wenders, Kiarostami, Kieslowski y un largo listado que llega hasta nuestros días. Incluso así, y dicho todo lo anterior, Europa '51 todavía sorprende al narrar la historia de una mujer de clase alta quien, tras la muerte de su hijo, comienza a ver el mundo de una forma que nadie, ni siquiera sus más cercanos, pueden compartir. Es como si, de un momento a otro, el velo que tiene sobre los ojos se descorriese y comenzara a ver el mundo en términos totalmente espirituales, sin concesión alguna. Sobre esa situación imposible, sobre este logro artístico absoluto, sde discute en este podcast.
• 
  #577 No Bears (2022) y Fue sólo un accidente (2025), de Jafar Panahi 28.05.2026 1ชม. 42นาที

  No deja de ser una ironía que, Fue sólo un accidente, el filme más premiado y notorio del iraní Jafar Panahi en la década del 2020 sea precisamente el que rompe con el camino que el realizador había estado transitando durante quince años de su carrera: ante la prohibición de ejercer su profesión por parte del régimen teocrático de los ayatollahs, el cineasta dirigió su mirada sobre sí mismo, produciendo una serie de filmes en los que exploró su propia forma de observar la realidad (This is not a Film, Closed Curtain y Taxi), para luego cuestionarla sin reservas (3 Faces). Ese proceso de crítica se topó con una pared, con un no poder ir más allá en No Bears, uno de los grandes filmes de autor en lo que va del siglo, abierto homenaje de Panahi a su maestro Abbas Kiarostami, pero también una advertencia acerca de los límites que un artista decide o no cruzar. La respuesta a ese punto de quiebre es Fue sólo un accidente: tragedia y comedia, aderezada de absurdo y crueldad. Panahi vuelve a la ficción, pero pagando un costo. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #576 All About Eve (1950) y The Barefoot Contessa (1954), de J.L. Mankiewicz 06.05.2026 1ชม. 44นาที

  Las películas tras bambalinas, sean estas las del teatro o del cine, ya habían generado al menos una par de obras maestras con La calle 42 (1934) y Nace una estrella (1937), cuando JL Mankiewicz —en la cumbre de su talento e influencia en Hollywood— estrena All About Eve (1950), obteniendo por ella una gran recaudación y seis premios Oscar (incluyendo dos para él, como director y guionista) y asegurando de paso la inmortalidad de Bette Davis como Margo Channing, la diva definitiva. La premisa es la misma de 42nd Street (la carrera de una actriz suplente explota la noche en que reemplaza a la estrella principal), pero la ejecución, la maestría de sus di´álogos y sobre todo la forma en que estos son interpretados por un elenco insuperable, hacen de All About Eve un objeto único: entretenimiento supremo, combinación perfecta entre drama y kitsch, y claro, la película sin la cual toda la obra de Almodóvar no existiría. Mucho menos conocida por el público actual, pero igual de esencial es La condesa descalza (1954), el gran ajuste de cuentas de Mankiewicz con sus propios colegas y, en especial, con los productores y financistas cinematográficos. El punto de partida es puro melo: situado ante un talento puro como el de María Vargas, el director Harry Dawes sólo está seguro de una cosa; tarde o temprano, ese diamante en bruto será destrozado. Suerte de post mortem de una industria a la que se ama y se odia, la fábula está perfectamente servida por Ava Gardner y Humphrey Bogart en los roles principales. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #575 Manoel en la Isla de las Maravillas (1985), de Raúl Ruiz 05.05.2026 1ชม. 15นาที

  A principios de los años 80, Raúl Ruiz descubrió que no sólo era un director chileno en el exilio sino también un cineasta portugués por elección: a pesar que llevaba casi una década viviendo y trabajando en Francia, fue en Portugal donde encontró otra parte de sí mismo, estableciendo una relación con el país y su gente que se prolongó hasta su muerte en 2011. Al corazón mismo de este encuentro se haya Manoel y la Isla de las Maravillas —conocida también como Los destinos de Manoel— una película y miniserie ambientada en la isla de Madeira, y que gira en torno a un niño pequeño, su familia, su entorno y el final de una infancia que, plagada de fantasía, también es asolada por una buena cuota de miedo y pesadilla. Aunque Ruiz ya había incorporado a la infancia como tema de su obra (en La isla de los piratas, de 1983) es a partir de aquí que la idea del niño que despliega su mirada hacia el mundo, transformándolo en el camino cual artista, hace por fin su aparición. Así las cosas, Manoel se imagina sucesivamente volviendo desde el futuro, se figura como un huérfano e incluso se inventa una suerte de doble adulto, poniendo en jaque su sentido de lo real y haciendo del espectador un cómplice más. Fábula de piratas, relato de aventuras, ensoñación diurna, la película también es un manifiesto ejercicio autobiográfico, Ruiz contemplando al niño que fue, rodeado de quimeras y fantasmas. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #574 Make Way For Tomorrow (1937) y The Awful Truth (1937), de Leo McCarey 09.04.2026 1ชม. 38นาที

  Uno de los mayores directores de los inicios del cine sonoro, Leo McCarey experimentó una suerte de annus mirabilis en 1937, cuando en el plazo de pocos meses estrenó dos obras maestras absolutas: Make Way For Tomorrow y The Awful Truth. Una tragedia y la otra comedia. Una, pieza fundamental del melodrama en el hollywood clásico; la otra, situada al centro de lo que poco después será bautizado como screwball comedy, comedia alocada. Es imposible imaginarse dos filmes más logrados y distintos a la vez, casi totalmente opuestos. Y, sin embargo, al corazón de ambos existe una misma premisa, la tremenda promesa y los dolorosos límites que ofrece la vida en pareja. Inspirado por la reciente muerte de su padre, McCarey y su guionista Viña Delmar concibieron Make Way For Tomorrow como una fábula acerca de la inevitable división que los años generan entre los padres y sus hijos, pero lo que emergió en el camino es el retrato indeleble de dos personas mayores que, separadas, acaban por borrar todo a su alrededor salvo las ardientes cenizas de su amor. The Awful Truth, en tanto, tuvo su origen en el fracaso de la cinta anterior: McCarey recurrió a toda su imaginación para reimaginar un viejo éxito teatral de los años veinte, donde el inminente divorcio de una pareja los hace mirar de frente a lo que tienen entre manos. Pura locura y una dosis, nada despreciable, de verdadera pasión. ¿El gran ganador? Cary Grant, quien en su primer rol de comedia, usó al propio director como modelo contra el cual perfilar su propio yo fílmico. Sobre eso y más se discute en este podcast.
• 
  #573 A Better Tomorrow (1986), de John Woo 30.03.2026 1ชม. 23นาที

  A cuarenta años exactos del estreno A Better Tomorrow en Hong-Kong es evidente que John Woo (director y coguionista) y Tsui Hark (productor) no tenían conciencia de lo que estaban desatando con esta fábula de mafia y familia, ambientada en plena era de corrupción y plata dulce. En principio, estaban inspirándose en viejos policiales de los años 60, pero su mix de hermandad a toda prueba, lealtades que se traicionan y familias puestas contra la pared, más un torrente sin fin de balas, crearon un nuevo género: el Gung Fu, el ballet de disparos que hizo de Woo uno de los cineastas más demandados por el mercado en los años 90, y de Tsui Hark uno de loos padres espirituales del cine de Tarantino. Las aventuras del hermano Sung y el hermano Mark (inolvidable Chow Yun Fat), sin embargo, son mucho menos frenéticas y desbocadas que las cintas que emergieron en su égida; de hecho, es su veta sentimental, la cebolla masculina aplicada en generosas —aunque precisas— dosis la que le da su estatus de clásico, de punto y aparte en el cine de acción. Sobre eso y más se habla en este podcast.
• 
  #572 Marty Supreme (2025), de Josh Safdie 23.03.2026 1ชม. 36นาที

  Consumida, por el momento, al interior de la carrera por el Oscar 2026, la película que hizo de Timothée Chalamet una figura planetaria (para bien y para mal) hace perfecto sentido dentro de la filmografía previa de los hermanos Safdie —bien podría ser leída como el final de una trilogía integrada por Good Time (2017) y Uncut Gems (2019)— en el sentido que es un relato desplegado entre la energía y la ansiedad, el voluntarismo y el descalabro. Por otro lado, es imposible no pensar en el filme como una relectura del siglo XX desde el siglo XXI; en específico, una mirada a la cultura neoyorkina y el mundo judío de la posguerra, el espacio en que aquellos que no fueron tocados por el Holocausto se despliegan por el mundo con un ímpetu casi salvaje. Al centro de todo ello se encuentra Marty Mauser, chico prodigio del ping pong, moderno Huckleberry Finn, calamitoso hijo, amigo y pareja de quien se cruce en su camino. Haciendo honor a su nombre y apariencia ratonil, Mauser se cuela por los intersticios de la historia en busca de un destino que imagina para sí, pero que acaba por compartir apasionadamente (y casi siempre de mala gana) con quienes le rodean. Obra de increíble ambición, es la prueba viva de que el interés por los Safdie manifestado por Scorsese y otros contemporáneos está más que justificado. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #571 The Apostle (1997), de Robert Duvall 09.03.2026 1ชม. 19นาที

  Las películas dirigidas por actores pueden ser un acto de vanidad, un intento de búsqueda, un ejercicio personal y obras de arte únicas. Lo que las impulsa no se enmarca en la lógica tradicional del director y su carrera creativa o comercial: el actor suele ponerse detrás de la cámara para explorar algo y transformarse él mismo en camino. Y lo que salga de ahí puede ser totalmente original, como sucedió en su tiempo con La noche del cazador, de Charles Laughton, y claro El apóstol, un proyecto que Robert Duvall arrastraba consigo desde fines de los años 60, y que atravesó por muchas fases antes de plasmarse, por fin, en la pantalla en la única era en que algo así podría haber sido posible: fines de los 90, en el corazón de la explosión del cine independiente estadounidense. Duvall narra la historia de Sonny, un predicador que tras ser expulsado de su parroquia por su esposa y el amante de ésta, agrede gravemente a este último y escapa con lo puesto hacia el camino y hacia una vaga idea de redención, vinculada a un minúsculo pueblo de Louisiana, donde —convertido en apóstol, es decir, alguien cuya tarea es fundar nuevas iglesias— intentará revivir una congregación y esperar que el destino le alcance. Brillante como filme de personajes, genial como retrato de una comunidad donde la fe juega un rol articulador, The Apostle es el legado central de una carrera insuperable. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #570 El caballo de Turín (2011), de Béla Tarr y Ágnes Hranitzky 09.03.2026 1ชม.

  Cuando Béla Tarr anunció en 2011 que El caballo de Turín sería su última película, poca gente del medio lo tomó en serio: el ambiente está repleto de gente que se "retira" públicamente sólo para regresar poco tiempo después. Pero Tarr nunca lo hizo. Fue fiel a su promesa, no porque esta fuese radical, sino porque a la luz de su obra completa, esta "película testamento" no podría ser sucedida por ninguna. Narrada por jornadas o capítulos, su argumento es apenas un esquema. Un padre y su hija se aferran como pueden a una granja donde el caballo de tiro se resiste a salir, el pozo de agua se seca y la tormenta que azota el sector nunca abate; incluso la posibilidad de abandonar la propiedad se ha vuelto imposible. ¿Qué resta por hacer salvo abandonar? Tarr nunca se animó a dar explicaciones acerca de la trama y del sentido último de El caballo de Turín, pero para alguien criado dentro de el régimen socialista húngaro, alguien que lo vio desmoronarse sólo para ser reemplazado por una versión local del fascismo (algo que el realizador ya había anticipado en Satántángo, allá por 1994) esa evolución —o involución— debe haber sido más que suficiente. Punto, aparte, final. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #569 Annie Hall (1977), de Woody Allen 17.02.2026 1ชม. 20นาที

  Por cierto que es imposible imaginar la existencia de Annie Hall sin la figura consular de Diane Keaton, verdadero catalizador de un arquetipo humano tanto del cine como del siglo, pero los orígenes del filme son harto más diversos (y difusos). Es, sin duda, un retrato del propio Woody Allen (quien con esta cinta deja atrás su primer período de humor disparatado para girar hacia un tono de autorreflexión). Es, también, la evocación de una subcultura: el registro vital del judío urbano de Manhattan ( a su manera , una continuación del judío berlinés exterminado por los nazis), su sentido del humor, su sentido del absurdo, del poder (de cómo tenerlo y cómo perderlo), sus miedos, sus fantasmas, y su natural inadaptación a un terreno que, pese a ser suyo, puede expulsarlo a la primera de cambio. Annie Hall es, al mismo tiempo, un di´álogo activo con las propias raíces, con los orígenes familiares, pero también las caretas que sus personajes inventan en orden soportar al prójimo y a ellos mismos, y la forma en que estas máscaras caen, dejando a sus dueños expuestos y vulnerables, presa de las emociones y los apetitos de los otros. Es en esa dimensión que el recuerdo de Louise Lasser —la segunda esposa de Allen y una figura cuya sombra permea muchos de los personajes femeninos del cineasta— emerge, se transfigura y, finalmente, se apodera merecidamente de la película, haciendo de ella un artefacto único, un genuino crisol cultural. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #568 Quiz Show (1994), de Robert Redford 17.02.2026 1ชม. 32นาที

  Por más grande que sea el escándalo, el paso del tiempo siempre hace que sus efectos se disipen o reinterpreten a la luz de las décadas. Quiz Show, acaso el filme más importante que llegó a dirigir Robert Redford, consiguió a mediados de los 90 un poco de ambos ecos. Por un lado, sacó del olvido las estafas cometidas por los productores de Twenty-One, un programa de concursos del canal NBC. Por otro, usó esos añejos recuerdos para observar la cultura de la TV desde la otra orilla: ya no más como un continente nuevo en el que todo era posible (también el obrar mal) sino como uno de los engranajes más poderosos de la industria del consumo. Quiz Show es un filme creado desde la derrota, por testigos de una ola de poder, de ganancias y de adicción que se los tragó a todos. Partiendo por ellos. De eso y más se discute en este podcast.
• 
  #567 M. El hijo del siglo (2024), de Joe Wright 06.01.2026 1ชม. 39นาที

  Lo que hace de M. Il figlio del secolo una pieza magistral no sólo es su teatralidad extrema, su virtuosismo a la hora de romper la cuarta pared y por cierto que tampoco la cuasi sobrehumana interpretación de Luca Marinelli en el papel de un Mussolini en pleno ascenso hasta el tope, sino la forma en que, desde su minuto inicial, la serie se sitúa no en la Italia de hace cien años sino en el mundo contemporáneo, en el ahora, en nuestro momento a momento. Sin ánimo de venir a hacer advertencias sobre un eventual regreso del fascismo, más bien al revés, reconociendo que eso ya es una realidad, el programa asume al completo que toda pieza de época es un comentario sobre el presente y obra en consecuencia: el Mussolini de esta historia —adaptada a partir de la novela homónima de Antonio Scurati— es tanto protagonista como antihéroe; tanto líder de una pandilla mafiosa como diestro político que no sabe sino vivir al borde, siempre; tanto personaje histórico como comnentarista que vuelve de ultratumba a refregarnos en la cara lo que ya sabíamos desde el principio. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #566 Jonas Mekas en los años 60 06.01.2026 1ชม. 5นาที

  Inmerso como llegó a estar en la contracultura neoyorkina, en plenos años 60 nadie habría confundido a Jonas Mekas con el inmigrante que llegado desde la Europa en guerra comenzó a figurarse su lugar en el mundo paso a paso, escribiendo, fotografiando y filmando en plan amateur lo que tenía más a mano: su propia vida. Los cortos que Mekas creó en dicho período serían integrados en configuraciones distintas en su primer filme "summa": Walden, en 1969, una obra que rinde tributo al libro homónimo de H.D. Thoreau, pero trasladando ese lugar de retiro en los bodques al corazón de una ciudad enorme, y en la que sin embargo se puede vivir retirado como el filósofo alguna vez imagino, pero insólitamente en medio del mundanal ruido, en medio del frenesí de los otros. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #565 Sirāt (2025), de Olivier Laxe 07.12.2025 1ชม. 13นาที

  Filme sensación en la edición 2025 del Festival de Cannes, Sirāt es sorprendentemente simple en anécdota y ejecución, pero su verdadero sentido parece estar más allá. Un padre que busca a su hija desaparecida, junto a su hijo pequeño, se une a una caravana de ravers en el cruce de las montañas Atlas , en Marruecos, al tiempo que parece estallar un conflicto bélico global. En el camino, no sólo la búsqueda comienza a perder sentido: lo mismo ocurre con ir a la rave, atravesar peligrosos caminos, seguir por la ruta hacia adelante. Usando un elenco mayormente integrado por verdaderos transhumantes de las fiestas electrónicas y un esquema narrativo anclado en los filmes de carretera y la travesía hacia el "corazón de las tinieblas" (la misma que alguna vez utilizó Apocalipsis Ahora), Sirāt llega por otra ruta a un destino similar al propuesto por Mad Max: Fury Road, el de la fábula terminal acerca del primer mundo, el lugar donde se suponía que todos debían dirigirse y que se revela vacío de contenido, sentido, entidad. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #564 La ola (2025), de Sebastián Lelio 07.12.2025 1ชม. 5นาที

  Considerando que una película siempre es hija del tiempo y el contexto en que se filman y se estrenan, ¿en qué medida se puede decir que La Ola es una cinta que llegó "tarde" a su público? Porque ese es el primer impulso a la hora de intentar encuadrar y comprender su fracaso en la cartelera: la audiencia ya habría dejado atrás la lógica de la protesta y el estallido social y, políticamente, se ubica en el otro extremo de lo que dio origen a la revuelta. El punto es que es demasiado fácil encasillarla en esos términos, sobre todo cuando se toma distancia y se observa con atención el relato de una alumna universitaria que queda atrapado en el torbellino público y emocional que —tanto en la película como en la vida real— atrapó a buena parte de su generación. En su primera película filmada en chile después de Una mujer fantástica, Sebastián Lelio parece menos preocupado de dar cuenta de la contingencia que de ofrecer una mirada larga, una que se sostenga para el momento y en el tiempo. La tarea no es fácil: el realizador no sale indemne del esfuerzo, pero consigue algo que suele echarse de menos en el cine chileno: filmar la historia, la pública y la personal. De eso y más se habla en este podcast.
• 
  #563 One Battle After Another (2025), de Paul Thomas Anderson 17.10.2025 1ชม. 44นาที

  ¿Cómo crear un filme que, al mismo tiempo, sea una pieza de autor, un producto de alcance masivo y un objeto que deje una marca en la cultura? la última ocasión en que un realizador había intentado algo parecido —Quentin Tarantino con Érase una vez en Hollywood— éste fue tan alabado como fustigado por cierta parte de público y crítica, pero en general se salió con la suya: su película va camino de convertirse en un clásico. El punto ahora es qué ocurre si a todo el mix anterior agregas una lectura abiertamente política, una que se sitúa de lleno ya no en el pasado reinventado (y lejano) sino en un presente totalmente reconocible, sobre todo para una conflictuada izquierda progresista y una derecha autoempoderada. Pues bien, eso es lo que pone sobre la mesa One Battle After Another: filmada en Vistavision, 65mm, con película física (el formato de mayor nitidez y espectacularidad disponible), protagonizada por Leonardo DiCaprio, en un registro tan maduro como satírico; realizada con efectos especiales prácticos, de abrumadora finura y destreza; basada tangencialmente en una novela del elusivo Thomas Pynchon (rescatando de paso mucho mejor su universo literario y humanista que Inherent Vice, la anterior adaptación de su obra); ambientada, por último, en un Estados Unidos abiertamente reconocible, un mundo de grupos de interés, bandos opuestos, sociedades secretas y armas automáticas, en el que efectivamente se dan cruciales batallas (públicas y privadas) día tras día; en fin, todo ello da cuenta de un extraordinario esfuerzo técnico y artístico, tal vez el más complejo y el más frontal emprendido por Paul Thomas Anderson, en la cumbre de su profesión e influencia en el medio. Wow, qué película y qué ambición. De eso y más se habla en este podcast.